Todo empezó como un juego. Como siempre empiezan estas cosas. Un grupo de chalaos por la música, los deportes y las mujeres se enzarzan en discusiones bizantinas sobre canciones, sistemas de votación, ordenación, y todas esas fruslerías. Una buena excusa para repasar algunas de las mejores canciones internacional de todos los tiempos . Una lista que, como todas, es subjetiva y sobre la que no se ponen de acuerdo ni siquiera los individuos que la perpetraron...

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jueves, 18 de julio de 2013

1 - The Beach Boys - God Only Knows

  • álbum: Pet Sounds
  • año: 1966
  • sello: Capitol Records

  • "I may not always love you..."

Me van a permitir que me extienda en esta. Es el número 1 y la ocasión lo merece.

“God only knows”, todo un reto. La mejor canción jamás escrita. Lo dice Sir Paul McCartney  y así lo decidieron las votaciones de la lista de amigos que dieron origen a esta lista de canciones y a este blog (y su hermano nacional). Por un lado, es un reto porque supone el broche de oro a este entretenimiento que nos ha llevado más años (sí, ¡años!) de lo esperado completar. Ha pasado tanto tiempo que alguno ha sugerido extenderlo para añadir nuevas canciones aparecidas o descubiertas durante este tiempo, desde que hicimos aquella votación. Realmente no creo que sea necesaria esa actualización. Al fin y al cabo, este blog es lo que tiene que ser: un perfecto reflejo de uno de los lazos que mantienen activa la lista VS desde Marzo de 2002, la pasión por la música. Esta pasión, junto con la pasión por el deporte (que fue la chispa que dio lugar a esta lista como spin off de otra lista musical), es el hilo conductor de esta lista. Y la amistad. Si algo ha sido Vermouthsport durante estos 11 años ha sido una barra de bar virtual, en la que grupo de amigos discuten diariamente de lo divino y lo humano, de música y de deporte, se desahogan de toda la mierda que a veces nos rodea, y se cuentan y comparten las alegrías ¿Quién hubiera pensado que seguiríamos conectados a una lista de correo 11 años después? De hecho, ¿quién hubiera pensado que seguirían existiendo las listas de correo? Pues aquí estamos, y espero que por muchos años más.

Y si he comenzado diciendo que escribir esta entrada es todo un reto, no es sólo por ser la entrada número 1 del blog. Todos los que me conocen personalmente, saben lo que representan Brian Wilson y los Beach Boys para mí. Todos saben que, para mí, Pet Sounds es el mejor disco de la historia. Y a todos les he aburrido hablando de la mejor canción del mejor disco de la historia, que no es otra que “God only knows”. Una canción que ha estado muy presente en los momentos más importantes de mi vida, y de las pocas que han conseguido que derrame lágrimas de felicidad (nunca olvidaré la primera vez que pude ver a Brian interpretándola en directo en el Royal Festival Hall de Londres). Una canción que, tras escucharla miles de veces, sigue emocionándome como la primera vez.

Que Brian Wilson es un genio es algo que ya nadie duda. Afortunadamente, tras muchos años de olvido, Wilson y los Beach Boys están recibiendo el reconocimiento que se les negó durante muchos años. Bien es cierto que gran parte de la culpa de esta falta de reconocimiento durante años es suya (drogas, problemas mentales, juicios, decisiones artísticas equivocadas...), pero en estos últimos años la obra de los Beach Boys ha empezado a ser valorada como se merece, consiguiendo que muchos vean más allá del sempiterno “Surfin’ USA”.

“Pet Sounds” es un habitual en las listas de los mejores discos de la historia. Concebido por Brian junto al letrista Tony Asher como un disco temático, como un viaje desde la inocencia a la madurez, lleno de dudas, incertidumbres, descubrimiento del amor, decepción y nostalgia. Un disco compuesto prácticamente como una obra en solitario de Brian (con el resto de los chicos de gira por Japón), con los mejores músicos de la escena de L.A. (conocidos como la Wrecking Crew). Un disco grabado con la intención consciente de cambiar la historia de la música. Y probablemente lo hizo, leyendo estas palabras de George Martin  "Sin Pet Sounds, Sgt. Pepper no habría existido... Pepper fue un intento de igualar Pet Sounds".

“God only knows” es la pieza central sobre la que pivota el disco. El eslabón central de la cadena que une la ilusión de “Wouldn’t it be nice” con la tristeza de “Caroline, No”. Para los estudiosos de la música, es un ejemplo de cómo, usando cambios de acordes inusuales, se pueden transmitir sensaciones que refuerzan el mensaje de la letra. Para los que no somos capaces de comprender esos matices, es simplemente una canción de una belleza apabullante.

La trompa y el clavicémbalo, la irrupción del bajo de Carol Kaye, entra un clarinete… y, de pronto, esa frase “I may not always love you” (“puede que no te quiera siempre”), para comenzar la canción de amor más bonita de la historia. La voz de Carl Wilson nunca ha sido tan dulce (su hermano Brian claramente acertó en esta elección), y nos descubre que “sólo” le querrá “mientras haya estrellas en el cielo”. El puente instrumental te coge por sorpresa, y cuando aún estás encajándolo, entran por primera vez esas armonías vocales. Perfección. Al final de la segunda estrofa, la flauta deja entrever lo que viene después. Carl repite “god only knows what I’d be without you” y la percusión y el bajo nos introducen en las armonías circulares que coronan la canción. Tres voces, dos de Brian y una de Bruce, repitiendo el mantra de la canción, entrelazándose unas con otras, inundándolo todo y dejándonos noqueados. Es imposible no sucumbir a la primera escucha. Es difícil no sucumbir cientos de escuchas después.

La música nos proporciona momentos de felicidad como estos. Lo ha hecho durante mucho tiempo, y lo seguirá haciendo, independientemente de épocas, cambios, formatos, medios... Seguirá siendo una parte fundamental de nuestra vida. Para muchos de nosotros, es algo más que un entretenimiento, algo que forma parte de lo que somos. Larga vida a la VS. Que dure muchos años más.

F I N 

Autor: Rafa Llarena
Más información: Página oficial o una de las páginas de referencia sobre los Beach Boys, Cabinessence
Mp3: God only knows
Youtube: No hay video oficial. Video de algún fan:

lunes, 3 de junio de 2013

4 - "Common people", Pulp

  • álbum: Different class
  • año: 1995
  • sello: Island Records
  •  
  • "I said "Pretend you've got no money."
    But she just laughed an said "Oh you're so funny."
    I said "Yeah?
    Well I can't see anyone else smiling in here"
Háganse un favor. Busquen en internet el video de la actuación de Pulp en Glastonbury 1995. Más concretamente su interpretación de esta canción, “Common People”. Venga, para ponerlo fácil, lo incluimos al final de esta entrada. ¿Ya? ¿Lo han visto? Bueno, entonces creo que no queda mucho más que decir. La canción, el grupo, Jarvis Cocker y, especialmente, el público, lo han dicho todo. El gran hit de Pulp (mejor canción de los 90 según una de los miles de listas que elabora el NME cuando quiere vender tirando de nostalgia), en todo lo alto de la resurrección del pop británico de principios de la década y con Pulp en estado de gracia tras la publicación de dos tremendos discos: “His 'n' hers” (1994) y, sobre todo, “Different Class” (1995), donde se incluye este himno de la gente normal. De hecho, las letras de Pulp suelen ser casi todas himnos para la gente normal. Letras que expresan, sin necesidad de complejas metáforas ni frases impactantes, lo más mundano de las relaciones, la falta de trabajo, las relaciones sexuales, la soledad o la amistad.

El tema de esta letra en particular es de sobra conocido. Una estudiante de arte, llegada de Grecia y adinerada que le pide a su compañero que le enseñe cómo vivir como “la gente común”, hacer, ver y sentir lo que siente la gente común. Pero por más que se lo explique, ella nunca podrá comprenderlo porque siempre sabrá que su papá estará ahí para rescatarla. Jarvis cuenta esta historia recitando más que cantando, sobre una melodía tan sencilla como efectiva, una guitarra machacona y, donde quizás esté la clave de la canción, un ritmo in crescendo (mientras Jarvis le explica porqué nunca será como la gente normal) que hace casi inevitable la euforia al llegar al “la la la” final.

Con estos antecedentes, con expectación y ganas acumuladas tras seis años, y con la canción formando ya parte de mi adolescencia y de mi vida, me planté en el FIB 2001 para vivir algo parecido a lo que había visto tantas veces en el video de Glastonbury. Y todas mis ilusiones se fueron al traste en la primera canción. Una versión descafeinada y con un ritmo de baile totalmente innecesario de “Common People” sirvió para que no disfrutara igual del resto del concierto. Coitus Interruptus, lo llaman.

Pero afortunadamente, y a diferencia de la mayoría de las canciones de Pulp, esta historia es una historia feliz. Así que 10 años después, me disponía a presenciar el regreso de Pulp a los escenarios en el Primavera Sound 2011. El cartel de neón con las letras P U L P presagiaba un momento inolvidable. Ese momento llegó al final del concierto. “Common people” sonando como tiene que sonar, el grupo como si fuese de nuevo 1995, y el público coreando y saltando, como en aquel Glastonbury, 16 años antes. La música, a veces, tiene ese poder: te permite viajar en el tiempo.

PD: Imprescindible, la versión de William Shatner (sí, el capitán Kirk) con la ayuda de Ben Folds y Joe Jackson: http://www.youtube.com/watch?v=ainyK6fXku0

Autor: Rafa Llarena

Más información: La canción en la wikipedia

Mp3: Common People  

Youtube: Glastonbury 1995

martes, 14 de junio de 2011

16 - "Alone again or", Love

  • álbum: Forever Changes
  • año: 1967
  • sello: Elektra
  • "Yeah, I heard a funny thing
    Somebody said to me
    You know that I could be in love with almost everyone"
1966 ¿el mejor año para la música? Los Angeles se enfrentaba a Nueva York como capital de la música americana, mientras la Motown continua haciendo bailar a la joven américa desde Detroit. Todos juntos luchan contra la invasión británica que se empeña en colocar números 1 en las listas yankis. LA cuenta con un equipo espectacular. Brian Wilson cambia la música pop para siempre dando un golpe de efecto al publicar “Pet Sounds” con los Beach Boys. No tiene que preocuparse, porque The Mamas & the Papas cogen su testigo manteniendo vivo el espíritu de California. Neil Young y Stephen Stills forman Buffalo Springfield y publican su primer disco. Los Take That de la época se llaman The Monkees, un grupo prefabricado para adolescentes y triunfan con canciones escritas por alguno de los mejores compositores del Brill Building. Phil Spector intenta seguir creando su muro de sonido en los estudios Gold Star. The Byrds están en todo lo alto y editan el single “Eight Miles High”, superando la partida de Gene Clark.
¿Te parece poco? Pues ese año publicaron su primer disco Love. El grupo se forma cuando, Bryan MacLean, un roadie de los mencionados Byrds se une al grupo de Arthur Lee y pasan a llamarse Love. Su primer disco homónimo es un buen disco, pero no anticipa las cotas a las que llegarían al año siguiente.
“Forever Changes”, suele estar en todas las listas de mejores discos del siglo pasado. Y casi siempre entre los primeros. De todas las canciones de ese disco, hemos ido a elegir una compuesta por Bryan MacLean.
Siempre que se habla de Love se menciona automáticamente a Arthur Lee, carismático líder del grupo, compositor de muchas de las canciones, productor y front man. Pero “Alone Again Or”, la canción que abre el mítico disco, es una composición del guitarrista MacLean. Eso sí, durante su grabación, Lee se encargó de hacer su papel de líder, subiendo su voz, que en principio iba a estar de fondo, en detrimento de la de Bryan. Años después, Bryan reconoció que su interpretación no era demasiado buena, así que algo de razón tenía Lee. Todos contentos.
“Alone Again Or” es el inicio perfecto para esta obra maestra. Con esa guitarra con la que nos introducimos poco a poco, los arreglos de violín que van guiando la intensidad de la canción y un sorprendente arreglo de mariachis como colofón.

Autor: Rafa Llarena

Más información: http://love.torbenskott.dk/

Mp3: Alone again or

Youtube: No hay video de la canción, ni directos de la época, así que ponemos un video en directo de la resurrección de Love, sólo con Arthur Lee, en el siglo XXI

lunes, 10 de mayo de 2010

21 - "Obscurity knocks", Trash Can Sinatras

  • álbum: Cake
  • año: 1990
  • sello: Go! Discs

  • "Though I ought to be learning I feel like a veteran
    Of 'Oh, I like your poetry but I hate your poems'"

“I feel like a veteran Of "Oh, I like your poetry but I hate your poems", por frases como esta, no basta con escuchar a los Trash Can Sinatras, también hay que leerlos. Las letras de los escoceses están muy por encima de la media habitual en la música pop. La de “Obscurity knocks” es un claro ejemplo de ello. Se puede disfrutar igual de esta joya pop escuchándola o simplemente leyéndola (de hecho, es recomendable leer la letra sin escucharla, como solían recomendar Pulp en sus discos). Las grandes letras no suelen ser la norma en la música pop. Es normal, no se puede esperar que todos los grupos tengan grandes compositores y grandes letristas. Por eso cuando se encuentran casos en los que se conjugan los dos talentos (me vienen a la cabeza otros casos como The Lucksmiths) hay que saborearlos como se merecen. Y tenemos que saborearlos también como un tesoro escondido porque a pesar de todo lo que he dicho hasta ahora, los Trash Can Sinatras son una (de muchas) de esas historias injustas de la música pop. Como dicen al principio de la letra de esta canción (“Always at the foot of the photograph”), los escoceces no son más que una nota al pie de la historia de la música pop. Esa nota cuenta que este grupo que se formó entre cinco amigos para hacer versiones y divertirse, pasó a grabar un disco, “Cake”, que contenía joyas como esta “Obscurity Knocks”, “Circling the circunference” o “Only tongue can tell”. Esta última fue su mayor éxito. Junto con “Obscurity knocks”, estos dos singles les proporcionaron sus 15 minutos de gloria, sobretodo en EEUU. Pero ahí se quedó todo. Sus discos posteriores les devolvieron al anonimato y a una carrera intermitente tocando en pequeños clubs. No les servirá de consuelo, pero muchos grandes grupos han pasado por lo mismo y mucha gente seguimos admirando lo que hicieron entonces.

Autor: Rafa Llarena

Más información: http://www.trashcansinatras.com/

Mp3: Obscurity knocks

Youtube: En un programa de televisión

lunes, 17 de agosto de 2009

30 - "Sheena is a punk rocker", The Ramones

  • álbum: Rocket to Russia
  • año: 1977
  • sello: Sire Records

  • "But she just couldn’t stay
    She had to break away
    New York City really has it all"

¡Zas! ¡En toda la boca! Cual Peter Griffin en Padre de Familia, eso es lo que podrían haber dicho los Ramones a todos los grupos de Rock Progresivo y rollos parecidos allá por finales de los 70. No hace falta ser un músico virtuoso, ni tocar canciones de 8 minutos. One, two, three, four!!!… seguidos de 2 minutos de energía juvenil. Ellos fueron los primeros y la quinta esencia del punk. Resucitaron el espíritu original del rock de los 50 y el pop de los 60. Pusieron la música en primer plano (no hacía falta vestirse de manera estrambótica como los grupos de glam) y a sus fans por encima de todo (dieron casi dos mil conciertos, incluso después de que Joey dejase de hablar a Johnny por robarle la novia).
The Trade Winds cantaban “New York is a lonely town when you are the only surfer boy around”, pero los Ramones no necesitaban estar en la costa oeste. La playa de Rockaway en su Queens natal era suficiente. Hicieron varias incursiones en la música surf, grabando versiones de “California sun”, “Surf city”, “Surfin’ bird” o “Surfin’ safari”… “Sheena is a punk rocker” es una de sus canciones más influidas por este sonido. Parece ser que Joey la compuso para sustituir a “Carbona not glue” en el disco Leave Home. Fue publicada en una reedición de este disco, en una versión anterior, pero la versión definitiva apareció en Rocket to Russia y se convirtió instantáneamente en uno de los clásicos del grupo.
Todavía cuesta creer que Joey, Johnny y Dee Dee se hayan ido, pero Los Ramones son ya parte de la historia del rock’n’roll. Su música y su imagen han dejado huella. El logotipo del águila con los nombres de sus componentes alrededor, es tan reconocible como la lengua de los Rolling Stones. Larga vida a los Ramones.

Autor: Rafa Llarena

Más información: http://www.officialramones.com

Mp3: Sheena is a punk rocker

Youtube: En un programa de TV.

lunes, 4 de mayo de 2009

31 - "Be my baby", The Ronettes

  • álbum: Presenting the Fabulous Ronettes
  • año: 1963
  • sello: Philles Records

  • "I’ll make you happy, baby, just wait and see
    For every kiss you give me, I’ll give you three"

"’Be my Baby’ se anuncia con la que puede ser la introducción más dramática del R&R – la batería de Hal Blaine es el código Morse de los dioses – y, de alguna manera, sólo mejora a partir de ahí”. Esta es la descripción que hace Allmusic de la mítica introducción de Hal Blaine a una de las mejores canciones pop de la historia. Según cuentan, fue Jack Nietzche, el arreglista de Phil Spector, quien se la sugirió, así que el mérito debería recaer en ambos. Por algo, decenas de canciones de todas las épocas copian este ritmo tan característico. Y como dice Allmusic, eso es sólo el principio, lo que sigue es tanto o más increíble.

Una conjunción de los mejores ingredientes hizo esta maravilla posible. Phil Spector, el mítico productor creador del Wall of Sound estaba en su cima creativa y los hits se acumulaban en su carrera. Antes de que “Be My Baby” alcanzara lo más alto de las listas, Spector había triunfado con clásicos como “To know him (is to love him)” (su único éxito como intérprete al frente de los Teddy Bears), “I love how you love me”, “He’s a rebel”, “Da doo Ron ron” o “Then he kissed me”. Spector era el genio detrás de la producción de estas canciones, pero el mérito no es sólo suyo. Los ingredientes que mencionaba antes eran: un gran arreglista (el mencionado Jack Nietzche), unos músicos de estudio memorables (la llamada Wrecking Crew, participantes en las mejores sesiones de grabación de Los Ángeles de la época, desde Spector a Brian Wilson, pasando por The Monkees o Simon & Garfunkel), un estudio de grabación con un sonido único (Gold Star), una voz fascinante (los “oh oh” de Ronnie han quedado para la historia) y unos compositores de excepción.
En este caso, los compañeros de composición de Spector fueron Jeff Barry y Ellie Greenwich, una de las míticas parejas de compositores del famoso Brill Building de Nueva York. Si esta lista de canciones la hubiese elaborado yo sólo, probablemente habría más de una canción de Barry/Greenwich, tanto con Spector como en su trayectoria en Red Bird. Pero como no es el caso, intentaré centrarme en la canción que nos ocupa.

Para crear su famoso “muro de sonido”, Phil Spector agrupaba decenas de músicos en un espacio minúsculo y ponía el volumen al máximo. Sólo él conseguía sacar algo tan bonito de ese aparente caos. Por poner un ejemplo, en esta canción suenan cuatro teclados al mismo tiempo.

El resultado, una canción perfecta. Después de la introducción, entran las cuerdas, maracas y castañuelas que dan paso a la voz, con ese timbre tan característico de Ronnie. La canción te atrapa por su inocencia desde el principio. Cuando ya estás babeando con la primera estrofa, llega el estribillo y, al escuchar esos coros, no puedes creer que aún pueda mejorar. Pero mejora. En el puente instrumental, las cuerdas y unos coros de otro mundo, lo llenan todo. Y aunque parezca mentira, aún no ha llegado lo mejor. Ronnie vuelve a cantar el estribillo rodeada de castañuelas. "Whoa-oh-oh-oh" y entonces todo se para, el código Morse de los dioses vuelve a sonar más potente incluso que al inicio y, dejándonos con la carne de gallina, la canción termina con el Muro de Sonido sonando mejor que nunca. Dos minutos y medio de pura gloria.

El resto es historia. Como muestra de la grandeza de esta canción, Brian Wilson la consideraba (y aún lo hace) la mejor que se ha compuesto jamás. No sólo emuló muchas veces ese sonido sino que compuso “Don’t worry baby” como una continuación a “Be my baby” (la introducción de la canción de Wilson lo atestigua). Incluso llegó a ofrecérsela Spector para que la cantara Ronnie, pero este la desechó por no estar a la altura (ejem…). Afortunadamente para Brian, Ronnie grabó su canción años después.

Mientras termino esta crítica, escucho “Gentle Sons”, la última canción del disco de debut de la nueva promesa del Indie pop, The Pains of Being Pure at Heart. Esta canción se suma a la larga lista de canciones que comienzan con el código Morse de los dioses. Una joven banda de NY que demuestra que el legado de “Be My Baby” sigue vivo, y lo seguirá por muchos años.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página de referencia sobre Phil Spector, Brill Building, Girl groups… http://www.spectropop.com/

Mp3: Be my baby

Youtube: Actuación en Shinding!

sábado, 11 de abril de 2009

34 - "Hang on", Teenage Fanclub

  • álbum: Thirteen
  • año: 1993
  • sello: Creation

  • "Of all the stars I've ever seen
    you're the sun
    Hang on, hang on"

Alguna vez alguien me ha comentado que si las canciones de Norman eran las que más le gustaban, o si en cambio eran las de Gerard o las de Raymond (si me tengo que mojar, mi voto iría para el primero).Teenage Fanclub es el ejemplo que habría que usar en las clases de Educación para la ciudadanía para explicar las ventajas de la democracia. En cada uno de sus discos, los tres (grandes) compositores que forman este grupo se reparten a igual proporción la autoría de las canciones. Puede que alguien pueda discutir que uno u otro hace mejores canciones o que en un momento determinado de su carrera, uno de ellos estaba en estado de gracia y tal disco hubiera ganado con un mayor número de sus composiciones. Puede ser, pero la fórmula ha funcionado hasta ahora con unos resultados impecables.
De las cenizas de The Boy Hairdressers, Norman Blake y Raymond McGinley, junto con Gerard Love, formaron el núcleo indisoluble de TFC. Francis McDonald (también en The Boy Hairdressers) toma el papel de batería en un principio, pero este instrumento ha ido cambiando a un ritmo cercano al de Spinal Tap (pero sin muertes misteriosas ni combustiones espontáneas).
Los inicios más ruidosos (con Big Star en el podio de influencias) fueron dando paso a las guitarras más cristalinas y las armonías vocales que ahora son sus señas de identidad (con los tantas veces mencionados Byrds en mente). “Hang on” contiene una pequeña recopilación de todos esos factores. El comienzo con un poderoso riff de guitarra digno de T Rex, deja paso a las voces directamente llegadas de la costa oeste. La melodía, de Gerard Love en este caso, deja paso a un fade out orquestado que es uno de los mejores momentos del disco y la entrada perfecta al resto del disco.
Sirva la inclusión de esta canción en la lista para homenajear este gran disco, Thirteen, tan denostado por haber seguido directamente al legendario Bandwagonesque, y precedido a su obra maestra, Grand Prix.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Web oficial

Mp3: Hang on

Youtube: Video de la canción.

lunes, 29 de diciembre de 2008

39 - "Pictures of Lily", The Who

  • álbum: single con “Doctor, doctor”
  • año: 1967
  • sello: Polydor

  • "If only I'd been born in Lily's time
    It would have been alright"


Viendo el video de la canción aquí incluido, y la cara de niño bueno de Roger Daltrey hace difícil imaginar lo que fueron The Who en su momento: uno de los grupos de rock con los directos más salvajes en los sesenta. The Who son parte de la historia del rock, pasando del movimiento mod y el rythm and blues a contribuir a dar forma a otros estilos como la psicodelia, el power pop, el brit pop o incluso el punk y la (ejem…) opera rock.

Aunque también es cierto que Daltrey era realmente el niño bueno de la banda en comparación con Pete Townsend y, sobretodo, Keith Moon. Keith no fue solo uno de los mejores baterías de la historia, sino que también representaba todos los estereotipos del sex, drugs & rock’n’roll, siendo su vida merecedora de una película que finalmente será realizada por Mike Myers (glups).

Volviendo a la canción, contiene una de las melodías más pop y adictivas compuestas por Townsend. Lily, de la que habla la letra, es una pin-up que aparece en unas fotos que un padre da a su hijo para “aliviar” sus noches y pueda dormir mejor. Desafortunadamente el chaval se enamora de Lily y pregunta a su padre donde encontrarla, volviendo a la cruda realidad al descubrir que Lily murió antes de que él naciera. La voz de Daltrey le da a la canción la dulzura y la inocencia de un niño (“Lily, Oh Lily”) mientras que la guitarra de Townsend, la batería de Moon y la trompa tocada por el bajista John Entwistle en el puente, le dan la fuerza que caracteriza a The Who. Es una pena que esta canción no fuese incluida en ningún disco del grupo, haciéndola menos conocida que otros de sus hits durante muchos años. Afortunadamente, las múltiples recopilaciones posteriores la pusieron en su lugar.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Pictures of Lily





Youtube: Video de la canción

lunes, 29 de septiembre de 2008

44 - "Strawberry fields forever", The Beatles

  • álbum: Magical Mistery Tour*
  • año: 1967
  • sello: Parlophone

  • "Let me take you down, 'cause I'm going to Strawberry Fields.
    Nothing is real and nothing to get hung about.
    Strawberry Fields forever."

*(Fue editado como doble cara A, junto con “Penny Lane”, pensado como un single independiente, aunque posteriormente fue incluida en el “Magical Mistery Tour”)
Sé que mucha gente (incluso en la lista origen de este Top) se escandaliza por lo que voy a decir, pero lo pienso: los Beatles están sobrevalorados. No voy a negar su importancia en la historia del Pop (muchísima). No voy a negar la tremenda influencia en miles de otros compositores y grupos. Y es imposible no caer rendido ante alguna (bueno, vale, muchas) de sus canciones. “Strawberry Fields” es una de ellas.

Los primeros segundos de la canción, con ese sonido de melotrón, entran directamente en la historia de la música junto con el inicio de la melodía (“Let me take you down/ Cause I’m going to…”) cantado por la voz doblada de Lennon. Merece la pena sentarse a escuchar la canción atentamente. Recrearse en esos cellos, trompetas, maracas, sonidos reproducidos al revés… todos esos retazos que componen la canción y que buscaban recrear la sensación que producía el LSD, tan idolatrado por los músicos en aquella época, terminando el “viaje” con un fragmento de caos y psicodelia.

Hasta aquí estamos de acuerdo. Pero aún reconociendo la importancia del grupo de Liverpool, es necesario subrayar la importancia de otros artistas que también contribuyeron de manera definitiva al desarrollo de la música pop, y que no reciben la unánime aclamación que reciben los Beatles. Brian Wilson y sus Beach Boys con “Pet Sounds”, The Zombies con su “Odissey and Oracle”, Arthur Lee y Love con “Forever Changes”, hicieron discos más perfectos y redondos que cualquiera de los Beatles, discos en los cuales cada segundo de música encaja perfectamente con el resto.

Su importancia para la música Pop como hoy la conocemos es indiscutible, así como la de The Byrds, The Hollies, The Kinks u otros más desconocidos como Sagittarius con su “Present Tense”. Y no estoy negando la importancia de los Beatles. De hecho, pienso que “Rubber Soul” y “Revolver” son dos discos increíbles, casi perfectos, y que incluso los artistas que aquí menciono, han sido muy influenciados por The Beatles (y viceversa, en algunos casos). Simplemente reivindico más reconocimiento para otros grandes grupos que no obtienen las infinitas alabanzas que siempre se rinden a John, Paul, George y, en menor medida, al simpático Ringo. Todo esto es una opinión personal, y habrá muchos que argumenten que esos grupos que menciono sí han tenido el reconocimiento merecido. Puede que lo hayan tenido a nivel de críticos y expertos, pero no a nivel del gran público (aunque bueno, ahora que lo pienso, ¿es importante lo que opine el gran público?). Además, ellos son culpables de la introducción en la música Pop del sitar. Y eso no se lo perdono…

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Strawberry fields forever




Youtube: Video de la canción

viernes, 4 de julio de 2008

55 - "C is the heavenly option", Heavenly

  • álbum: Le Jardin de Heavenly
  • año: 1992
  • sello: Sarah Records


  • "A million reasons for wanting to carry on living to achieve

    A million things I am unlikely ever to carry out

    But I like the make-believe"

    Hopefulness to Helplessness (Marine Research)


Recuerdo perfectamente cuando vi el cartel del FIB 96. De entre todos los grupos que aparecían allí, entre The Jesus and Mary Chain y The Bluetones (presentando el nunca suficientemente valorado “Expecting to fly”), entre Lush y Stereolab, e incluso, al lado de The Stone Roses (obviamente, aún no sabía la que nos esperaba en ese concierto, ya sin John Squire), había un grupo que resaltaba entre todos para mí corazón indie pop de la época: Heavenly.



Tras la desaparición de uno de los mejores grupos del C-86, Talula Gosh, varios de los miembros de este grupo deciden formar Heavenly. Amelia Fletcher, su hermano Mathew, Peter y Rob (a los que más tarde se uniría Cathy) lanzan su primer single en Sarah Records. El sello de Bristol fue su casa durante muchos años, aunque terminaron su carrera en K records. Precisamente, esta canción está cantada a dúo por Amelia y Calvin Johnson, jefe de K. El contraste de la angelical voz de Amelia con el tono grave de Calvin, puede llamar la atención al principio. Pero al final la canción tiene ese encanto especial de las canciones de Heavenly que te atrapa. Melodías twee pop, toques punk, letras divertidas o ácidas, guitarras alegres… todo eso está contenido en las canciones de Heavenly.



Pero ese mismo verano, cuando ya tenía todo preparado para ir a Benicassim a saltar con esas canciones, la tragedia les golpeó cruelmente. Mathew, el hermano de Amelia y batería del grupo, decidió acabar con su vida. Cómo alguien relacionado con un grupo que representaba como nadie la alegría de vivir había llegado a esa situación, es algo que no pude entender. En ese momento, deciden terminar con Heavenly, pero resucitan tiempo después bajo el nombre de Marine Research.



Han pasado muchos años, y supongo que ahora soy más consciente que la música en general y el pop en particular es grande por eso. La música nos ayuda a evadirnos del mundo real, nos proporciona momentos de alegría o euforia, pero el mundo real sigue ahí. Y en situaciones como esa, como la pérdida de un hermano, te das cuenta de que hay muchas cosas por las que merece la pena seguir adelante.



Autor: Rafa Llarena



Más información: Una página extra oficial http://www.neohyper.com/heavenly/heav.htm



Mp3: C is the heavenly option
















Youtube: No hay video de esta canción. Ponemos otra joya, “Our love is heavenly”



martes, 15 de abril de 2008

57 - "Make it easy on yourself", Scott Walker and the Walker Brothers

  • álbum: Take it easy with the Walker Brothers
  • año: 1965
  • sello: Philips

  • "So, make it easy on yourself,
    ‘cos breaking up is so very hard to do"

Dicen que nadie es profeta en su tierra, y The Walker Brothers son uno de los ejemplos más claros. En la época en la que la rivalidad entre la pérfida albión y sus hermanos al otro lado del océano estaba en su mayor esplendor, ellos consiguieron ser número uno en campo contrario.
Claro que en este caso contaban con un arma muy potente, la firma Bacharach/David que se esconde detrás de esta joya. Bacharach había compuesto esta canción para su musa, Dionne Warwick, pero terminó en manos (o mejor dicho, en voz) de Jerry Butler, de The Impressions. Jerry no lo hizo mal del todo, pero fue la voz de Scott Walker la que más tarde la transformó en historia del pop. Luego llegarían muchos otros, desde la propia Warwick, hasta los actuales Ash usándola como esqueleto de su canción “Candy”.
La música de Bacharach está entre las más grandes melodías que ha escrito, y decir eso es mucho decir de un artista que componía cada canción como una obra completa y con vida por sí misma. Pequeñas obras maestras en tres minutos, llenas de matices, adornos y giros inesperados. En este caso, desde los arreglos de cuerda iniciales, que preceden a la sorprendente entrada de la voz, con la frase final del estribillo, hasta la explosión final con cuerdas, vientos y percusión, todo es perfecto. La letra de Hal David te deja un sabor amargo. Por un lado, el protagonista muestra su resignación y el amor que siente por ella, por otro lado te preguntas si simplemente intenta ahorrarse el dolor de pasar por la ruptura con el amor de su vida.
El legado de Bacharach/David es indiscutible, pero a su vez, Scott Walker dejó también una huella imborrable en la música pop que llega hasta nuestros días. Hace unos años leí en algún sitio a alguien que describía a Neil Hannon (autor de verdaderas joyas como “Casanova” y “A short album about love”) como el mini-yo de Scott Walker. Lo que es cierto es que ni The Divine Comedy ni Pulp, ni otros muchos grupos, hubieran sido lo mismo si no hubiesen escuchado antes a Scott y sus “hermanos”.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Burt Bacharach
The Walker Brothers

Mp3: Make it easy on yourself




Youtube: Entrevista y actuacion en televisión cortesía de Música en V.O.

domingo, 2 de marzo de 2008

62 - "Wake up Boo!", The Boo Radleys

  • álbum: Wake up Boo
  • año: 1995
  • sello: Creation

  • "Twenty-five I don't recall a time I felt this alive
    So wake up boo!
    There's so many things for us to do"

Es un sábado por la mañana, una mañana de septiembre. El buen tiempo aún no se ha ido y el sol que entra por la ventana abierta, junto con una brisa agradable, me despierta. Estoy ahí tumbado junto a ella, que duerme tranquilamente, sonriendo. Quiero creer que está soñando conmigo. No tengo ninguna prisa. Tenemos todo el fin de semana por delante para hacer todo lo que queramos. Mirándola en silencio, oyendo su respiración, sintiendo su abrazo, parece que el mundo es maravilloso, que todo es perfecto y que, a pesar de todo lo que hemos pasado y los problemas a los que nos enfrenta la vida, merece la pena vivirla, que aun quedan muchas cosas por llegar y que tenemos que aprovecharla al máximo.

Así que decido dejar que duerma un poco más, y hacer planes mentalmente, para hoy, para mañana y para el futuro. Aunque parezca difícil creerlo a veces, la vida puede ofrecernos cosas muy hermosas…

Es muy difícil escribir lo que me hace sentir una canción, pero en el caso de “Wake up Boo!” es algo parecido a esto.

Lo tiene todo. O al menos todos los factores que, bien usados, con talento y estilo, convierten una canción en un himno para mí. Estos factores incluyen: una melodía redonda, un estribillo pegadizo, unos arreglos que encajan a la perfección (esas trompetas), armonías vocales, cambios de ritmo y una letra optimista que te invita a comerte el mundo. Si alguien me dijera que el Brian Wilson de 1966 ha vuelto para grabar esta canción, me lo creería.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Wake up Boo!



Youtube: Video de la canción

jueves, 26 de julio de 2007

86 - "69 année érotique", Serge Gainsbourg & Jane Birkin


  • álbum: Je T'aime... Moin non plus
  • año: 1969
  • sello: Mercury

  • "Todo el mundo en París recuerda el día en que murió. Fue como un shock, porque él estaba siempre allí, haciendo alguna locura. Era un punk, un poeta, era parte de nuestras vidas", Nicolas Godin, Air.

“Mi madre era guapa, mi padre también, así que no sé de dónde viene mi fealdad… puede que de mi perro”… “Las mujeres, en el fondo, adoran a los misóginos”… “Fumo, bebo y follo. Triángulo equilátero”… “He tenido éxito en todo, excepto en mi vida”… “La fealdad supera en algo a la belleza. Dura más”… “Conozco mis límites. Por eso los sobrepaso”… “El amor nunca valdrá más que el breve tiempo empleado en hacerlo”… “Para la vida no hay antídoto”… “Amar a las mujeres odiando a la mujer: ese soy yo”… “El amor es un cristal que se rompe en silencio”

Aforismos todos de Gainsbourg, que representan algunos aspectos de la abrumadora personalidad de uno de los personajes más interesantes del siglo XX en Francia. Gainsbourg siempre fue un provocador, siempre fue más allá. Pero, afortunadamente no será recordado sólo por sus provocaciones. Experimentó con muchos estilos musicales: chanson, pop, jazz, rock, reggae… dejando un legado musical difícilmente igualable.
De su relación con Jane Birkin, actriz, modelo y cantante (es una de las modelos juguetonas en “Blow up” de Antonioni), salieron algunas joyas del pop francés de los 60 y 70. Esta es una de ellas. El paso de los 60 a los 70, la conexión entre el Swinging London y el París de los Ye-yés. Una canción que te arrastra, construida sobre una línea de bajo memorable. Gainsgbourg, las mujeres y el sexo…


Autor: Rafa Llarena

Más información: sergegainsbourg.artistes.universalmusic.fr

Mp3: 69 Année Érotique

Youtube: 69 année érotique - Como ejemplo de su personalidad provocativa, buscad Serge Gainsbourg y Wihtney Houston en YouTube