Top 100 Internacional Vermouthsport

12 - "London Calling", The Clash

2011-09-19T15:10:00.005+02:00

álbum: London Calling
año: 1979
sello: CBS

"The ice age is coming, the sun's zooming in
Meltdown expected, the wheat is growing thin
Engines stop running, but I have no fear
Cause London is drowning and I, live by the river"

Carallo, estas son palabras mayores, nenos. El London Calling, nada menos. A ver, ¿por dónde empiezo?

A veces da la impresión de que no hay un hogar en el mundo que no tenga, aunque sea grabado, el disco de la foto de Paul Simonon estampando su bajo en el suelo. A veces da la impresión de que, aún así, pocos conocen bien lo que se encuentra dentro.

Es el primer disco moderno del punk, es el comienzo, es el alfa, es la primera piedra del camino de las baldosas amarillas. En London Calling empieza la música del siglo XXI. A mí me llegó en plena época rockabilly, y me valía. A otros les llega tras explotar a Nirvana, y les vale. A otros tras la disolución de Pavement, y les vale. A otros durante la gira de reunión de los Pixies, y les vale. Todo está en ese disco. Todo está en esa canción.

London Calling está aquí, y la guerra está declarada. Responded a eso, nenos.

Autor: Xurxo Benavente

Más información: Rolling Stone

Mp3: London Calling

Youtube: En riguroso blanco y negro.

13 - "A day in the life", The Beatles

2011-08-09T10:00:00.005+02:00

álbum: Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
año: 1967
sello: Parlophone

"I'd love to turn you on"

Daba por hecho que la reseña de “A day in the life” iba a ser la excusa para establecer una lúcida exposición erudita sobre la gestación y virtudes de una canción. De la canción, mejor dicho, porque fuera de clasificaciones y números creo que “A day in the life” representa todo lo que pueden dar de sí cuatro minutos –o infinitos, el final del surco se retuerce en bucle y no deja de sonar- de puro azar y perfección. La letra críptica y transparente, el sonido del despertador que no consiguieron borrar de la mezcla definitiva, las caretas que los cuarenta músicos llevaron para atenuar la seriedad, los bandazos en la melodía. Creo que es el punto justo de tensión entre clasicismo y experimentación. No hay nada que desentone, pero nada se entiende; las melodías son luminosas, pero se agotan como si estuvieran muriendo. Nunca podremos apreciar hasta lo hondo la magia de una canción llena de dolor y desasosiego, de absurdo y de esperanzas destruidas. Una sinfonía que se ha roto y no se puede recomponer.

Yo debería hablarles de todo esto, pero seguramente Mark Hertsgaard en A day in the life –que precisa día a día como fue surgiendo el tema- o George Martin, que en El verano del amor nos hace asistir a la gestación de todo el disco, lo harán mucho mejor. Yo de los que voy a hablarles es de cómo conocí a los Beatles, es decir, de la epifanía, es decir, del momento en que descubres que algo externo puede decirle al corazón aparta y latir por él. Y ese algo fue una tarde destemplada de invierno, la recuerdo perfectamente, como recuerdo que nos toco subir unos escalones hasta el aula de música, que no era sino un desván en el que habían instalado un tocadiscos. Yo sentía una leve curiosidad, apática, quería escucharlos pero no creía que me dijeran nada nuevo. Eran viejos ya. Y yo había descubierto el punk. Escuche antes a los Sex Pistols que a los Beatles. ¡Viejos! Santa ingenuidad. De que los Beatles sacaron el primer disco al 78 que los escuché han pasado menos años que desde que Los Planetas sacaron el primero al día de hoy. Y a ver quien se atreve a decir que los Planetas son unos viejos que no aportan nada.

Y entonces sucedió, el profesor colocó la aguja y empezaron a sonar guitarras, no recuerdo las canciones exactas pero sí que se centró en los primeros discos, “Love me do” quizás, “I wanna hold your hand” creo recordar. Y yo, boquiabierto, no comprendía como un código –el musical y el lingüístico- desconocido para mí podía arrebatarme tanto. Arrebatarme en el sentido religioso. De inmediato rompía la hucha –o espere al cumpleaños cercano, no lo se- y fui a Discos Castelló. Era una época en la que empezaban a surgir las primeras tiendas de discos con material más que decente, porque hasta la fecha uno debía acudir a grandes almacenes o a una sección arrinconada en tiendas de electrodomésticos. Sin embargo yo, catorce años, sólo conocía Castelló de mis paseos hacia la Biblioteca de Cataluña. Desde luego no había autoservicio, sino un pequeño mostrador en el que le pedías al dependiente exactamente la referencia que tú querías. Creo que nunca he sido tan feliz en mi vida como llegando a casa con mi soledad en los discos.

Sin saber absolutamente nada, al llegar al doble azul me paralizaron los primeros acordes inseguros de una canción, una voz que cantaba como sin pensar, un pequeño estribillo agudo que se iba adelgazando, adelgazando,... Parecía una canción construida con retales, hasta en el incomprensible para mí, entonces, crescendo final. Una canción que estaba a punto de alcanzar el centro neurálgico del dolor, del desamparo. O quizás ya lo hubiera hecho pero el oyente no lo sintiera. Tiempo después, bibliografía al canto, ya supe todas las claves, interpreté versos y sonidos, pero nunca he sabido desprenderme de esa sensación de que una canción puede enamorarme y a la vez decirme muchas más cosas de las que me está diciendo. A veces, The Jam, The Smiths, vuelve a suceder. Y entonces todo vuelve a ser luminoso.

Autor: César Prieto

Más información: La canción en la wikipedia

Mp3: A day in the life

Youtube: Antes los videos eran así.

14 - "Teenage kicks", The Undertones

2011-07-18T23:00:00.005+02:00

álbum: Teenage Kicks
año: 1978
sello: Good Vibrations
"Teenage dreams, so hard to beat"

Para qué vamos a engañarnos: yo era "moderno, con matices siniestros". Moderno en esa época –primeros 80- significaba básicamente "sintetizadores". Y lo otro significaba que las únicas guitarras que escuchabas eran las de grupos oscuros como Joy Division, Echo & The Bunnymen, The Sound o The Church. El punk era apenas algo pasado y rancio que escuchaban los equivalentes de entonces a los perroflautas actuales. Algo especialmente desaseado y aburrido. El punk-pop no sabíamos aún ni lo que era. De la New Wave oíamos campanas que identificábamos parcialmente y con dificultad, gracias a la insistencia de algunos grupos españoles en recrearla aquí.

Afortunadamente, no se había inventado internet. Afortunadamente, las tiendas de discos de segunda mano ya existían. Afortunadamente, la combinación de ambos factores te permitía equivocarte.

Por equivocación (supongo que quedaría mejor hablar de mi voraz compulsión y curiosidad musical, blablabla, pero supongo que debió ser por desconocimiento, por una supuesta conexión nuevaolera o porque costaba cinco duros de entonces) un día aparecí por casa con una copia de "Hypnotized", de unos tales The Undertones. (1)

Lo que sí recuerdo es que me enganché a una de las canciones del disco. Años y años. Le saqué la letra como pude y berreaba por casa aquellos pareados de "My perfect cousin/what I like to do he doesn't/He's his family's private joy/his mother little golden boy". Para ser sinceros, y como seguía siendo un tío lleno de prejuicios, mientras la estantería se iba llenando de discos de synth-pop, de new romantics y de guitarrazos épicos recargados, nunca me preocupé de averiguar quiénes, de dónde o qué eran aquellos tales The Undertones. Pero "My perfect cousin" se mantuvo en mi cabeza años y años, y acudía a ella (junto a dos discos igualmente calificables de pulpos en garaje en mi discografía de entonces, uno de XTC y otro de Tempole Tudor) cada vez que necesitaba una inyección de vitamina espiritual.

Pasaron los años, me hice mayor, abominé de la música y volví a ella, esto último a lo largo de un periodo de 10 años. Seguía recordando palabra por palabra la letra de "My perfect cousin". Pero ya no tenía prejuicios.

Y, siempre curioso y siendo fan de la época en que crecí, a la vez que me ponía al día de la actualidad decidí volver la vista hacía todo lo que –suponía, y suponía bien- me había perdido en su/mi momento.

Y allí estaba esperando, fresca como el primer día. En el instante en que escuché "Teenage kicks" olvidé para siempre la letra de "My perfect cousin". Y de muchas otras canciones que me servían para elevar el estado de ánimo. Nunca me he arrepentido de no haberla escuchado en su momento. No me hacía falta: entonces yo ERA adolescente. Pero encontrar cuando ya eres mayor algo que te devuelve de golpe, ni que sea durante dos minutos y medio, todo el sentimiento de esa adolescencia es una experiencia mucho más plena y difícil de hallar. Más triste también, eso es verdad.

Por eso entiendo que fuera la canción favorita de alguien que llegó a escuchar tantas como John Peel: era un adolescente perpetuo, un idealista nostálgico, alguien que no comprendía el paso del tiempo. Como yo.

Por eso entiendo que quisiera que en su lápida grabaran como epitafio parte de la letra: "Teenage dreams, so hard to beat".

Los sueños adolescentes nunca se desvanecen. Ni siquiera aunque se cumplan. Y "Teenage kicks" no se olvida una vez la has escuchado.

(1) Por cierto, que según consta en su web oficial, no existió edición española de ese LP, el segundo de la banda, así que http://www.blogger.com/img/blank.gifvaya Vd. a saber si lo traje de Inglaterra en viaje de estudios, no logro recordarlo exactamente.

Autor: Luis

Más información: En la wikipedia

Mp3: Teenage kicks

Youtube: En VH1.

15 - "Suspicious minds", Elvis Presley

2011-07-11T23:15:00.007+02:00

álbum: Suspicious minds
año: 1969
sello: RCA
"We can't go on together
With suspicious minds
And we can't build our dreams
On suspicious minds"

"Suspicious minds" no parece una gran canción. La melodía es bonita, pero hay miles de canciones con bonitas melodías. La letra es de lo más normalita, habla sin especial profundida ni grandes imágenes poéticas de la desconfianza en una relación de pareja. Y Elvis canta bien. Claro, cómo iba a cantar mal, es Elvis, aunque tampoco estaba en su plenitud cuando la grabó. De hecho, fue su último número uno en Estados Unidos y el principio de su cuesta abajo, aún apenas entrevista y no imaginada.

Lo repito; "Suspicious minds" no parece una gran canción. Lo reafirma el dato de que su autor original, Mark James, un cantautor de Memphis de cierta popularidad, fuera completamente ignorado cuando la grabó y publicó en 1968 –un año antes que Elvis- sólo para verla pasar y hundirse sin pena ni gloria alguna entre la indiferencia general.

Entonces... ¿por qué hoy día recibe calificativos como "memorable" y suele aparecer en casi todas las listas de mejores canciones de la historia? ¿Por qué es la canción favorita de tanta gente? ¿Por qué toca la fibra y el corazón? Pues no tengo ni la más mínima explicación científica, ni siquiera mercadotécnica (y eso que la canción es lo que podríamos llamar un "late blossom", un florecimiento tardío, no hace tantos años que se recuperó para el imaginario popular, a raíz de la re-edición conjunta de los números 1 de Elvis).

Pero sí puedo aportar un par de pruebas de primera mano, experimentadas ambas varias veces, de que aunque no lo parece "Suspicious minds" ES una gran canción.

La primera: pinche Vd. en una fiesta llena de gente de gustos musicales y procedencias culturales y geográficas diversas, hágales sudar, que se cansen, que lleguen al límite de sus fuerzas. Y cuando, muy tarde ya, le vayan diciendo que vaya cerrando el chiringuito y vea a los irreductibles apenados, sin ganas de irse, con deseos de ser felices un ratito más... pinche "Suspicious minds". Hay que vivirlo, lo digo en serio.

La segunda: cántela. No en el lavabo o sobre el disco con la voz de Elvis. En serio. Que alguien se la toque (la canción, digo) y trate de cantarla. Aparte de que verá que no es tan fácil como parece, cuando se le erizen los primeros pelos del cogote entenderá un par de cosas.http://www.blogger.com/img/blank.gif

(PD corta-rollo pero necesaria): "suspicious" no significa "sospechosas", sino "suspicaces". Hartito me tienen con lo de "mentes sospechosas"...

Autor: Luis

Más información: En la wikipedia

Mp3: Suspicious minds

Youtube: Versión en directo

16 - "Alone again or", Love

2011-06-14T11:40:00.004+02:00

álbum: Forever Changes
año: 1967
sello: Elektra
"Yeah, I heard a funny thing
Somebody said to me
You know that I could be in love with almost everyone"

1966 ¿el mejor año para la música? Los Angeles se enfrentaba a Nueva York como capital de la música americana, mientras la Motown continua haciendo bailar a la joven américa desde Detroit. Todos juntos luchan contra la invasión británica que se empeña en colocar números 1 en las listas yankis. LA cuenta con un equipo espectacular. Brian Wilson cambia la música pop para siempre dando un golpe de efecto al publicar “Pet Sounds” con los Beach Boys. No tiene que preocuparse, porque The Mamas & the Papas cogen su testigo manteniendo vivo el espíritu de California. Neil Young y Stephen Stills forman Buffalo Springfield y publican su primer disco. Los Take That de la época se llaman The Monkees, un grupo prefabricado para adolescentes y triunfan con canciones escritas por alguno de los mejores compositores del Brill Building. Phil Spector intenta seguir creando su muro de sonido en los estudios Gold Star. The Byrds están en todo lo alto y editan el single “Eight Miles High”, superando la partida de Gene Clark.
¿Te parece poco? Pues ese año publicaron su primer disco Love. El grupo se forma cuando, Bryan MacLean, un roadie de los mencionados Byrds se une al grupo de Arthur Lee y pasan a llamarse Love. Su primer disco homónimo es un buen disco, pero no anticipa las cotas a las que llegarían al año siguiente.
“Forever Changes”, suele estar en todas las listas de mejores discos del siglo pasado. Y casi siempre entre los primeros. De todas las canciones de ese disco, hemos ido a elegir una compuesta por Bryan MacLean.
Siempre que se habla de Love se menciona automáticamente a Arthur Lee, carismático líder del grupo, compositor de muchas de las canciones, productor y front man. Pero “Alone Again Or”, la canción que abre el mítico disco, es una composición del guitarrista MacLean. Eso sí, durante su grabación, Lee se encargó de hacer su papel de líder, subiendo su voz, que en principio iba a estar de fondo, en detrimento de la de Bryan. Años después, Bryan reconoció que su interpretación no era demasiado buena, así que algo de razón tenía Lee. Todos contentos.
“Alone Again Or” es el inicio perfecto para esta obra maestra. Con esa guitarra con la que nos introducimos poco a poco, los arreglos de violín que van guiando la intensidad de la canción y un sorprendente arreglo de mariachis como colofón.

Autor: Rafa Llarena

Más información: http://love.torbenskott.dk/

Mp3: Alone again or

Youtube: No hay video de la canción, ni directos de la época, así que ponemos un video en directo de la resurrección de Love, sólo con Arthur Lee, en el siglo XXI

17 - "Space Oddity", David Bowie

2010-07-26T09:00:00.002+02:00

álbum: Space Oddity
año: 1969
sello: Philips/Mercury

"Here am I sitting in my tin can far above the Moon
Planet Earth is blue and there's nothing I can do"

Fragmentos de "Dave, ¿qué estás haciendo? (Historia oral de una odisea espacial)"

"Estaba harto de él. Siempre haciéndose el chulito con su éxito con las chicas. Así que el día que me dijo que me iba a robar a mi chica, no pude más y me lancé encima suyo. Empecé a golpear para destrozarle hasta que me agarraron para apartarme de él. Cuando le vi sangrando, no puedo dejar de reconocer que me sentí orgulloso. Estuvo ocho meses fuera durante los cuales fui el rey del patio. Hasta que volvió y su magnética mirada ¡adquirida gracias a mí! nos transformó a todos en sus esclavos." George Underwood

"Lo absorbía todo. Si escuchaba jazz, tocaba el saxo. Si era rock, se convertía en Elvis. Dios podía ser Little Richard, pero David era un politeísta convencido." Terry Jones

"¿Cómo podía saber que las cajas con los singles del niño podían tener tanto valor?" La madre de Leslie Conn

"Aún ahora hay gente que me pregunta si soy el de Liza Jane" Davy Jones (de los Monkees)

"Fue difícil meter en el disco todos los estilos que había escondidos detrás de David, pero creo que finalmente lo conseguimos o eso aseguran los críticos que lo han escuchado a posteriori. Sí, puede que la fecha de salida no fuese la óptima, pero ¿quién iba a saber que el tal Sargent Pepper iba a ser tan famoso?" Mike Vernon

"Tocaba ser psicodélicos. Y eso es lo que nos planteamos. Además contábamos con la publicidad de la canción que nos había dado la BBC al utilizarla para el aterrizaje en la luna" Tony Visconti

"¿Heroína? Algo de eso hubo. ¿Homenaje a 2001? Evidentemente. ¿Soledad? Mucha, hasta que encontré a Ángela (y a Mick). ¿Mi mejor canción? Ni de coña." David Bowie

"¿Quién es David Bowie?" Stanley Kubrick

Autor: Minor Mic

Más información: Página oficial

Mp3: Space Oddity

Youtube: La versión que más he visto.
http://www.youtube.com/watch?v=cYMCLz5PQVw

Versión original

18 - "Tom Courtenay", Yo La Tengo

2010-05-24T09:00:00.003+02:00

álbum: Electr-o-pura
año: 1995
sello: Matador Records

"As time goes by I know it's gonna happen
I know it's going away
Gonna take its toll, gonna take its toll
Gonna take my time"

Más allá de sus increíbles discos y sus maravillosas canciones, siempre admiré a Yo La Tengo por una cosa: su manera de entender el rock tan honesta, rompiendo tópicos de la manera más natural posible, y su amplísima amplitud de miras en lo que a influencias se refiere, a pesar de haber sido metidos en el saco de un movimiento musical en su momento tan sectario como fue la música indie.

Veamos:

Para empezar, son tremendamente feos. No cumplen ninguno de los cánones estéticos adecuados para pertenecer a la industria musical.
Entre su formación hay un matrimonio (de hecho, son mayoría en el grupo), pero la banda lleva más de veinte años sacando discos con frecuencia, pero no solo eso, sino que también acomete unido proyectos paralelos, como esos irreverentes Condo Fucks, o aquella banda sonora para documentales submarinos.
Son capaces de sacar en un mismo disco canciones que jueguen con el garage, el noise, el funk, el soul, el rock, el pop... y que para colmo no chirríe.
Si quieren se cascan una delicia pop de dos minutos, y al siguiente corte, se explayan en 9 minutos de tensión eléctrica.
No tienen ningún problema en reírse de ellos mismos, como han demostrado en los videos de “Sugarcube” o de este mismo tema que nos ocupa, “Tom Courtenay”.
Su puesta en escena es sobria, pero no exenta de sorpresas. Llamo al recuerdo aquel bailecito cuando tocaban “You can have it all”, o cuando terminaban los conciertos haciendo una especie de fila, mientras paseaban por el escenario aporreando sus instrumentos.
Sus discos no ofrecen abiertamente un concepto o un objetivo artístico. Son colecciones de canciones, y éstas son las que dictan la actualidad del grupo.
No parece que el concepto éxito sea un objetivo en su carrera musical.
¿Os he dicho ya lo feos que son?
No se cortan en hacer conciertos de más de dos horas, en improvisar canciones sobre el escenario, tocar versiones en la radio por teléfono o atender a las peticiones del público. Después de una carrera tan longeva, la frescura sigue siendo una de sus señas de identidad.

Todo esto permite que su música llegue de una manera mucho más directa, sin obstáculos, sin esas coartadas artísticas tan manidas por la mayoría de los grupos de hoy que los acaba dejando como ingenuos adolescentes o flagrantes caraduras. Sabiendo que en la variedad está el gusto, que su potencial se apoya en el cóctel de géneros, que no hay que elegir: melodía, ritmo y ambiente, todo esta bien... Así han forjado una carrera casi impecable, y así llegaron canciones como “Tom Courtenay”, un buen ejemplo de todo lo dicho: aquí hay ruido, electricidad, intensidad, pero también una melodía hipnótica, unos parapapás que en su momento descolocaron a más de uno, y un final que se difumina entre acoples y distorsión.

El cuarto corte de “Electr-o-pura” trata precisamente de la atracción fatal por el “star-system”, esa fábrica de sueños que ha dado lugar a tantas pesadillas, esa colección de tópicos que han alimentado la vida de cientos de personas bajo una fachada engañosa, falsa, tramposa, y en ocasiones, peligrosa, incluso para aquellos “privilegiados” que la integran., pero que al mismo tiempo ha llenado huecos en muchas ilusiones faltas de base sobre la que construirse. Una negra fábula tras la que se esconden los Beatles (también juegan con The Fab Four en el videoclip correspondiente), una referencia que, como poco, da mucho que pensar.

Yo La Tengo fueron, son y serán la fábrica de sueños de Hoboken. Pero sus ensoñaciones están hechas de la madera del hombre de a pie, de aquel que conoce sus limitaciones, pero que libera sus anhelos y deseos, que se emociona con el contacto y que disfruta de la realidad, sabiendo que ésta es más auténtica cuando se alimenta de humor, de fantasía, de crudeza, y sobre todo, de intensidad. A flor de piel. Al alcance de la mano.

Autor: Jesús Sáez

Más información: Página oficial

Mp3:Tom Courtenay

Youtube: Divertido video de la canción.

19 - "All tomorrow's parties", The Velvet Underground & Nico

2010-05-16T09:00:00.001+02:00

álbum: The Velvet Underground and Nico
año: 1967
sello: Verve(MGM)

"And what costume shall the poor girl wear
To all tomorrow's parties"

Estoy seguro de que si leyera cada semana un libro dedicado a la Velvet, acabaría con 80 años y no los habría leído todos. Así que no me imagino lo que pretenden mis colegas de blog que haga con 15 ó 20 líneas sobre esta canción. No lo entiendo, ¿por qué me meteis en este lío?

Compré el “The Velvet Underground and Nico”, en vinilo, en mi primera visita a Barcelona, no recuerdo el año. Llegué, salí del metro en el Liceo, me metí por una calle de la Ciutat Vella, lo ví en el escaparate, y me lo pillé. No, no era una edición original, por supuesto. Pero ahí está la banana warholiana en mi colección vinílica. Es el primero de la banda, fruto de toda la espeluznante explosión musical que cualquier grupo experimenta en sus primeros años de vida, y que en el caso de la Velvet es aún más espeluznante debido a todo el proceso creativo que les unió a Andy Warhol durante 1966 y 1967, lo que se llamó Exploding Plastic Inevitable. “All tomorrow parties” ya estaba en el repertorio del grupo antes de conocer a Warhol, y cuando todo empezó Lou Reed tuvo que arreglarla para que la cantara Nico. Así quedó grabada, con la voz alemana de Nico en su versión más gutural.

Lo primero que pienso al escuchar esta canción es: “¡JODER, TÍO, QUE ES DE 1966!”. Es que es alucinante. TODA LA PUTA MÚSICA DE LOS AÑOS 90 ESTÁ METIDA EN ESTE PUÑADO DE CANCIONES. Toda. Buscad un supergrupo surgido después de 1989 que no tenga o presuma de tener influencia de la Velvet. Todo es puro Velvet. ¿Y qué se dedicaban los demás a hacer en 1966?

No hay nada más que decir. Leed los doscientos millones de libros editados sobre la Velvet o escuchad doscientos millones de veces el “All tomorrow parties”. Todo está ahí. Todo viene de ahí. Todo empieza ahí.

Autor: Xurxo

Más información: http://www.thevelvetunderground.co.uk/

Mp3: All tomorrow's parties

Youtube: Espeluznante versión en directo.

20 - "Moon river", Henry Mancini & Audrey Hepburn

2010-05-12T15:00:00.001+02:00

álbum:
año: 1961
sello:

"Moon River, wider than a mile"

Yo tuve un fanzine. Quizás debería decir tengo. Un fanzine nunca se abandona. Uno puede desligarse de compromisos profesionales, de amistades, de amores, de vicios, de colecciones. Pero de hijos y de fanzines nunca. Yo tengo un fanzine, pues. Hace cinco años que apareció el último número y tengo diez páginas listas de un especial de chicas francesas. No sé cuando aparecerá, aunque cada cosa que preparo es un nuevo número del fanzine. Y siempre pienso en ella. La acogimos como referente, era nuestra imagen. Portadas. Y en las pocas fiestas que dimos sonaba siempre la primera.

Audrey Hepburn. Aunque no se lo crean europea, belga, hija de aristócratas. Queríamos de ella su prestancia, la belleza serena de su rostro, alegría melancólica. Un mundo con Audrey Hepburn es, sin duda, mejor. Y es mejor porque se pueden leer los sentimientos en sus ojos. No hay imagen más bella de la desolación que la de Holly desayunando con un café de plástico frente a Tiffany’s en un Nueva York vacío. No hay imagen más bella del deseo que Holly al quitarse la careta de gato. No hay imagen más bella de la placidez que el plano americano, contrapicado, de Holly cantando ‘Moon River” en la escalera de incendios.

Por supuesto hay miles de versiones de la canción, todas maravillosas. La de Danny Williams está bien, número uno en Inglaterra en las navidades del 61. Prefiero sin embargo la soulera-campestre de Jerry Butler, la que triunfó en el mercado americano. Por supuesto la canción tuvo un Oscar, creo que el único Oscar de todo nuestro top 100.

Acaso debería hacer ahora un elogio de la película. De Holly Golightly o quizás de Lulami –siempre me ha parecido que es más importante de lo que la crítica declara-, de su sofisticación, de la brillante escena final, el beso entre la lluvia. Una película que se ha revelado con el tiempo como sobrevalorada, quizás sea verdad. Blake Edwards no era un director de mucho pulso. Tampoco está entre lo bueno de Truman Capote –lean “Una luz en la ventana” y se estremecerán-, aunque la película evade los aspectos sórdidos de la novela, los mejores. Sin embargo, Henry Mancini y Johnny Mercer dan con el tono en una escena que no iba a aparecer en el montaje original –si no llega a ser por Audrey y su “over my body”-, ni siquiera en la banda sonora. No se daban cuenta de que en esa escena está la esencia de la película, Lulami Barnes, la salvaje niña de trenzas, hablando de su infelicidad, de su nostalgia, de su vida vacía.

Autor: César Prieto

Más información: Moonriver en la wikipedia

Mp3: Moon river

Youtube: Esa sonrisa...

21 - "Obscurity knocks", Trash Can Sinatras

2010-05-10T18:02:00.005+02:00

álbum: Cake
año: 1990
sello: Go! Discs

"Though I ought to be learning I feel like a veteran
Of 'Oh, I like your poetry but I hate your poems'"

“I feel like a veteran Of "Oh, I like your poetry but I hate your poems", por frases como esta, no basta con escuchar a los Trash Can Sinatras, también hay que leerlos. Las letras de los escoceses están muy por encima de la media habitual en la música pop. La de “Obscurity knocks” es un claro ejemplo de ello. Se puede disfrutar igual de esta joya pop escuchándola o simplemente leyéndola (de hecho, es recomendable leer la letra sin escucharla, como solían recomendar Pulp en sus discos). Las grandes letras no suelen ser la norma en la música pop. Es normal, no se puede esperar que todos los grupos tengan grandes compositores y grandes letristas. Por eso cuando se encuentran casos en los que se conjugan los dos talentos (me vienen a la cabeza otros casos como The Lucksmiths) hay que saborearlos como se merecen. Y tenemos que saborearlos también como un tesoro escondido porque a pesar de todo lo que he dicho hasta ahora, los Trash Can Sinatras son una (de muchas) de esas historias injustas de la música pop. Como dicen al principio de la letra de esta canción (“Always at the foot of the photograph”), los escoceces no son más que una nota al pie de la historia de la música pop. Esa nota cuenta que este grupo que se formó entre cinco amigos para hacer versiones y divertirse, pasó a grabar un disco, “Cake”, que contenía joyas como esta “Obscurity Knocks”, “Circling the circunference” o “Only tongue can tell”. Esta última fue su mayor éxito. Junto con “Obscurity knocks”, estos dos singles les proporcionaron sus 15 minutos de gloria, sobretodo en EEUU. Pero ahí se quedó todo. Sus discos posteriores les devolvieron al anonimato y a una carrera intermitente tocando en pequeños clubs. No les servirá de consuelo, pero muchos grandes grupos han pasado por lo mismo y mucha gente seguimos admirando lo que hicieron entonces.

Autor: Rafa Llarena

Más información: http://www.trashcansinatras.com/

Mp3: Obscurity knocks

Youtube: En un programa de televisión

22 - "They don't know", Kirsty MacColl

2010-05-06T15:27:00.006+02:00

álbum: They don't know (single)
año: 1979
sello: Stiff Records

"I get a feeling when I look at you
Wherever you go now I wanna be there too
They say we're crazy but I just don't care
And if they keep on talkin' still they get nowhere"

Ha de ser una putada escribir una enorme canción y que no sea hasta que la cante otra persona que pegue el pelotazo. Algo así le pasó a Kirsty MacColl con "They don't know". Ojo, en el '79 fue un boom radiofónico pero no en ventas (ese factor que ahora tampoco tendría mucha importancia jeje). Cuando Tracey Ullman cogió prestada esta canción para su disco cuatro años después, Kirsty empezó a cobrar unos derechos fonográficos más suculentos (si es que la SGAE antes no era tan mala!).

Yo lo siento por Tracey, pero me quedo con la original. Las guitarras predominantes en la canción original fueron escondidas por Tracey con un piano que acaba aburriendo. Y eso, en una de las más brillantes canciones de amor de todos los tiempos me parece de muy mal gusto. Para los que no la conozcan, corran a por la letra y fíjense en que seguramente alguna vez habrán vivido algo igual.

Muchos han sido los tributos que se han rendido a la figura de Kirsty, ya sea en forma de versiones (habéis escuchado la versión que hizo en español Cola Jet Set?) o de menciones en letras de canciones (ver "Esta noche sólo cantan para mí" del disco "La revolución sexual" de La Casa Azul. Pero esto sólo son los ejemplos más cercanos, por la red encontraréis muchísimos más. Y esto (http://www.youtube.com/watch?v=kbvOwuqfkwI) sin ser homenaje es una frikada de mucho cuidado: ¿qué pasa cuando el 45" que editó Tracey Ullman con su versión de They don't know lo pones a 33rpm? Pues que parece que quien he hecho la versión son Tears for Fears.

En el año 2000 Kirsty nos dejó tras un trágico accidente por el que nadie llegó nunca a ser culpado.

PD: La canción de la Cola Jet sólo se puede encontrar en el doble recopilatorio "Le Touriste rebusca en el desván de la Nueva Ola", patrocinado por César Prieto.

Autor: Jose

Más información: La historia de la canción en la wikipedia

Mp3: They don't know

Youtube: Video de la versión que Kirsty MacColl hizo de New England, la canción de Billy Bragg

23 - "What's going on?", Marvin Gaye

2010-04-29T22:32:00.005+02:00

álbum: What's going on?
año: 1971
sello: Tamla

"There's far too many of you dying
You know we've got to find a way
To bring some lovin' here today - Ya"

A mi antes no me gustaba la música negra. Me aburría el rap, el funk me daba risa y no aguantaba más de cinco minutos de jazz. Ni siquiera sabía lo que era el soul. Y en eso conocí a una chica a la que le encantaba Marvin Gaye. Ella no me hacía caso pero eso no me desanimó. Todas las señales me desaconsejaban que me enamorara de ella, pero aun así me enamoré. Un amor no correspondido, tan del gusto del joven torturado que me encontraba cada mañana mirándome en el espejo.

A ella, como decía, le encantaba Marvin Gaye. Le encantaba tanto que me grabó una cinta con el disco "What's going on" por cara y media y completada con canciones en directo de Marvin Gaye. ¿Así que esto es el soul? Pues vaya. Resulta que sí sabía lo que era el soul. Música de negros salidos. Como Barry White... ¡Pues vaya! Sentirme rechazado tampoco influyó en que me entrara la música del tío Marvin a la primera... Sin embargo, la derrota se hizo esperar. Me las di de listo (me las sigo dando de listo) y dije que el disco no estaba mal, pero que me gustaban más otras cosas. Pero, poco a poco, fui dándole más oportunidades a la cinta, como soñando que si aquellas canciones tan dulces me llegaban a gustar, aquella chica que me gustaba llegaría a aceptarme...

El tiempo pasó, mis gustos evolucionaron, aprendí quién era Marvin Gaye, me enteré de que ya había muerto, asesinado por su propio padre, me enamoré de esas canciones, conocí las historias que me contaban y supe que no hablaban de sexo, sino de amor, de paz, de la injusticia de la guerra y la pena de las drogas, me compré el CD dos o tres veces, leí más sobre el mejor cantante de soul de la historia, aprendí a respetar la música negra (sí, el rap, el funk y el jazz también), vi que "What's going on" salía en varias listas de los XXX mejores discos de la historia...

Aquella chica no se enamoró de mi. Pero hoy sigue siendo mi amiga, una de mis mejores amigas. Y tengo que agradecerle que me grabara aquella cinta.

Autor: Pedro Blasco

Más información: http://www.marvingayepage.net/

Mp3: What's going on?

	Marvin Gaye - Whats going on? .mp3

	Found at bee mp3 search engine

Youtube: Un extracto del DVD "Real Thing: In Performance 1964-1981", con una soberbia actuación en directo para la TV de "What's going on?" enlazada con "What's happening brother?"

24 - "Mercy Mercy Me", Marvin Gaye

2009-12-04T20:30:00.003+01:00

álbum: What’s going on
año: 1971
sello: Tamla
"Mercy Mercy Me / Things ain’t what they used to be"

El otro día estuve en una ponencia sobre marketing. Es impresionante cuánto se puede hablar de vender sin necesidad de mencionar el producto a comercializar. Al final dijeron algo interesante. Algo así como: “El objetivo es fidelizar a tus clientes, y para ello, tienes que conseguir que lleguen a amarte”. Curiosa afirmación en pleno año 2009. Hace 4 décadas, Berry Gordy, capo de la Motown, dijo que soñaba con que sus discos fuesen “música que alcance los corazones, las almas, y las billeteras de todas las personas”. La cuestión es que este mismo visionario del marketing (¿?¿?) estuvo a punto de negarse a grabar el que a la postre ha sido el disco que mejor representó este sueño. “What’s going on” hablaba de guerras, de ecología, de problemas sociales, y pensó que eso no le importaría a nadie. Pero no tuvo en cuenta el mensajero de que disponía para tal arenga.

No cabe duda que lo que se menciona en “Mercy Mercy Me” (subtitulada, “The ecology”) tiene una actualidad apabullante. Pero hay algo en los constantes mensajes ecologistas que últimamente inundan no solo el televisor, sino también la música (ese buenrollismo ilustrado) y el cine (numerosos documentales últimamente se han estrenado en la gran pantalla referentes al deterioro del planeta, y el desarrollo insostenible que la población mundial está llevando a cabo) que hace que no funcionen tal y como deberían. Parecen una cuota, impresionante y epatante en algunos casos, sí, pero acaban convirtiéndose en una dosis de concienciación que sus espectadores acaban percibiendo con cierta distancia: como si las ballenas fueran algo que solo se puede ver gracias a las nuevas tecnologías, como si ellos no fueran los que dirigen las compañías multinacionales, como si África fuese un universo paralelo a miles de kilómetros de distancia o el ozono algo incomprensible relacionado con la química.

Aquí, más allá de la letra, más allá de esa proclama racionalizada, el que llega al fondo, el que hace amar al mensajero, el verdadero vehículo que transmite la esencia de tan incómoda verdad, es la música. La grandeza de la música de Gaye, esa que desde entonces siempre estuvo manchada por la tragedia, es la intimidad que despide, ese acercamiento al oyente que parece que te abraza, que te susurra, con la mezcla de melancolía, energía, fuerza y candor que tan solo los más grandes del soul pueden transmitir. Y entonces, la primera vez que escuché esta canción, es cuando sentí cada pelo de mi cuerpo como un árbol, un jardín en cada poro, cada curva como un accidente orográfico, el calor que hay dentro de él, y me sentí ajado, herido por el paso del tiempo, por mi propio entorno, por todo lo agresivo que me rodea. Una mezcla de felicidad por estar vivo y de amargura de verme morir. No, las cosas ya no son lo que eran. Ya no veo el mundo tamizado de miles de colores, la esperanza ya no brilla con la misma intensidad, el sentimiento de soledad crece cuando la ciudad en la que vivo cada vez cuenta con más habitantes. Al menos, en estos momentos, hay una certeza que enciende mi trémulo corazón: te quiero, Marvin.

Autor: Jesús Sáez

Más información: Marvin Gaye en la wikipedia

Mp3: Marvin Gaye

Youtube: No se permite la incrustación.

http://www.youtube.com/watch?v=U9BA6fFGMjI

25 - "There she goes", The La's

2009-11-27T09:10:00.010+01:00

álbum: The La's
año: 1990
sello: Go! Discs
"There she blows
There she blows again
Pulsing through my veins
And I just can't contain
This feeling that remains"

Uno de los riffs más reconocibles del pop de guitarras de principios de los noventa es "There she goes".

En contra de la que parecía ser la interpretación obvia de la canción, no hablaba de una chica que le ponía palote al narrador, sino de la sensación de euforia que se desataba en el drogadicto cuando consumía según qué sustancias. Uno se imaginaba un torrente sanguíneo contaminado de drogaína y al propietario de venas, sangre y papelas. Dejando de lado el mensaje moralista que acompaña la dictadura de lo políticamente correcto que nos ha tocado vivir estos días, he de decir que la sensación de euforia, pretendida o no, que se logra con esta canción es, posiblemente, lo más parecido a un subidón.

Lee Mavers, líder omnímodo del grupo, era un tipo perfeccionista hasta lo obsesivo. Sólo así se explica que The La's, su vehículo creativo, grabaran dos veces el único álbum que editaron en su carrera. Esa es la causa de que The La's, que en su día iba a ser the next big thing, perdieran el tren y The Stone Roses ocuparan el lugar que les correspondía.

De hecho, el single "There she goes" ya había sido editado en 1988 y fue una de las causas de que la prensa musical inglesa, siempre sedienta de hypes, les marcara como "grupo a seguir". Sin embargo, no fue hasta 1990 cuando, coincidiendo con la edición del long time post-poned self-titled LP, el single, re-released, pegó el golpe en la mesa de los charts y alcanzó el Top 20 en las listas inglesas y el 49 en las americanas. El resto del disco, en contra de lo que algunos creen, no desmerecía en absoluto. Say it loud: no estamos ante una one-hit band. De hecho, y aunque no hayan vuelto a editar discos nuevos, la banda (o más bien, Lee Mavers y mercenarios) sigue existiendo, no se ha disuelto oficialmente e incluso han hecho giras y presentado nuevas canciones.

Sin embargo, lo que más se recuerda de The La's es ese riff que nos retrotrae a días en los que la euforia, proviniera de dónde proviniera, no estaba necesariamente bajo sospecha.

Autor: Pedro Blasco

Más información:

Mp3: There she goes

Youtube: Universal no deja que incrustemos el video.

Video

26 - "Smells like teen spirit", Nirvana

2009-11-17T16:13:00.007+01:00

álbum: Nevermind
año: 1991
sello: Geffen
"Here we are now, entertain us"

Huele a espíritu adolescente. Y desde su publicación, el espíritu adolescente olió de forma diferente.

Han pasado casi 20 años, dios mío. El bebé que perseguía un dólar en la piscina de la portada del Nevermind ya va a la universidad. Y seguro que 20 años después seguirá dando botes con esta canción en alguna fiesta de fraternidad, si es que aún se celebran. Yo tengo ya 37, y el Smells es una de las 3 canciones que aún consiguen que me ponga a botar como un gilipollas.

Quien no sepa lo que esta canción logró entre los adolescentes de todo el mundo occidental solo necesita ver el video para entenderlo: decenas de chavales y chavalas empiezan tranquilamente sentados en la grada de un instituto, y 4 minutos de guitarrazos salvajes y gritos desesperados después están todos saltando unos sobre otros, como descerebrados.

Quizá haya un puñado de canciones que hayan logrado, a lo largo de la historia, coincidir con un cambio de comportamiento de los adolescentes de su época. Se me viene a la cabeza el “Rock around the clock”, cuyo éxito convivió con el nacimiento del espíritu de rebeldía de la juventud americana, que decidió en los años 50 que no quería ser como sus padres. Se me viene a la cabeza "Anarchy in the UK", con el que cuatro locos se encargaron de jubilar a los dinosaurios del virtuosismo para iniciar el reinado de la inmediatez y del "cualquiera puede hacerlo". “Smells like teen spirit” tuvo el mismo significado, solo que en 1991 los adolescentes no nos rebelamos contra nuestros padres, sino contra los capos del mainstream: “tíos, sois un puto coñazo”. Nirvana fueron, de esta manera, los enterradores de los años 80.

Si estás leyendo esto, tienes menos de 21 años y no entiendes de lo que te estoy hablando, date cuenta de que ese look de indie zarrapastroso que llevas no se pudo comprar siempre en el Corte Inglés, aprovecha que ésta es una de las pocas canciones que tienen una entrada en la Wikipedia, escucha esta canción (mejor haz un poco de sitio en la habitación) y a continuación vete a COMPRARTE todos los discos de los Pixies.

Autor: Jorge Benavente

Más información: http://es.wikipedia.org/wiki/Smells_Like_Teen_Spirit

Mp3: Smells like teen spirit

Youtube: El video de la canción.

27 - "In the city", The Jam

2009-11-14T16:38:00.006+01:00

álbum: In the city
año: 1977
sello: Polydor
"In the city, in the city
In the city there's a thousand things I want to say to you"

Quizás la historia del pop cambió una noche de agosto del 76. Cualquier otro momento pudiera ser bueno, quizás. Pero este no es sólo bueno, es especial. Esa noche de agosto Paul Weller bajó con sus amigos y sus 18 a Londres desde Woking, condado de Surrey, veinte minutos en tren a la ciudad. Paul y The Jam, ya viejos conocidos en los pubs de su ciudad, arrancan unos cuantos coches y organizan con los chavales de la pandilla una excursión. Parecía ser que en la capital pasaba algo gordo y ellos, aún meros provincianos, no se lo pueden perder. Las ventanillas abiertas por el calor, risas en el coche.

Fue una verdadera suerte, sin ello la pasión que ese chaval había moldeado hacía unos años por un movimiento perdido en los sesenta hubiera sido un mero remedo sin salida; así, encontraba un cauce nuevo y vitalizador para unas inquietudes que iban a estallar en una carrera brillante y sólida. Y de paso, inventaba el revival 79, uno de los estilos más breves y eufóricos de la historia del pop.

Voy a intentar no usar la palabra mod en el texto más de lo necesario, pero lo cierto es que he de empezar con ella. O más bien con nuestro Paul, aún un niño, enfrascado en su habitación. 1974. No le dice nada el glam rock. Pero encuentra en las páginas de New Musical Express un reportaje sobre unos jóvenes que hacía diez años o más se paseaban con altanería olímpica por su mismo país. The Jam ya existía y aún no va a cambiar a la nueva religión. Pero nuestro Paul sí, nuestro Paul cae deslumbrado. Es imposible implicarse en nada sin un deslumbramiento. Quizás el origen obrero, como el suyo, quizás similar actitud ante la música, pero Paul entiende tras caer del caballo que él es eso. Mira a su alrededor y en 1974 aún ve pasar a algunos. Muy pocos. Muy solos.

Quedan dos años largos para el punk y Paul es afortunado por estar ahí, en su habitación, leyendo una y otra vez los entresijos de una época que ya ha hecho suya. Así, cuando éste se presente su personalidad ya estará formada, ya no le engañarán ni le dirán por donde ha de ir. Ya sabrá él dónde ha de llegar con la seguridad que le da la conciencia de lo que hace. Eso también lo aprendió en su habitación de los mods.

Así que cuando desembarca en Londres esa noche de agosto, el pie fijándose al asfalto al salir del coche, la mirada atenta e interrogante, sobre la excitación monta la certeza. Certeza que se agranda al entrar al local. Londres era una ciudad altamente estimulante ese año. Una ciudad en el segundo de silencio que precede a la bomba, ese segundo en el que hinchas los pulmones porque una vibración del aire despierta el instinto. La pandilla entra en el 100 Club y asiste a un verdadero caos, a un pandemónium en el que ni los Sex Pistols ni público se aclaran. Pero Paul, pese a ello salió encantado. La vuelta a los coches la hizo como triunfador porque sabía que ahí estaba su público y el movimiento juvenil que le iba a empujar.

No tardarían mucho en actuar en ese 100 Club. Fue a finales del verano, y lo ocuparían varias veces más. De hecho, una vez separados y en su lp de directos –Dig the new breed- la versión del In the city que emplean está grabada el 11 de octubre de 1977 en ese mismo lugar. En todo caso la interpretación que más me gusta es la que hicieron en el Electric Circus de Manchester, agosto de ese mismo año –espero que nuestro Jordi la ponga como video- porque en ella se recrean los primeros planos con profusión y tranquilidad. Y me gusta esa mirada desafiante y tímida al mismo tiempo, el salto que se adivina en el primer redoble, los movimientos eléctricos y elegantes, los escasos pero significativos planos de un público que te acoge treinta años después.

¡¡¡In the City!!!, palabras mayores, aparecida el 29 de abril de ese mismo 1977. Una portada con un fondo de azulejos de sanitario y ellos inventando el uniforme de la nueva ola: corbata estrecha, americana y zapatos sucios. Y dentro urgencia, sí, urgencia de la guitarra que repite el mismo riff tres veces llamando a ese redoble de batería que late en toda la canción. La voz grita encajándose en una atrayente melodía la rabia, la frustración, las preguntas. En la calle están pasando cosas y hemos de aprovecharlas, hay que hacer algo, nosotros mismos. Hasta llegar a ese final repetitivo que es imposible dejar de gritar. Poco más dos minutos que se hacen densos, elásticos, que recorre un nervio tempestuoso.

Mirado con sospecha por los punks – ha pasado a los anales una pelea con Sid Vicious de la que el Pistol, nenaza, sacó un ojo lesionado durante toda su vida- y por los escasos aficionados activos a la estética de los sesenta, Paul tenía el criterio, tenía el cauce. Sólo le faltaba ponerse manos a la obra. Sin revivalismos -¿cómo voy a ser revivalista si sólo tengo dieciocho jodidos años?, dijo- pero tomando todo lo que del pasado podía ser activo. Simplemente quería gritar su insatisfacción con el espíritu más bello y más enérgico que había encontrado.

Autor: César Prieto

Más información: Página oficial

Mp3: In the city

Youtube: The Jam en el programa de Tony Wilson.

28 - "Father and son", Cat Stevens

2009-10-05T18:03:00.004+02:00

álbum: Tea for the tillerman
año: 1970
sello: Island
"From the moment I could talk
I was ordered to listen
There's a way and I know
that I have to go away"

Muchas veces pienso que si Cat Stevens no ha pasado a formar parte de ese limbo de grandes cantautores, en el que descansan grácilmente artistas como Bob Dylan, Leonard Cohen o Neil Young, es porque nunca jugó con la cara más oscura de la vida. Éstos siempre desenfocaron los límites de lo razonable, descubrieron a aquellos que habitan los huecos de la sociedad y los hicieron protagonistas de sus historias, hasta el punto, en algunos casos, de convertirse ellos mismo en pobladores habituales de sus propias narraciones. Lo de Steven Demetre Georgiou es más la poesía de lo cotidiano, el despertar de esos sentimientos que reconocemos tanto como humanos, de esas condiciones que nos hacen diferentes y maravillosos, en toda su extensión, desde la melancolía a la euforia, de la tristeza a la resignación, del odio a la ira, de la felicidad a la duda, siempre celebrando esa fiesta que es vivir, en una auténtica orgía vitalista.

En el DVD editado hace apenas cinco años "Majikat", que recoge un concierto de su gira de 1976, se puede apreciar la increíble intensidad con la que Stevens entendía la música, como ésta filtraba por todos los poros de su cuerpo dando forma a un éxtasis que pone los pelos de punta. Esa es la demostración más clara, el momento clarividente en el que deja vislumbrar cómo, dentro de su discurso despoblado de iconos, la honestidad, la falta de prejuicios, y su obsesión por vivir (léase con mayúsculas), convertían un lenguaje musical que aparecía como amable y falto de ángulos, en un dechado de amor por la vida, concebido en toda su plenitud, y hacían de él un compositor único e irrepetible, un verdadero outsider en un panorama lleno de genios hinchados de LSD y fantasías ultraterrenales.

"Father and Son" es el más claro ejemplo de eso. El diálogo de un padre y un hijo que pone al descubierto los errores y aciertos de cada uno, que desvela ese camino que irremediablemente hemos de recorrer y al que hemos de llegar, piedras en las que tropezar, derrotas que celebrar, triunfos que rememorar. El padre, que ya ha sido golpeado por la vida en múltiples ocasiones, descubre la urgencia juvenil de su hijo, su necesidad de crecer, y le pide calma, paciencia para no cometer esos fallos que él mismo sufrió, que no se deje llevar por unos impulsos y unos sueños que con el tiempo desaparecerán. La voz de la doble y dolorosa certeza: la de que el chaval necesita llevar a cabo esos pasos por sí mismo, y la de que los errores serán similares llevándole a sufrimientos parejos. El hijo siente la vida abriéndose como millones de posibilidades que experimentar, y siente la necesidad de saltar más allá, de liberarse de esa guía al mismo tiempo sabia y aleccionadora erigida en la figura del padre, de trazar su propia libertad, de equivocarse, de explotar en toda su ansia de vivir. Este diálogo Stevens lo representa con su habitual sutilidad acústica, interpretando con voz grave al padre, y con subidas de intensidad y tonos agudos, al hijo, llegando un climax final en el que un coro responde a cada una de las voces.

Sí, es simple. No, no hay tragedias (al menos explícitas). No hay mensajes aleccionadores. Hay una composición excelsa que demuestra que la vida no hay que explicarla, que se representa por sí misma, que solo hay que saber leerla, y disfrutar de cada una de sus diferentes estaciones. Una demostración de sentimientos encontrados, intereses enfrentados, caminos cruzados, una lectura vital sin prejuicios ni cortapisas, sin presupuestos, con un único límite: el tiempo que nos queda. Todo esto expresado con una sensibilidad exquisita, una intensidad emocionante hasta la lágrima, una clarividencia que no pertenece a los genios, sino a los vividores. Porque Cat Stevens nos presenta a sus “vividores” como aquellos que entienden su periplo necesariamente como alegría y dolor, sufrimiento, tristeza, algarabía, preocupación y despreocupación, equivocarse y acertar y volverse a equivocar, soñar y razonar, sin que deba faltar ni uno solo de sus ingredientes. Qué mejor receta para sentirse vivo por uno mismo, y no por contraste con los que no pueden (o no han sabido) cocinar tal menú.

Autor: Jesús Saez

Más información: Web oficial

Mp3: Father and son

Youtube: Versión en directo

Versión original

29 - "Anarchy in the U.K.", Sex Pistols

2009-08-24T09:52:00.008+02:00

álbum: Anarchy in the U.K. (single, también en el álbum "Never mind the bollocks. Here's the Sex Pistols" de 1977)
año: 1976
sello: EMI
"I am an antichrist
I am an anarchist
Dont know what I want but
I know how to get it"

Suena tu despertador a las 7. Dos tonos como cada día. Lo apagas, te levantas y pones los pies en tus cómodas zapatillas que fueron regalo de la última Navidad. Una ducha rápida, te pones el traje y la corbata y das un mecánico beso a tu mujer y tus hijos antes de ir a coger tu coche gris al garaje. Te incorporas escuchando la COPE al atasco de cada mañana que te lleva lentamente al trabajo donde aparcas en la plaza que tienes reservada. Subes en el ascensor evitando rozar cualquier otro cuerpo. Musitas un buenosdías a la recepcionista y a tus compañeros. Te sientas en la mesa, enciendes el ordenador e inicias las tareas a las que llamas tu responsabilidad. Sólo paras para un café a las 10:30 y para comer a las 13:30. En la comida hablas con tus compañeros de trabajo de fútbol, de política y de toros. Te fumas un purito y vuelves al trabajo. Cuando acaba tu jornada, directo a casa. Cenas lo que te pone tu mujer. Das otro beso a tus hijos antes de que se acuesten. Pones la tele hasta que te aburres. La apagas. Otro beso a tu mujer porque hoy no es sábado así que no hay que dedicarle cinco minutos más. Ahora sólo queda dormir. Y mientras duermes, lo ves claro porque sueñas que eres feliz hasta que suena de nuevo el despertador.

Esa es tu vida. Rutinaria, ¿verdad? ¿No te apetecería cambiarla un poco o del todo? ¿Coger un martillo, romper todos los espejos y acabar danzando desnudo en una habitación llena de cristales? Algunos dirían que eso es el punk. Para construir, hay que destruir. Escupir e insultar a quien te viene a escuchar. Tres acordes o cuatro. O algo así. Nosotros no lo sabemos. Lo único de lo que estamos seguros es que este grupo es uno de los más famosos del "movimiento" (con el permiso de los Ramones) y esta canción probablemente la más representativa. Y si quieren información de primera mano, lean "Por favor, mátame. Historia oral del punk". No será verdad, pero ¿a quién le importa?.

PD: Ah, casi me olvidaba. Estuve parte de mi adolescencia creyendo que el original era de Megadeth. Es que el video molaba y yo tenía amigos heavys y no era muy listo.
PD2: De acuerdo, tú ganas. La utilización del pretérito no es correcta.
PD3: Dicen que poner muchas postdatas implica tener una mente desordenada.
PD4: Debe ser por eso que pongo tantas...

Autor: M.Cabezapolo

Más información: http://www.sex-pistols.net/

Mp3: Anarchy in the U.K.

Youtube: En el programa de Tony Wilson (el video que siempre daban en el 33)

30 - "Sheena is a punk rocker", The Ramones

2009-08-17T09:00:00.001+02:00

álbum: Rocket to Russia
año: 1977
sello: Sire Records
"But she just couldn’t stay
She had to break away
New York City really has it all"

¡Zas! ¡En toda la boca! Cual Peter Griffin en Padre de Familia, eso es lo que podrían haber dicho los Ramones a todos los grupos de Rock Progresivo y rollos parecidos allá por finales de los 70. No hace falta ser un músico virtuoso, ni tocar canciones de 8 minutos. One, two, three, four!!!… seguidos de 2 minutos de energía juvenil. Ellos fueron los primeros y la quinta esencia del punk. Resucitaron el espíritu original del rock de los 50 y el pop de los 60. Pusieron la música en primer plano (no hacía falta vestirse de manera estrambótica como los grupos de glam) y a sus fans por encima de todo (dieron casi dos mil conciertos, incluso después de que Joey dejase de hablar a Johnny por robarle la novia).
The Trade Winds cantaban “New York is a lonely town when you are the only surfer boy around”, pero los Ramones no necesitaban estar en la costa oeste. La playa de Rockaway en su Queens natal era suficiente. Hicieron varias incursiones en la música surf, grabando versiones de “California sun”, “Surf city”, “Surfin’ bird” o “Surfin’ safari”… “Sheena is a punk rocker” es una de sus canciones más influidas por este sonido. Parece ser que Joey la compuso para sustituir a “Carbona not glue” en el disco Leave Home. Fue publicada en una reedición de este disco, en una versión anterior, pero la versión definitiva apareció en Rocket to Russia y se convirtió instantáneamente en uno de los clásicos del grupo.
Todavía cuesta creer que Joey, Johnny y Dee Dee se hayan ido, pero Los Ramones son ya parte de la historia del rock’n’roll. Su música y su imagen han dejado huella. El logotipo del águila con los nombres de sus componentes alrededor, es tan reconocible como la lengua de los Rolling Stones. Larga vida a los Ramones.

Autor: Rafa Llarena

Más información: http://www.officialramones.com

Mp3: Sheena is a punk rocker

Youtube: En un programa de TV.

31 - "Be my baby", The Ronettes

2009-05-04T09:00:00.001+02:00

álbum: Presenting the Fabulous Ronettes
año: 1963
sello: Philles Records
"I’ll make you happy, baby, just wait and see
For every kiss you give me, I’ll give you three"

"’Be my Baby’ se anuncia con la que puede ser la introducción más dramática del R&R – la batería de Hal Blaine es el código Morse de los dioses – y, de alguna manera, sólo mejora a partir de ahí”. Esta es la descripción que hace Allmusic de la mítica introducción de Hal Blaine a una de las mejores canciones pop de la historia. Según cuentan, fue Jack Nietzche, el arreglista de Phil Spector, quien se la sugirió, así que el mérito debería recaer en ambos. Por algo, decenas de canciones de todas las épocas copian este ritmo tan característico. Y como dice Allmusic, eso es sólo el principio, lo que sigue es tanto o más increíble.

Una conjunción de los mejores ingredientes hizo esta maravilla posible. Phil Spector, el mítico productor creador del Wall of Sound estaba en su cima creativa y los hits se acumulaban en su carrera. Antes de que “Be My Baby” alcanzara lo más alto de las listas, Spector había triunfado con clásicos como “To know him (is to love him)” (su único éxito como intérprete al frente de los Teddy Bears), “I love how you love me”, “He’s a rebel”, “Da doo Ron ron” o “Then he kissed me”. Spector era el genio detrás de la producción de estas canciones, pero el mérito no es sólo suyo. Los ingredientes que mencionaba antes eran: un gran arreglista (el mencionado Jack Nietzche), unos músicos de estudio memorables (la llamada Wrecking Crew, participantes en las mejores sesiones de grabación de Los Ángeles de la época, desde Spector a Brian Wilson, pasando por The Monkees o Simon & Garfunkel), un estudio de grabación con un sonido único (Gold Star), una voz fascinante (los “oh oh” de Ronnie han quedado para la historia) y unos compositores de excepción.
En este caso, los compañeros de composición de Spector fueron Jeff Barry y Ellie Greenwich, una de las míticas parejas de compositores del famoso Brill Building de Nueva York. Si esta lista de canciones la hubiese elaborado yo sólo, probablemente habría más de una canción de Barry/Greenwich, tanto con Spector como en su trayectoria en Red Bird. Pero como no es el caso, intentaré centrarme en la canción que nos ocupa.

Para crear su famoso “muro de sonido”, Phil Spector agrupaba decenas de músicos en un espacio minúsculo y ponía el volumen al máximo. Sólo él conseguía sacar algo tan bonito de ese aparente caos. Por poner un ejemplo, en esta canción suenan cuatro teclados al mismo tiempo.

El resultado, una canción perfecta. Después de la introducción, entran las cuerdas, maracas y castañuelas que dan paso a la voz, con ese timbre tan característico de Ronnie. La canción te atrapa por su inocencia desde el principio. Cuando ya estás babeando con la primera estrofa, llega el estribillo y, al escuchar esos coros, no puedes creer que aún pueda mejorar. Pero mejora. En el puente instrumental, las cuerdas y unos coros de otro mundo, lo llenan todo. Y aunque parezca mentira, aún no ha llegado lo mejor. Ronnie vuelve a cantar el estribillo rodeada de castañuelas. "Whoa-oh-oh-oh" y entonces todo se para, el código Morse de los dioses vuelve a sonar más potente incluso que al inicio y, dejándonos con la carne de gallina, la canción termina con el Muro de Sonido sonando mejor que nunca. Dos minutos y medio de pura gloria.

El resto es historia. Como muestra de la grandeza de esta canción, Brian Wilson la consideraba (y aún lo hace) la mejor que se ha compuesto jamás. No sólo emuló muchas veces ese sonido sino que compuso “Don’t worry baby” como una continuación a “Be my baby” (la introducción de la canción de Wilson lo atestigua). Incluso llegó a ofrecérsela Spector para que la cantara Ronnie, pero este la desechó por no estar a la altura (ejem…). Afortunadamente para Brian, Ronnie grabó su canción años después.

Mientras termino esta crítica, escucho “Gentle Sons”, la última canción del disco de debut de la nueva promesa del Indie pop, The Pains of Being Pure at Heart. Esta canción se suma a la larga lista de canciones que comienzan con el código Morse de los dioses. Una joven banda de NY que demuestra que el legado de “Be My Baby” sigue vivo, y lo seguirá por muchos años.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página de referencia sobre Phil Spector, Brill Building, Girl groups… http://www.spectropop.com/

Mp3: Be my baby

Youtube: Actuación en Shinding!

32 - "Boys don't cry", The Cure

2009-04-27T09:00:00.001+02:00

álbum: Boys don’t cry
año: 1980
sello: Fiction
"Now I would do most anything
To get you back by my side
But I just
Keep on laughing
Hiding the tears in my eyes
'cause boys don't cry"

Rascamos cuatro veces las cuerdas de la guitarra: pang, pang, pang, pang. Pegamos tres rápidos baquetazos: ta-ta-ta. Hecho, es sencillo: acabamos de componer el mejor inicio de una canción pop de la historia (con permiso del Debaser de los Pixies).

Hacemos dos riffs de guitarra sobre el ritmo perfecto del bajo y la batería. Hecho, es simple: acabamos de encontrar cómo transmitir en veinte segundos toda la alegría del pop; acabamos de conseguir que hasta el más torpe espantapájaros se ponga a bailar; para los que nos acusan de oscuros, allá va nuestra canción más luminosa.

Contamos una historia sencilla de un chico que no quiere llorar aunque se dé cuenta de que ha perdido, para siempre, a la chica de su vida. La contamos como si tuviésemos 15 años (¿acaso no los tenemos?) y nos pareciera que nunca, en nuestra puta vida, nos fuéramos a poder recuperar de tanto dolor (¡qué hermoso es darse cuenta 15 años más tarde de que el desamor no duele tanto al fin y al cabo!). Hecho, es sencillo: acabamos de crear una de las dos mejores canciones pop de la historia (pon tú la otra, amigo).

¿Es sencillo hacer pop? Varios millones de malas canciones nos dicen que no lo es. Pero esta pequeña joya demuestra lo contrario. ¡Ah, pero es que para hacer algo tan bueno como “Boys don’t cry” hay que tener talento! Ya, será eso...

Autor: Xurxo Benavente

Más información: Página oficial

Mp3: Boys don't cry

Youtube: Videoclip de la canción

33 - "Perfect day", Lou Reed

2009-04-20T09:00:00.001+02:00

álbum: Transformer
año: 1972
sello: RCA
"Oh, it's just a perfect day
I'm glad I spent it with you"

¿Y qué mas da que la canción no hable de amor, sino de heroína? Sigue siendo una preciosa canción de amor, con una letra sencilla y tierna, que cualquiera querría cantar a su pareja (en el hipotético caso de que estuviera enamorado de la misma) en la languidez de un fin de tarde de domingo otoñal. Aunque hoy sea una concepción superada, durante un tiempo de descubrimiento la heroína se consideró una sustancia cool, que mejoraba la vida de quien la consumía y a quien se dedicaron canciones de admiración y respeto. Por eso, aunque su destinatario sea erróneo, el amor que trasciende esa canción puede extrapolarse a lo que se entiende habitualmente por amor; es decir, entre personas.

O quizás no. Quizás el entorno ambiental de la canción no sea la lánguida dejadez de la droga en sus primeros estadios de consumo, quizá sea una resignada tristeza nostálgica por haberse entregado a alguien que no te va abandonar, ni aunque tú quieras.

Bueno, amor también al fin y al cabo, y no afecta a la afirmación que pensaba hacer de que es una de las canciones de amor más perfectas que existen en el mundo del pop y el rock, por su unión de sencillez, caràcter, capacidad evocadora y melodía.

Lou Reed estaba en estado de gracia por esos años, y afortunadamente para los que nos gustan las canciones de formato clásico, pasó una gran parte de ellos entregado a las composiciones lógicas y sencillas, como esa otra joya del mismo álbum que es "Satellite of love". De hecho, todo "Transformer" es una prueba de estado de inspiración absoluta. Lástima que a Reed, como a Dylan, le haya dado en sus años geriátricos por deconstruir esas canciones, si es que las toca en directo, hasta hacerlas irreconocibles (o, lo que es peor, reconocibles pero detestables en sus experimentos jazzístico-percusivos). Cierto es que no deja de ser el autor y por tanto está legitimado para hacer lo que quiera con sus interpretaciones, pero hay momentos redondos en la historia de la música popular que alcanzan la categoría de obras de arte, pasan a ser patrimonio de la humanidad y por tanto deberían estar sujetos a restricciones en su modificación. Es el caso de todo "Transformer", especialmente esta canción, también "Satellite of love" y, por supuesto, "Walk on the wild side".

Lo cual me recuerda que hace muchos años ya, saliendo de una feria del disco en Barcelona, cuando aún se celebraba en el Hotel Oriente, en las Ramblas, me encontré fuera paseando a mi hermano, fan de la música de calidad donde los haya. Al preguntar qué había comprado y enseñarle el single, me dijo... "¿ah, pero Lou Reed no era negro?". Durante muchos años me he estado descojonando del comentario de forma
recurrente, pero desde que ví en directo a Reed hace un par de años pretendiendo ser Miles Davis o Coltrane, resulta que he descubiertoque mi hermano era un visionario y tenía más oído del que parecía: Lou Reed no era negro, pero querría haberlo sido para saber interpretar jazz sin resultar un tostón.

En fin, amor, drogas, días perfectos, rock and roll y gente que no se entera: la música nuestra de cada día-

Autor: Luis

Más información: Página oficial

Mp3: Perfect day

Youtube: La canción reinterpretada por Lou Reed y unos amigos (entre ellos uno rockero y comprometido)

34 - "Hang on", Teenage Fanclub

2009-04-11T12:15:00.005+02:00

álbum: Thirteen
año: 1993
sello: Creation
"Of all the stars I've ever seen
you're the sun
Hang on, hang on"

Alguna vez alguien me ha comentado que si las canciones de Norman eran las que más le gustaban, o si en cambio eran las de Gerard o las de Raymond (si me tengo que mojar, mi voto iría para el primero).Teenage Fanclub es el ejemplo que habría que usar en las clases de Educación para la ciudadanía para explicar las ventajas de la democracia. En cada uno de sus discos, los tres (grandes) compositores que forman este grupo se reparten a igual proporción la autoría de las canciones. Puede que alguien pueda discutir que uno u otro hace mejores canciones o que en un momento determinado de su carrera, uno de ellos estaba en estado de gracia y tal disco hubiera ganado con un mayor número de sus composiciones. Puede ser, pero la fórmula ha funcionado hasta ahora con unos resultados impecables.
De las cenizas de The Boy Hairdressers, Norman Blake y Raymond McGinley, junto con Gerard Love, formaron el núcleo indisoluble de TFC. Francis McDonald (también en The Boy Hairdressers) toma el papel de batería en un principio, pero este instrumento ha ido cambiando a un ritmo cercano al de Spinal Tap (pero sin muertes misteriosas ni combustiones espontáneas).
Los inicios más ruidosos (con Big Star en el podio de influencias) fueron dando paso a las guitarras más cristalinas y las armonías vocales que ahora son sus señas de identidad (con los tantas veces mencionados Byrds en mente). “Hang on” contiene una pequeña recopilación de todos esos factores. El comienzo con un poderoso riff de guitarra digno de T Rex, deja paso a las voces directamente llegadas de la costa oeste. La melodía, de Gerard Love en este caso, deja paso a un fade out orquestado que es uno de los mejores momentos del disco y la entrada perfecta al resto del disco.
Sirva la inclusión de esta canción en la lista para homenajear este gran disco, Thirteen, tan denostado por haber seguido directamente al legendario Bandwagonesque, y precedido a su obra maestra, Grand Prix.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Web oficial

Mp3: Hang on

Youtube: Video de la canción.

35 - "Streets of your town", The Go Betweens

2009-03-02T17:04:00.006+01:00

álbum: 16 lovers lane
año: 1988
sello: Beggars Banquet
"Don't the sun look good today?
But the rain is on its way..."

Esta es la crónica de un amor, de una obsesión: llevo toda la vida buscando a los Go Betweens.

Me enamoré de ellos con el "16 lovers lane", seguramente con esta canción, y mi vida cambió.

Me obsesioné, busqué como un loco toda la información posible sobre esos australianos tocados por el don de la canción perfecta.

En aquella época toda su discografía anterior a Beggars Banquet (los 3 primeros discos, vamos) era inencontrable, pagué cantidades indecentes por copias en vinilo de esos discos (no estaban editados en CD) conseguidas a través de extraños catálogos de venta por correo. Lloré con "Bachelor kisses", me estremecí con "Part company", vibré hasta el éxtasis con "That way"... encontré a MI grupo.

Poco después conseguí sus dos discos siguientes: el "Liberty belle" y el "Tallulah". Recuerdo aún la emoción de la primera escucha... "the wrong road", "spring rain", "apology accepted", "right here", "bye bye pride"... no me lo podía creer, era imposible tanta perfección, tanta emoción, tanta verdad. Creo sinceramente que la trilogía "liberty", "tallulah", "16 lovers lane" es la cumbre del pop de mi era.

Poco después, tal y como presagiaba la portada del "16 lovers lane" con esas miradas dispersas, se separaron. Era el inicio de su historia negra, en su mejor momento, con lo más parecido a un éxito comercial que habían tenido (esta genial "Streets of your town") se separaban. El mito de Van Gogh tantas veces reproducido en la historia del arte volvía en toda su magnitud: el grupo más grande del mundo no había conseguido ni siquiera cercarse al éxito que merecían.

Yo quería más, claro. Llegaron sus etapas en solitario, el sublime "Danger in the past" de Robert, los irregulares discos de Grant.

Seguía buscándolos y ante la ausencia del maestro busqué a los alumnos, descubrí el maravilloso mundo del pop de las antípodas: los Apartments, los Mutton birds, el pop kiwi del sello Flying nun,... también tuve que tragar con mucho desalmado que se atrevía a definir su sonido como influenciado por mis ídolos (maldito vicio que aun persiste).

Y volvieron. Volvieron para llenar mi vida, para recordarme lo mucho que los necesitaba, lo mucho que los echaba de menos. Tuve incluso la suerte de verlos en directo en un inolvidable Primavera Sound, con un "right here" que vivirá para siempre en nuestros corazones.

Y entonces Grant, que siempre fue mi preferido, se fue. Acababan de sacar su enésima obra maestra y estaban, por fin, recibiendo el reconocimiento que siempre merecieron. Malditos malditos.

Se fue durmiendo, soñando, con un aura irreal que aún hoy me atrapa cada vez que recuerdo aquel día.

¿Se supera alguna vez la muerte del ser querido? No lo sé, yo la de Grant no la he superado, ni siquiera sé si quiero, aunque Robert me ha enseñado con "The evangelist" a sobrellevarlo.

Algunos se pasan la vida buscando a Dios, al amor, a la libertad, a la comprensión, al respeto... yo sólo los he buscado a ellos, a los Go Betweens.

Y sigo buscando, and I'm getting old.

Autor: Javi Abad

Más información: Página hecha por fans

Mp3: Streets of your town

Youtube: Video de la canción.

36 - "The needle and the damage done", Neil Young

2009-02-25T22:00:00.001+01:00

álbum: Harvest
año: 1971
sello: Reprise
"I've seen the needle and the damage done
A little part of it in everyone
But every junkie's
like a settin'sun"

La música, más allá incluso de los autores e intérpretes que la han hecho viva, siempre ha jugado con la autodestrucción. El rock’n roll creció bajo unas premisas de urgencia y fugacidad y dio lugar a unas máximas que, desde cierta cordura, resultan inaceptables. Los personajes autodestructivos, los perdedores que buscan desperdiciar sus cartas de la manera más truculenta posible, han sido objeto de admiración por imberbes en plena explosión rebelde y sesudos intelectuales en distante estudio psicológico y antropológico. Algo así como un veterinario visitando un zoo, vamos.

Neil Young sabía cuando escribió “The needle and the damage done” que muchos lo iban a juzgar por moralista (en la recopilación “Decades” incluía unas notas al respecto de la canción que rezaban “I am not a preacher, but drugs killed a lot of great men.” – No soy un predicador, pero las drogas mataron a muchas grandes personas), que su posición iba en contra de los cánones del rock y que su música se iba a considerar menos “transgresora” por adoptar este tipo de mensajes. Pero al igual que hoy en día ser honesto es todo un dechado de actitud punk, lo de Young fue un auténtico acto de lucidez y rebeldía. Porque las reglas mandaban que la autodestrucción y la heroína eran el camino, y el decidió no seguirlo. Y sobre todo, porque Young se sentía vivo, y sentía la pena de haber visto morir bajo los efectos de la aguja implacable a Danny Whitten (guitarrista de Crazy Horse) y Bruce Berry (roadie de Young durante sus giras con su banda). Esa melancolía pronfunda, esa tristeza del que ha visto a un hombre apagarse lentamente y morir consumido como un cigarrillo abandonado en un cenicero de papel de plata, está presente en cada cuerda que rasga Young en los apenas dos minutos que dura la canción. A pecho descubierto, de la forma más directa y honesta que por entonces conocía un músico.

No era una cuestión de moral. Era una cuestión vital. No era una cuestión de miedo, sino de respeto. Hay mucho de arrebatador y pasional en esos personajes autodestructivos, sumidos en un mundo de drogas y patetismo (el ejemplo más cercano podría ser Nacho Vegas). ¿Cuál es el mito? Sin duda, en este caso, el autor o intérprete subyugado a su propia necesidad de crear. Entonces, compraremos una nueva entrada para acudir al mayor espectáculo del mundo, nos sentaremos bien arriba en la grada, para tener una visión panorámica de la pista central, y aplaudiremos fervorosamente cuando el trapecista falle el triple mortal sin red.

Autor: Jesús Sáez

Más información: Página oficial

Mp3: The needle and the damage done

Youtube: En directo en la televisión

37 - "Souvenir", O.M.D.

2009-01-31T17:12:00.005+01:00

álbum: Architecture & Morality
año: 1981
sello: Virgin
"My feelings still remain"

Acabo de llegar de una especie de festival alternativo de Barcelona –unos inquietos gallegos que promueven fiestas y regalan discos por el amor al arte que propugnaban los modernistas- y parece ser que un par de conversaciones mantenidas han encendido la chispa que me ha hecho evocar el pasado y vestir de recuerdo la canción que me toca desfibrar en el blog. Y a ello voy. Va a ser largo, avisados quedan.
La primera conversación ha sido vía Internet y esta mañana. Un par o tres de mensajes del grupo de locos que montamos esta salerosa clasificación hablaba de la endogamia de los grupos de Barcelona, de que la escena actual se compone de treinta personas que se van combinando entre sí para dar lugar a una serie de grupos en que están siempre los mismos treinta bajo careta de personalidad orquestal diferente. De hecho en las cuatro bandas que actuaban hoy ocurría eso, pero es que a la vez me han instado a acudir al mismo local el sábado que viene –o el sábado al que voy- en otra fiesta de una discográfica en la que actúan casi los mismos que aparecían hoy pero bajo nombres diferentes.
La segunda conversación ha sido allí mismo, y tan enfrascado me he visto en ella que cuando he querido salir a cenar con un grupillo al que le había dicho que acudía en breve, ya no los he encontrado. Trataba ésta sobre el gran tema de los treintañeros –y de ahí en adelante- que siguen aficionados a la música. Hace diez años Internet no era más que una curiosidad y la gente que entonces era veinteañera ya había formado su estética. Son la última generación para la que la música no tiene que ver con los ordenadores.
La cuestión es que yo me quejaba de que echo a faltar la presencia de popes, de críticos con criterio que escojan por mí, que me hablen con emoción de tal disco y su opinión sea valorada. Con el espíritu crítico que es ley que ellos mismos nos enseñen, sí, pero valorada. Esa Patricia Godes, esa Sagrario Luna, Fernando Poblet, Josep María Pallardó, ese Oriol Llopis,… Por citar sólo los más olvidados, que los conocidos siguen estando en el candelero. Gente que al citar un disco sancionaban y quitaban libertad al creyente, pero evitaban dispersión. A partir de ahí ya podías construir tu propia personalidad musical. Mi interlocutor argumentaba que esa figura aún existe, pero en forma de blogger, que nosotros no los conocemos, pero que la gente de veinte años los sigue, escoge, valora. No viene a ser lo mismo, por muchas razones. La primera es que cuando te echas novia dejas el blog. Entiéndanme, los guías actuales pueden ser válidos, de una percepción tan afinada como la de Diego Manrique en el 79, pero ya no buscan ser profesionales, es un entretenimiento que con el tiempo se dejará y con ello dejará inválidos a sus seguidores.
Bien, toda esta retahíla para explicar que a mí OMD me los descubrió un pope. Novelista de segunda fila hoy en día –aunque a mí me parece poco valorado y cercano a mis adorados Jardiel o Mihura- columnista en El Periódico de Catalunya y con una breve y frustrada carrera cinematográfica, habló en no recuerdo que revista –igual era el Vibraciones, del que fue director- del inmenso poder evocativo del primer disco de un grupo de Liverpool. Era el año en que habían sacado el Organisation y por tanto el “Enola Gay” sonaba constantemente en las radios. Es una canción que siempre me ha desagradado, profundamente. Entiendo que es icono de una época, entiendo que mucha gente evoca su riff de sintetizador como preclaro ejemplo de alianza entre vanguardia, comercialidad y baile, pero a mí son cosas que juntas me repatean. Las aguanto, como mucho, de dos en dos. No hay problema, me suele pasar con canciones sueltas de mis grupos favoritos, las odio hasta la extenuación. Quizás sean el vertedero de lo mucho que me gustan las otras.
El caso es que me fié del criterio de mi crítico y me compre su primer lp. No lo entendí. Sigo sin hacerlo. Me parece por una parte aburrido, pero por otra maravilloso. Las canciones son pretenciosas –Julia’s Song-, vulgares –Electricity-, pero tienen una extraña magia. Algo así como “no me sale, pero me saldrá”.
Y les salió, vaya si les salió. El padre es Architecture&Morality, un tercer lp lleno d enormes canciones, creo que cada una –por una razón diferente- lo es. El espíritu santo es “Souvenir”. Pero antes de que les analice la canción déjenme que les hable de cómo era la situación en el año 82, pongamos por caso, porque no se lo van a creer. Si digo que era una situación totalmente permeable va a quedar muy bien y va a entenderse hoy como multiculturalidad, cruce de civilizaciones, eclecticismo o un montón de chorradas más. Se me dirá también que esa actitud está a la orden del día. Y no era eso, no era eso. Permeable significa, por ejemplo que mi amigo del alma en aquella época, le flipaban los New Trolls, pero a la vez se compraba un disco de Dire Straits, que era un grupo nuevo, y me robaba mi ep numerado de Los Secretos porque les molaba a sus amigos de Santa Coloma que por otra parte no hacían más que escuchar a Los Chichos. Mientras, en su casa, analizábamos y bailábamos el disco de Greta que se había comprado su hermano, que por otra parte era heavy y se moría por Black Sabbatth. Mientras yo colaba el “Noche blanca en Munich” de Miguel Bosé junto a “Branquias bajo el agua” y mi amigo del alma me hacía recorrer media Barcelona para comprar un disco de unos alemanes que tenía una cara B cojonuda que se llamaba “Antenna”. Y yo aprovechaba también para hacerme con el “Sin Dinero” de Charol y al llegar a casa nos pillaba un compañero de colegio que se había comprado un lp que se llamaba Fans y que salían unos tales Radio Futura que eran cojonudos mientras yo les decía que fueran subiendo porque iba a casa a buscar a los que me he comprado que son Police y tienen el “Roxanne”
Y en el colegio corrían los discos que era un contento. Yo fui a una entidad religiosa –que Dios confunda- en la época de los curas obreros y las misas con guitarrita y canciones del Sisa. Y recuerdo –entre curas que nos hacían leer a Marx y otros que llevaban a su señora a los reservados- que se organizaban sesiones de audio forum en los sótanos de una enorme parroquia del desarrollismo. El asunto consistía en bajar un tocadiscos y que alguien devoto te pusiera toda la discografía de Pink Floyd o de Bob Marley. Y al salir iba a ver a una novia que tenía yo en Sants y que forraba toda su habitación de posters de Kiss y a la vez me compraba ella una entrada para ir a ver a Camel, pero que no perdonaba que no le pusiera el “She’s leaving” al llegar a su casa.
Ese era el ambiente. Ahora parece que todos estos te pueden gustar a la vez porque ya son clásicos, pero piensen un momento, vendría a ser como si hoy pudieras apreciar a: Camela, Porta, Evanescence, Operación Triunfo, Los Punsetes, Paulina Rubio, Banda Bassotti, Shania Twain, Cantajuego, Santi Delgado y los Runaways Lovers, Postal Service, Merche Corisco y Prin La La todo de una tacada y sin que te cayera la cara de vergüenza. Hoy esto sería imposible. Entonces existía.
Pues mi Architecture&Morality se editó en este ambiente y fue pasando de mano en mano hasta que me volvió un día con el troquel absolutamente desgastado. Mejor que fuese así, sobre todo estando dentro “Souvenir”, que es una canción que merece estar rota, a pesar de lo impoluto de su construcción. Una canción que yo me apresuré a difundir sin reparos quizás porque estaba diciendo “esto soy yo”, o “me quiero convertir en esto”, que vienen a ser cosas contrarias.
Puntualicemos: “Souvenir” es una canción que impacta. Impacta mucho la primera vez que la oyes. Pero si encima tienes diecisiete años y la pillas justo en el momento en que le toca –es decir, cuando aún tiene esa frescura de algo reciente, cuando aún la electrónica era anuncio de porvenir- es que ya decides directamente “la vida tiene que ser así”. Un inicio incoherente, un riff que es el que deben hacer los angelitos tristones en el cielo, una letra estúpida pero tan explosiva como lo pueda ser un balbuceo, explosiones gregorianas en el estribillo, un video que ya era rancio cuando se grabo.
Andy McCluskey y Paul Humphreys se encontraban en estado de gracia y supieron encontrar el esqueleto de la melancolía. Ese estado había surgido algunos años antes, rondando el 78, con puertas abiertas y todo por hacer en Liverpool. En el centro neurálgico y escueto del Eric’s Club –núcleo del mundo en su primer concierto- y en el garaje en que hacían sus propios sintetizadores. Había excitación, germen y abono a la vez de las explosiones pop, y esta excitación supuso por ejemplo que Tony Wilson y Factory Records publicasen Electricity y que Virgin, casi de inmediato, se hiciese con sus servicios y les fuese publicando lps. Fue por entonces cuando actuó el pope.
Recuerdo que antes de tener el lp compré el single. Eran unas ediciones que Ariola presentaba mucho más baratas que los singles al uso. El papel se arrugaba sólo con tocarlo y el vinilo también. Pero un marco estrellado anunciaba “100 pesetas”. Por 500 lo hubiera comprado igual, porque barruntaba que una canción, esa especialmente pero muchas más, me podía convertir en esto que soy ahora. Creo que no lo ha conseguido, lástima. La vida es demasiado imprecisa y sus golpes dejan demasiadas marcas como para no estragar la belleza. Y ahí no valen canciones.
Pero también estoy seguro de una cosa, quizás más importante. No soy lo que quise ser, es cierto, pero desde luego he evitado lo que no quise ser. Y creo que eso sí, definitivamente, lo han conseguido las canciones.
Autor: César Prieto

Más información: En castellano

Mp3: Souvenir

Youtube: El rancio video de la canción

38 - "Get me away from here, I'm dying", Belle and Sebastian

2009-01-18T17:05:00.007+01:00

álbum: If you’re feeling sinister
año: 1996
sello: Jeepster
"Said the hero in the story
'It is mightier than swords
I could kill you sure
But I could only make you cry with these words'"

No cabe duda de que Belle & Sebastian han sabido reinventarse inteligentemente con el tiempo, y sus últimos discos mantienen una notable dignidad, completamente disfrutable. Pero, seguramente, “If you’re feeling sinister” no se volverá a repetir. Con Stuart Murdoch cantando como los ángeles, con una delicadeza y una sensibilidad de la que siempre ha disfrutado, pero que aquí alcanza niveles excelsos, “Get me away from here I’m dying” es el tema que representa perfectamente porque hoy los escoceses son una de las bandas más importantes de los últimos 15 años. La letra de Murdoch presenta una mezcla de ironía, romanticismo y desencanto que da a la canción una increíble cantidad de niveles de lectura, según el estado de ánimo. Unas palabras, que como él bien escribe al final de la canción, pueden hacernos sonreir, pensar y son las únicas capaces de hacernos llorar. Y sobre todo, las melodías, los arreglos, todo funciona perfectamente en una canción que está interpretada como si fuera a quedarse en el cajón de los recuerdos (el disco entero está tocado con escobillas y eminentemente guitarras acústicas) y que finalmente ha acabado con un sitio de honor en el escaparate de la memoria.

Hay muchos que critican a Belle & Sebastian por blandos. Otros por ñoños. Otros simplemente por llevar la contraria. No importa. Las melodías, la sutilidad y las palabras están por encima de lo abrupto, lo impuesto por la fuerza, la misma violencia. O al menos eso quiero creer. Me gustaría pensar, con esa mezcla de ironía, ingenuidad y tristeza que destila Murdoch en este tema, que las palabras tienen una fuerza mil veces superior al de las “espadas”, los rifles, las bombas. Apostar por su abrasadora potencia capaz de despertar todos los sentimientos más arrolladoramente humanos (la mayor potencia que sin duda hay en el mundo), e incluso de acallar el más traicionero de todos: el miedo.

Sáquenme de este mundo. Que se pare. Yo también quiero irme de aquí. Que alguien diga algo.

Autor: Jesús Sáez

Más información: http://www.belleandsebastian.com/

Mp3: Get me away from here, I'm dying

Youtube: Video en directo (2006)

39 - "Pictures of Lily", The Who

2008-12-29T09:00:00.007+01:00

álbum: single con “Doctor, doctor”
año: 1967
sello: Polydor
"If only I'd been born in Lily's time
It would have been alright"

Viendo el video de la canción aquí incluido, y la cara de niño bueno de Roger Daltrey hace difícil imaginar lo que fueron The Who en su momento: uno de los grupos de rock con los directos más salvajes en los sesenta. The Who son parte de la historia del rock, pasando del movimiento mod y el rythm and blues a contribuir a dar forma a otros estilos como la psicodelia, el power pop, el brit pop o incluso el punk y la (ejem…) opera rock.

Aunque también es cierto que Daltrey era realmente el niño bueno de la banda en comparación con Pete Townsend y, sobretodo, Keith Moon. Keith no fue solo uno de los mejores baterías de la historia, sino que también representaba todos los estereotipos del sex, drugs & rock’n’roll, siendo su vida merecedora de una película que finalmente será realizada por Mike Myers (glups).

Volviendo a la canción, contiene una de las melodías más pop y adictivas compuestas por Townsend. Lily, de la que habla la letra, es una pin-up que aparece en unas fotos que un padre da a su hijo para “aliviar” sus noches y pueda dormir mejor. Desafortunadamente el chaval se enamora de Lily y pregunta a su padre donde encontrarla, volviendo a la cruda realidad al descubrir que Lily murió antes de que él naciera. La voz de Daltrey le da a la canción la dulzura y la inocencia de un niño (“Lily, Oh Lily”) mientras que la guitarra de Townsend, la batería de Moon y la trompa tocada por el bajista John Entwistle en el puente, le dan la fuerza que caracteriza a The Who. Es una pena que esta canción no fuese incluida en ningún disco del grupo, haciéndola menos conocida que otros de sus hits durante muchos años. Afortunadamente, las múltiples recopilaciones posteriores la pusieron en su lugar.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Pictures of Lily

Youtube: Video de la canción

40 - "Losing my religion", REM

2008-11-10T09:30:00.003+01:00

álbum: Out of Time
año: 1991
sello: Warner Bros
"That was just a dream"

¿Quien podría imaginar que aquel día en que Peter Buck se aburrió de su guitarra y decidió pasar un rato en el sofá tocando la mandolina se iba a convertir en uno de los momentos fundamentales de la historia del pop-rock alternativo, AOR y otros muchos géneros más?

¿Se imaginaría él que esa simple situación daría a luz a un punto de inflexión en la carrera de su grupo REM, que les haría perdurar para siempre y que les otorgaría el derecho a transitar por un camino de rosas para los restos?

La historia es caprichosa e igualmente así se muestra en la musica. Con Losing My Religion todos ganamos, nosotros tuvimos nuestro himno generacional que disfrutamos hasta la saciedad en garitos, bares y antros y los de Athens ganaron el cinturón de oro, el campeonato del mundo, el cetro del buen gusto para reinar a partir de ese momento el rock de la corriente principal.

REM, los campeones del mundo del dinosaur-rock. Y no sr. Stipe, esta vez no fue un sueño.

Autor: Verne

Más información: Myspace

Mp3: Losing my religion

Youtube: Video subtitulado

41 - "Stockholm Syndrome", Yo la tengo

2008-11-03T09:30:00.001+01:00

álbum: I can hear the heart beating as one
año: 1997
sello: Matador
"No, don't warn me
I know it's wrong, but I swear it won't take long
And I know, you know,
It makes me sigh; I do believe in love

Another season, but the same old feelings
Another reason could be
I'm tired of aching, summer's what you make it
But I'll believe what I want to believe"

I do believe in love. Una declaración de principios, de esas que con cierta frecuencia me ayudan a entender mis propios motivos, mis por qué. Se me ocurre que quizás una idea similar pudo llevar a los YLT a titular esta belleza como “Síndrome de Estocolmo”. Probablemente, más a menudo de lo que somos capaces de darnos cuenta, las relaciones afectivas funcionan de esta manera. Probablemente, si fuésemos capaces de darnos cuenta, esas relaciones dejarían de ser afectivas. El espacio para el corazón sería mucho más estrecho y cada canción no sería más que un conjunto de notas que acompañan bien o se dejan acompañar, por un conjunto de palabras. Es mucho más hermoso un mundo en el que nos dejamos secuestrar por los afectos, por los amores, por las emociones. Es mucho más hermoso creer en lo que queramos creer.
Autora: Rosa

Más información: http://www.yolatengo.com/

Mp3: Stockholm Syndrome

Youtube: En directo

42 - "20th Century boy", T-Rex

2008-10-25T23:12:00.007+02:00

álbum: 20th century boy (single, también en algunas ediciones de Tanx)
año: 1973
sello: EMI
"I move like a cat, charge like a ram
Sting like a bee, oh babe I wanna be your man"

Mi hermano está temblando como un flan. Intento decirle que no respire tan fuerte, pero en realidad me estoy oyendo a mí mismo. Esta oscura cocina industrial está llena de recipientes que tintinean al rimot del tiritar de nuestras manos. Hace frío e intento aguzar el oído para escuchar dónde están ahora los velocipoptores. Es terrible.

¿Cómo podía pensar hace 10 minutos cuando nos encontramos al primero de ellos que nuestra situación pasaría a ser tan terrible? Oscilaba lentamente mirándonos cariñosamente sumido en una especie de sueño letárgico. Pero era una simple treta. De repente, alzó sus garras y chilló para alertar al resto de la manada mientras se lanzaba a por nosotros. Desde la colina corrimos como locos hacia el restaurante y creímos estar a salvo tras cerrar las puertas a nuestra espalda.

Sólo un momento más tarde un escalofrío recorrió nuestra columna cuando vimos que la manija se balanzeaba al ritmo descompasado de unos arañazos chirriantes en el hierro. Nos giramos buscando una salida y sólo encontramos una puerta basculante con estúpidas inscripciones desfasadas. Tras ella, esta cocina y los armarios donde nos hemos escondido.

El corazón se nos desboca cuando desde la pequeña habitación que nos hemos construído oímos el batir de la puerta que acabamos de cruzar. Una, dos, tres veces. Hay tres velocipoptores caminando lenta, pero inexorablemente por los pasillos. Husmean el aire y se acercan al final de la cocina donde se vislumbra un congelador.

Mi hermano parece al borde de un colapso nervioso y le obligo a mirarme para hacerle entender que debemos huir de ahí. ¡A la de 3!, susurró mientras me imagino aterrada a las criaturas girándose hacia nosotros. Agradezco en mi interior el silencioso deslizar de las ruedas metálicas del armario. Alzo un dedo, un segundo y al tercero nos lanzamos por el pasillo como si no hubiera un mañana. Los velicipoptores intentan correr a por nosotros pero sus afiladas uñas resbalan en el suelo encerado de la cocina y eso nos da un pequeño margen como para alcanzar la puerta basculante mientras lanzamos cacharros de cocina a nuestro paso.

Al salir al exterior, cuando oímos lo que deseamos que sea un tropezón, el sol nos deslumbra, pero nunca nos había parecido tan bello. Ni siquiera en la playa. Pero la alegría es muy corta. Una lluvia de cristales nos indica que los tres velocipoptores también han salido. Ahora se relamen, casi sonríen saboreando nuestra tierna carne. Sólo me queda decirle a mi hermano cuánto le quiero. Y entonces...

Un rugido monstruoso corta el aire paralizando a nuestros cazadores. Oímos unos pesados pasos que acceden al claro donde estamos y todos podemos ver a un gigantesco tiranosaurio que nos mira desde la altura. Uno de los velocipoptores se lanza valientemente contra el nuevo enemigo que casi sin querer lo engancha entre sus fauces y lo agita fuertemente para romperle la columna con un fuerte chasquido que parece un grito. Tira el cádaver contra el suelo y rebota varias veces. Pom, pom, pom. El T-Rex no pierde el tiempo y ataca rápidamente a sus enemigos. Sus dientes afilados rasgan fácilmente la piel de los velocipoptores con un chirrido agudo de los que hacen brotar la sangre.

Sólo entonces se digna mirarnos. A pesar de que unas ramas parecen ocultar sus ojos, sabemos que pronto vendrá a por nosotros. Y lo estamos deseando.

Autor: Mic Crichton

Más información: En castellano

Mp3: 20th Century boy

Youtube: Sudoroso video de la canción

43 - "(What's so funny 'bout) Peace love & understanding?", Elvis Costello

2008-10-06T09:30:00.003+02:00

álbum: Armed Forces
año: 1979
sello: Columbia
"And each time I feel like this inside,
There's one thing I wanna know:
What's so funny 'bout peace love & understanding? Ohhhh
What's so funny 'bout peace love & understanding? "

Será por canciones de Elvis Costello. Pues hemos ido a elegir una que no compuso él. Lo hizo Nick Lowe en 1970, aunque la versión más famosa sea esta de la que hablo. Nick Lowe era, por cierto, el productor de Costello y los Attractions cuando se grabó.
Tiene aires de himno, de grito de rabia, pero uno no llega a saber si está llena de pesimismo o de optimismo invencible. ¿Qué tienen de raro la paz, el amor y la comprensión? En serio, ¿qué tienen de raro?. Eso se pregunta este señor de gafas, que por cierto se llama en realidad Declan Patrick MacManus (se comprende que eligiese otro nombre artístico), con una intensidad que emociona. Algo tendrán de raro, desde luego, cuando la cuestión sigue sin respuesta después de décadas preguntándolo con toda esa emoción que transmite la canción. Que además de gran compositor es un intérprete enorme. Pocos hay como él.

Decía al principio que esta es la versión más famosa. O quizá la segunda, después de la que Bill Murray le canta a Scarlett Johanson en Lost in Translation. También muy intensa... a su manera.

Autor: Ángel

Más información: Página oficial

Mp3: (What's so funny 'bout) Peace love & understanding?

Youtube: Video en directo (2006)

44 - "Strawberry fields forever", The Beatles

2008-09-29T09:30:00.001+02:00

álbum: Magical Mistery Tour*
año: 1967
sello: Parlophone
"Let me take you down, 'cause I'm going to Strawberry Fields.
Nothing is real and nothing to get hung about.
Strawberry Fields forever."

*(Fue editado como doble cara A, junto con “Penny Lane”, pensado como un single independiente, aunque posteriormente fue incluida en el “Magical Mistery Tour”)
Sé que mucha gente (incluso en la lista origen de este Top) se escandaliza por lo que voy a decir, pero lo pienso: los Beatles están sobrevalorados. No voy a negar su importancia en la historia del Pop (muchísima). No voy a negar la tremenda influencia en miles de otros compositores y grupos. Y es imposible no caer rendido ante alguna (bueno, vale, muchas) de sus canciones. “Strawberry Fields” es una de ellas.

Los primeros segundos de la canción, con ese sonido de melotrón, entran directamente en la historia de la música junto con el inicio de la melodía (“Let me take you down/ Cause I’m going to…”) cantado por la voz doblada de Lennon. Merece la pena sentarse a escuchar la canción atentamente. Recrearse en esos cellos, trompetas, maracas, sonidos reproducidos al revés… todos esos retazos que componen la canción y que buscaban recrear la sensación que producía el LSD, tan idolatrado por los músicos en aquella época, terminando el “viaje” con un fragmento de caos y psicodelia.

Hasta aquí estamos de acuerdo. Pero aún reconociendo la importancia del grupo de Liverpool, es necesario subrayar la importancia de otros artistas que también contribuyeron de manera definitiva al desarrollo de la música pop, y que no reciben la unánime aclamación que reciben los Beatles. Brian Wilson y sus Beach Boys con “Pet Sounds”, The Zombies con su “Odissey and Oracle”, Arthur Lee y Love con “Forever Changes”, hicieron discos más perfectos y redondos que cualquiera de los Beatles, discos en los cuales cada segundo de música encaja perfectamente con el resto.

Su importancia para la música Pop como hoy la conocemos es indiscutible, así como la de The Byrds, The Hollies, The Kinks u otros más desconocidos como Sagittarius con su “Present Tense”. Y no estoy negando la importancia de los Beatles. De hecho, pienso que “Rubber Soul” y “Revolver” son dos discos increíbles, casi perfectos, y que incluso los artistas que aquí menciono, han sido muy influenciados por The Beatles (y viceversa, en algunos casos). Simplemente reivindico más reconocimiento para otros grandes grupos que no obtienen las infinitas alabanzas que siempre se rinden a John, Paul, George y, en menor medida, al simpático Ringo. Todo esto es una opinión personal, y habrá muchos que argumenten que esos grupos que menciono sí han tenido el reconocimiento merecido. Puede que lo hayan tenido a nivel de críticos y expertos, pero no a nivel del gran público (aunque bueno, ahora que lo pienso, ¿es importante lo que opine el gran público?). Además, ellos son culpables de la introducción en la música Pop del sitar. Y eso no se lo perdono…

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Strawberry fields forever

Youtube: Video de la canción

45 - "Sweet Jane", The Velvet Underground

2008-09-25T09:30:00.003+02:00

álbum: Loaded
año: 1970
sello: Warner Records
"Heavenly wine and roses
Seems to whisper to her when he smiles"

Jack se pone corsé. Jane viste chaleco. La década acaba de cambiar. Lou Reed es el líder absoluto de la Velvet Underground (los fans de verdad llamamos a esta vaginal banda en femenino). Sucesivamente, se había deshecho de otros genios como John Cale, Nico o el mismo Andy Warhol que, aunque en diferentes aspectos aportaban grandes dosis de magia a VU, también rivalizaban con el gran ego del tío de las gafas de sol.

Se acaba de terminar la década del amor y las flores, y empieza la década del cuero y las drogas. Drogas duras, que era lo que se consumía entonces. Veo historias corriendo paralelas a la canción. Historias de gente con dobles vidas. Una vida vacía por la noche y otra vida vacía por el día. Y lo único que les hace seguir adelante es la música. La música que escuchan por la radio, como esta “Sweet Jane” que aún hoy, cuando ya hace muchos años que el youtube mató a la estrella de la radio, se puede llegar a escuchar en algunas emisoras.

La Velvet Underground cambió el mundo del rock. Y volvió a colocar la efervescente escena neoyorkina en el mapa. Tenían “what it takes”: actitud, virtuosismo, ganas de experimentar, espíritu libre, genialidad… y por si todo esto fuera poco, tenían un mecenas. Andy Warhol decidió apadrinarlos y durante un tiempo fueron lo más en las fiestas del Village. Encima les endilgó como vocalista una guapa modelo alemana, que daba el toque sofisticado a la banda. Todo ello, junto a las espectaculares proyecciones estroboscópicas con que Warhol acentuaba la puesta en escena del combo neoyorkino, lograron que el primer disco (el del plátano) fuese muy esperado por la crítica. Por la crítica especializada. Por la crítica muy especializada. De hecho, el disco pasó bastante de puntillas por el radio play y sólo años después se le empezó a reivindicar en sucesivas oleadas. Ahora viene a cuento aquella frase que dice que “Velvet Underground & Nico” fue comprado en su primera edición sólo por 1000 personas, pero que todas ellas, una vez escuchado el disco, montaron un grupo. Me molan estas frases maximalistas de difícil demostración, qué le voy a hacer.

Vinieron después tiempos más o menos convulsos y cuando Lou Reed se quedó como líder omnímodo de la VU empezó a demostrar que también sabía componer canciones clásicas de buen rock’n’roll, como la que nos ocupa. De hecho, el mohíno señor Reed es un compositor prolífico en clásicos. Gusta también, y en eso hay gente que no está de acuerdo con él, de modificar sus canciones a lo largo de los años. En el caso que nos ocupa la ha cambiado para mejor varias veces (para mi la mejor es la que salía en el directo “Rock’n’roll animal”), incluso, según cuentan, cambiando los acordes y las claves en que la toca. Es lo que tienen los genios.

Autor: Pedro Blasco

Más información: The Velvet Underground en castellano

Mp3: Sweet Jane

Youtube: The Velvet Underground interpreta en directo “Sweet Jane”

46 - "Ever fallen in love", The Buzzcocks

2008-09-22T09:30:00.001+02:00

álbum: Ever fallen in love… (with someone you shouln’t’ve)?
año: 1978
sello: Commplete Music
"Ever fallen in love
In love with someone
You shouldn't've fallen in love with"

No os lo vais a creer, pero hace apenas dos o tres años que conozco esta canción. Yo, que soy fan desde 3º de B.U.P. (¡qué antiguo eres!) de The Jam, The Clash, The Undertones, y de cualquier grupo británico de finales de los setenta que empezara por The.

En realidad ya conocía a los Buzzcocks desde hacía bastante tiempo por un álbum que tenía por ahí, pero mi pésimo criterio dictó por aquel entonces que no le llegaba a la suela de los zapatos a un “All mod cons” o a un “Never mind the bollocks”. Ni tan siquiera a un “Sandinista”, supuesta mancha negra en la discografía de los Clash (opinión que no comparto, por cierto). Así que dejé al grupo en el olvido durante un buen puñado de años, a pesar de que mucha gente me decía que me iban a encantar, que habían tocado de teloneros en el mítico concierto de los Sex Pistols en Manchester y bla bla bla.

Pero la casualidad quiso que me tropezara a buen precio con el maravilloso recopilatorio “Singles Going Steady”, así que decidí darles una oportunidad. Y vaya oportunidad, todas las canciones me atraparon, pero especialmente “Ever fallen in love”, ese trallazo de dos minutos y poco, con ese inicio de guitarras demoledor, esa voz tan sugerente y, sobre todo, ese estribillo tan pegadizo. No sé la de veces seguidas que me puse esta canción, como en aquella gran época de descubrimientos musicales en la que las melodías iban directas a la vena. Desde entonces me vuelvo loco cada vez que la escucho.

Por cierto, hace poco me volví a poner el disco de los Buzzcocks que tanto tiempo ignoré, y para mi sorpresa llevaba un montón de canciones que también aparecían en el “Singles Going Steady”. Ya ves, a veces los discos esperan pacientemente años y años criando polvo en tu estantería hasta que un buen día los rescatas. Ingratos que somos.

Autor: Jorge Royo

Más información: Página oficial

Mp3: Ever fallen in love

Youtube: Hace más de 30 años...

47 - "Goddess on a highway", Mercury Rev

2008-09-15T09:30:00.002+02:00

álbum: Deserter's songs
año: 1998
sello: V2 Records
"and I know it ain't gonna last"

Cuando una relación es explosiva lo normal es que no dure mucho. Pongámonos en situación: un coche a toda velocidad por la autopista llega antes al destino pero no disfruta del paisaje, de los pequeños detalles que hacen que un viaje te llegue al corazón. Pues eso es lo que nos cuentan Mercury Rev en esta canción. La pasión desatada puede hacer secar el río demasiado pronto y que una relación termine precipitadamente.

De todas formas esta es mi interpretación de lo que cuenta la letra, igual me equivoco (casi seguro después de ver el video de la canción) pero al menos a mí me gusta imaginarlo así. Además en lo musical la sensación pasional se ve perfectamente reflejada en ese momento monumental cuando entra la instrumentación al completo con el órgano retorciéndote las entrañas. Por lo demás, la canción está llena de sutilezas (ese tecladito sonando a campanilla cuando canta "Far above the ocean, deep under the sea there's a river running dry because of you and me").

En definitiva, no está mal ser de vez en cuando un fitipaldi en un momento puntual de la vida aunque yo personalmente siempre preferiré vivir las relaciones en un seiscientos para no perder detalle.

Autor: Jose

Más información: Página oficial

Mp3: Goddess on a highway

Youtube: Video de la canción

48 - "Man on the moon", R.E.M.

2008-09-09T12:42:00.005+02:00

álbum: Automatic for the people
año: 1992
sello: Warner Bros
"If you believed they put a man on the moon, man on the moon.
If you believe there's nothing up his sleeve, then nothing is cool."

El otro día paseba con mi hijo y me preguntó dónde estaban los ojos de la luna. Me fijé en ella y vi que estaba en cuarto creciente así que le tuve que contestar que estaban escondidos. "¿Y la boca?", insistió. "También", volví a contestarle. No estoy seguro de que se quedara muy satisfecho, pero me hizo pensar en cuántas personas habrán visto la cara de la luna.

Porque la luna tiene una cara. Porque hay un hombre en la luna. Probablemente se pasea por allí mientras se busca pelos en la palma de la mano. Que, como todo el mundo sabe, es signo de locura. Encontrarlos. Y puede que buscarlos también.

Este hombre llegó allí desde Caspiar para imitar a todos los selenitas famosos. El mejor, Elvis. Que vive allí, delgado para siempre en un burdel del Mar de la Tranquilidad. Allí, cuando acaban los campeonatos de lucha libre mixta, sube al escenario para cantar junto al mítico Tony Clifton mientras la abuela de ambos come galletas en una esquina.

Una vez al mes dejan entrar al burdel, que se llama Jerry's Famous Deli, a luchadores y cantantes que se consideran profesionales. La última vez, Jerry Lawler y Andy Kaufman acabaron derrotando al dúo formado por Batista y Rey Misterio. Fue asombroso comprobar que debajo de la máscara del segundo estuviese Jack Black. En ese mismo instante, Jack White intentaba recordar cómo se hacía buena música en el escenario mientras veía a un grupo liderado por un calvo cantar una canción sobre un hombre en la luna.

Autor: Mic Carrey

Más información: Página oficial

Mp3: Man on the moon

Youtube: Descriptivo video de la canción.

49 - "Wouldn't it be nice", The Beach Boys

2008-08-26T21:19:00.009+02:00

álbum: Pet Sounds
año: 1966
sello: Capitol Records
"¿No sería estupendo/
/Si pudieramos despertarnos/
/Por la mañana cuando el día es nuevo/
/Y después de eso pasar el día juntos/
/Abrazándonos fuerte durante toda la noche?"

La canción que abre el para muchos mejor disco de la historia del Pop. Y también la, quizá, más optimista del mismo. La puerta de entrada al Pet Sound. Carne de Top100 de VS. Una canción para susurrársela a tu persona amada y proponerle iniciar un viaje vital juntos. Brian Wilson en su plenitud compositora y creativa. Una obra maestra.

El “Pet Sound” está lleno de canciones de temática muy introspectiva. El álbum es básicamente un Brian Wilson que empezaba a romper el cascarón de sus limitaciones psicológicas, tendencia a dejarse manipular por aprovechados de turno (su padre, Mike Love, años después el Dr. Landy…) y una timidez crónica que le impedía llegar al siguiente nivel creativo. Es Brian confesando sus sentimientos delante de un piano y dándoles forma de notas. De hecho, con este disco el genio de Hawthorne inauguró una nueva de composición: componer retazos de canciones, fragmentos musicales que llamó (precisamente) “feels”. Luego Brian y Toni Asher, su mano derecha y héroe olvidado de la producción de este disco, le darían forma de partitura en largas sesiones productivas. El resto de los Beach Boys no fueron más que los “mensajeros” de Brian, como reconoció Dennis Wilson.

Así, “Pet Sounds” está lleno de hermosas canciones que nos remiten a instropecciones de aquel Brian: sentimiento de no pertenecer a la sociedad en la que vives (“I Just Wasn’t Made For This Times”), Cínicos cantos al desamor (“Here Today”), instrumentales escapistas (“Let’s Go Hawai For A While” y la que da título al disco), temas que remiten a un deseo por acurrucarse en el apoyo y regazo de la persona amada para refugiarse del resto del mundo (“You Still Believe In Me” y “Don’t Talk (Put Your Head In My Shoulder”) o incluso de la primera consciencia del paso del tiempo a )los veintitantos al descubrir el cambio en un amor adolescente (“Carolina No”) y de los escarceos con las drogas que inspirarían tantas obras maestras de los 60 (la polémica “Hang On To Your Ego”, censurada por la presión de Mike Love y transformada en “I Know There’s An Answer”).

Sin embargo, “Wouldn’t It Be Nice” nos regala un inicio alegre del disco, avisando de lo que iba a llegar si dejabas el disco rular hasta el final: las hermosas melodías vocales de los Beach Boys apoyadas por el “Wall of Sound” creado por la pléyade de músicos de estudio que Brian reunió para la ocasión, los cuales se involucraron en la grabación de “Pet Sounds” más allá de sus obligaciones profesionales en sesiones maratonianas hasta la madrugada (allí no quería irse nadie). Por su temática optimista, de proponer a la persona amada el paso de vivir juntos y casarse, “Wouldn’t it be nice?” está directamente emparentada con otra canción del disco muy celebrada por los aficionados décadas después: God Only Knows.

Hay gente que ha utilizado “God Only Knows” como música inaugural de su boda. Pero, ¿no os parece que Wouldn’t It Be Nice es la canción ideal para declararse?

Autor: Dani Simón

Más información: Página oficial

Mp3: Wouldn't it be nice

Youtube: Video original de la canción

50 - "If you need someone", The Field Mice

2008-08-19T10:00:00.001+02:00

álbum: The Autumn Store Pt. 1
año: 1989
sello: Sarah Records
Imposible escoger una única frase

Siempre lo he dicho, si tuviese que elegir a alguien para que me escribiese una canción para una chica, o bien para una exnovia, elegiría a Bob Wratten.

Él, junto a Michael Hiscock, fundaron The Field Mice, grupo de referencia del exquisito sello discográfico Sarah Records. A los dos ya mencionados, luego se unieron Mark Dobson, Anemari Davies y Harvey Williams. Tras su debut con el maravillos single “Emma’s house”, el grupo entregó durante sus 3 años de vida alguna de las más maravillosas canciones que el abajo firmante haya escuchado. Y entre todas ellas, quizás la más destacada (ahí ahí está Sensitive, también parte de este top100) sea If you need someone, una de las más bonitas declaraciones de amor. Es imposible extraer una frase de la canción, porque toda ella es perfecta, toda una descripción de sentimientos. Y si a la letra le unimos la voz de Bob Wratten, tan cálida, tan cercana, haciéndonos parte de la canción, haciéndonos sentir lo que él siente, nos encontramos ante una MARAVILLA, así, con mayúsculas.

Si algún día me caso, no habrá votos matrimoniales, no habrá lecturas evangélicas, no habrá artículos de la Constitución, tan sólo haría sonar esta canción:

If you need someone
to hold you
when you are afraid
I’ll hold you

If you need someone
to make you
happy when you're sad
I’ll try to

If you need someone
to tell you
everything
is gonna be all right
I can do that
I can do that

If you need someone
to make you
feel safer than safe
I’ll try to

If you need someone
to comfort you
when tears fall down your face
I’ll do what I can

If you need someone
to make you
feel any danger
is far away
I’ll do what
I can
I can

If you need someone
to tell you
everything
is gonna be allright
I can do that
I can do that
I can..

Creo que no haría falta decir nada más, ¿no?

Autor: Meru

Más información:

Mp3: If you need someone

Youtube: Versión amateur con ukelele.

51 - "Everyday is like Sunday", Morrisey

2008-08-11T09:00:00.004+02:00

álbum: Viva Hate
año: 1988
sello: HMV
"Everyday is like Sunday, everyday is silent and grey"

Dos sentimientos me invaden al pensar en esta canción. Por un lado, es mi canción favorita de Morrissey (temas de los Smiths incluídos), capaz de ponerme la carne de gallina todas y cada una de las veces que la escucho. Por otro lado, es mi gran cuenta pendiente con el de Manchester (pronúnciese con acento de la zona: Manchestá); las veces que le he visto en directo, nunca la ha cantado. Así que me debes una, Mozz!

En 1988, justo después de la disolución de The Smiths, Morrissey publica su primer trabajo en solitario: Viva Hate, en el que mantiene el estilo de su anterior grupo.

El álbum contiene algunas de las mejores composiciones del titular, pero una canción destaca por encima de todas: Everyday is like Sunday, donde la voz de Mozz llega a conmover. Tema bastante depresivo que según dicen está inspirada en la ciudad turística de Mablethorpe, que con el pasar del tiempo quedó estancada y sin movimiento, incluso en temporada alta. Las referencias a Mablethorpe en la canción son notorias… “This is the coastal town that they forgot to bomb…” alude al hecho de que durante la segunda guerra mundial Mablethorpe fué la única ciudad costera del este de Inglaterra que no fue bombardeada. Aún así, son muchas las interpretaciones que se pueden dar a la canción, con ese ambiente triste, ese aire de melancolía y esa desazón que provocan en mucha gente los tristes y solitarios domingos..

Escondido en la rambla escribí una postal…
… cómo desearía tanto no estar en este lugar,
en la única ciudad del este
que olvidaron bombardear…
viene, viene, viene la bomba nuclear…

Pareciera que todos los días son como el domingo,
todos los días son silenciosos y grises.

Morrissey, me la debes!!!!!!!!

Autor: Meru

Más información:

Mp3: Everyday is like Sunday

Youtube: Video de la canción

52 - "I wanna be adored", The Stone Roses

2008-08-06T09:00:00.003+02:00

álbum: The Stone Roses
año: 1989
sello: Silverstone
"I don’t have to sell my soul, he’s already in me now"

I wanna be adored es la atmosférica canción que abre el maravilloso primer disco de los mancunianos The Stone Roses. En ella se reconocen perfectamente los tres pilares en los que se basaba el sonido de la banda: la peculiar voz de Ian Brown, las reconocibles líneas de bajo de Mani y el sonido de la guitarra de John Squire. Con esta formación nos regalaron uno de los discos imprescindibles de los 90 (aunque sea del 89) y se convirtió en todo un hito para una generación, mi generación. Después llegaría el incomprendido Second coming (1994), la desastrosa actuación en el Festival de Benicassim y la disolución del grupo. Las carreras en solitario de Ian Brown y John Squire no alcanzarían ni de lejos el brillo de sus dos primeros discos (veis aquel punto brillante allá a lo lejos?es mi talento…) y Mani se unió a la formación de Primal Scream (otros que tal bailan..)

La canción es totalmente hipnótica, una especie de mantra que evoluciona desde un lento cabeceo inicial a una explosión final, al grito de “I wanna, I wanna, I wanna be adored….”.

Siempre recordaré el escuchar esta canción en la añorada Sala Maravillas de Madrid, cuando la pista de baile se volvía literalmente loca, los primeros compases del bajo de Mani eran recibidos con auténticos aullidos, y la gente acababa saltando y gritando, y es que, en el fondo, todos queremos ser adorados…

Autor: Meru

Más información: Página oficial http://www.thestoneroses.co.uk

Mp3: I wanna be adored

Youtube: En directo en La Hacienda

53 - "Sugar baby love", The Rubettes

2008-08-02T10:00:00.004+02:00

álbum: Sugar Baby Love/You Could Have Told Me
año: 1974
sello: Polydor
"People... take my advice:
“If you love someone,
don't think twice”."

No suele fallar. Pueden ser sesiones aburridas y escasas o sesiones en que la pista revienta de poderío, pero siempre que pincho el Sugar Baby Love algo pasa, algo que no sé trasmitir muy bien pero que estoy seguro de que es importante. Suelo recibir con una sonrisa a quien viene a preguntar qué canción es esa. Siempre viene uno por lo menos. Se les reconoce a la legua ¡Dios de mi vida! ¡El Sugar Baby Love! ¿Qué puñetera magia tendrá esta canción para que coincida exactamente con las pulsiones de una noche de fiesta?

El falsete que la abre, cortesía de Paul Da Vinci, es antológico en la historia del rock y en mi historia personal. Acuda el lector a mi reseña sobre Anduriña en el blog hermano, leerá las circunstancias y conocerá que tuve un puñado de cintas de cassette en el propio 74 con esta canción. Provenían de Alemania -las cintas, digo- y dudo mucho que aquí se hiciera una promoción mínimamente digna. Quizás alguna actuación en la tele. Y esas cintas pasaban y repasaban una y otra vez por los rodillos de arrastre. Y dejaban entrever un magnetismo que a un niño de diez años le ha durado treinta más y que observa complacido en gente que no había escuchado nunca la canción.

Los primeros setenta, años de flores mustias y semillas esperanzadoras. Bubblegum-folk, cantautores, hard rock, psicodelia en declive, proclamas souleras, Canterbury y miles de estéticas. Todas abiertas, todas con naftalina y frescura a la vez. Hasta que llego el punk, excepto lo potenciado por la industria todo era deliciosamente amateur e ilusionado, ingenuo y abrumadoramente fallido. Mucho más que las canciones que se nos vendieron después.

Y el glam, claro, la estética que se dio cuenta de que lo verdadero era la apariencia. Y si en algún movimiento hubiera que asimilar a los Rubettes, sería en esto que aquí se llamó gay-rock desde el libro de Haro Ibars. Quizás a una corriente que potenciaba –como otros lo macarra, lo galáctico o lo melodramático- la actitud de los inicios del rock’n’roll. Solistas como Barry Blue o Alvin Stardust Grupos como Showaddywaddy, parte de los Bay City Rollers o nuestros Rubettes.

Pero vayamos por partes ¿de donde salió esta sublime y a la vez ingenua proclama trasnochada y highschoolera? Pues de la mente de un tío importante en la música de los 60 e indirectamente, déjenme decirlo, de los Beatles. Da miedo pensar que hasta el 77 cualquier grupo de Liverpool que se preciara había empezado en los Beatles. Por caminos insospechados, pero todos acababan siendo parte del cuarteto.

Bien, el caso es que el punto de conexión se llamaba Wayne Bickerton. Recuerden este nombre. Wayne Bickerton. Miembro de grupos de sexta fila dentro del Merseybeat, comparte grupo con Klaus Voorman y acaba formando parte de la banda que con la que Pete Best pretendía usar su tirón como ex –ambos definitivamente ligados a los Beatles- para hacer historia en la música. No lo consiguió, ni creo que esté a tiempo tras casi cincuenta años de carrera. Aunque actuar, sigue actuando. El caso es que, tras largarse al servicio social en 1966 sus dos compañeros se convirtieron en dos compositores de éxito. Wayne y Tony Waddington.

Éxito que llega también a España y también por caminos enrevesados. En 1968, la Columbia española decide dar el todo por el todo y envía a cuatro chavales que parecían tener prestancia para ser el sustituto natural de los Brincos o los Bravos a grabar a los estudios de la Decca en Londres. Era un dinero, eh. Y allí los Íberos, que de ellos se trata, graban bajo la producción de nuestros dos hombres una de sus composiciones, el Summertime girl. Cosa fina, pero sin repercusión más que en la sanción, muy posterior, de que se trataba del mejor grupo de sunshine pop en la península. Es curioso que dos canciones tan diferentes –y tan grandes- estén compuestas por la misma pareja.

Porque resulta que cinco años después ya encontramos a Bickerton, tras decenas de producciones, como jefazo de la Polydor. Y músico como sigue siendo, no deja de componer canciones. Así que el otoño de 1973 recluta a un puñado de instrumentistas y cantantes para que graben unas cancioncillas con objeto de ofrecerlas a los grupos del sello. Se reúnen en los estudios Landsdown de Holland Park y de allí surgen tres canciones que con el tiempo serán parte fundamental del pop de los setenta. Sobre todo una de ellas encandila a los otros directivos de la Polydor. Y se decide que sean los propios músicos de sesión los que probasen a editarla. Y así nacen Los Rubettes.

¿Grupo prefabricado? ¿Músicos de sesión reconvertidos? Pues sí, es cierto, pero no entiendo qué diferencia hay entre la ligazón de un líder o la de unos productores. Si al final, uno de los tópicos más detestable pero más cierto, lo que importa son las canciones. Y a ello se dedicaron John Richardson –el batería encargado de reclutar el resto del grupo entre sus amigos- , el guitarrista Tony Thorpe, el bajista Mick Clarke y el pianista Bill Hurd.

Otro teclista, Peter Arneses, y el vocalista, Paul da Vinci, eran músicos de estudio contratados. Este último fue el artífice de los gorgoritos originales, pero no llegó a formar parte del grupo. Cuando la canción tomaba altura como globo en huracán, decidió abandonar con la excusa de que no era hombre de grupo y que buscaría un futuro en solitario ¿cómo le fue? Pues no del todo bien, algún éxito menor, escenarios de barraca de feria y poco más. Así que Richardson busco a otro de sus amigos y así fue como tomó Allan Williams el micrófono. El último de los originales.

Y así es como se edita la canción. Montones de países la acogieron como número uno y llegó a editarse en voz de un francés llamado Dave que hasta construyó una versión en castellano. Entonces lo normal era tomar las bases de la canción y embutirla en versiones macarrónicas. Hoy se hace de tanto en tanto, el Girlfriend de Avril Lavigne, por ejemplo tiene una curiosa mezcla en nuestra lengua. Por cierto, en España sólo llegó a estar en un segundo puesto tapada por la no menos deliciosa Rock your baby de George McRae.

Tras ello Tonight y Juke Box Jive, otras de las dos canciones de esa sesión. A comienzos de 1975 Arnesen deja la banda. Casi al mismo tiempo Bickerton y Waddington deciden fundar su propio sello, State Records, y el primer fichaje son, como no, Los Rubettes. Allí editan su cuarto single y el último de cierta resonancia, I can do it. Y aquí paramos la historia que se ramifica en giros country, proyectos en solitario, discografía tortuosa, cambios y recambios y treinta años más de mayor o menor actividad. Desmesurado contenido quizás hemos expuesto, pero necesario para engarzar la joya que les abrió el camino.

¿Y cómo es esa joya? Pues escúchenla o recuérdenla y ustedes mismos se darán cuenta. Obsesiva y enganchosa, concentrada en el ritmo bailable de los coros, pero a la vez enormemente melódica. De hecho, se puede bailar perfectamente en la sesión de lentas y poco más tarde en el desbarre final. La melancolía de una letra sencilla entre decenas de trucos adolescentes. Ni más ni menos que un trozo de high school –el género, no el musical- ajeno al tiempo. Tres minutos y medio justos de pura sopa teenager. No iba a desentonar en American Grafitti.

Estaban algo avejentados, eso es cierto. Músicos curtidos que quizás se ajustasen más a los tempos recios y duros de sus singles posteriores. Además, tocaban hechos un pincel, lo cual les da un distinguido aspecto extravagante que rompe un poco la magia de una canción a la que cuesta asociar rostro. Sus pantalones elegantemente acampanados, sus gorras entre chulescas y deportivas, su uniformidad en los pasos y las americanas. Casi parecen un mal remedo de una canción que sólo parece ser efectiva en sueños.

Lo curioso del caso es que el grupo en primera instancia podría parecer descartado por hortera entre quienes tengan ahora el privilegio de la modernidad y entre quienes miren el pop desde la inteligencia. Y sin embargo son extrañamente adorados por músicos a los que se les puede acusar de todo menos de falta de honradez, de discernimiento y de criterio. He visto como José de TCR, Miguel de los Fresones Rebeldes o Alfonso de Terry IV casi hacían altar de sus escasos videos y de sus discos de vinilo. Tanta unanimidad sólo se puede explicar de una manera. Los Rubettes dieron, al fin y al cabo, con la canción pop perfecta.

Autor: César Prieto

Más información: http://www.rubettissimo.com/

Mp3: Sugar baby love

Youtube: El video más petardo de la canción

54 - "This charming man", The Smiths

2008-07-30T07:42:00.006+02:00

álbum: The smiths
año: 1984
sello: Rough trade
"Will nature make a man of me yet?"

Hecho probado número 1: The smiths son uno de los grupos cuyo repertorio contiene un mayor número de canciones enormes, impresionantes, míticas, impepinables, redondas, perfectas.

Hecho probado número 2: The smiths se han convertido en una religión, que puede provocar que cuando 24 años después, más de 20 años tras su disolución, su cantante, Morrisey, con una carrera en solitario más que discreta, arroja una camisa sudada al público enfervorecido, éste se enzarce en una cruel pelea por conseguir un trozo de la misma. Todas esas canciones perfectas han tenido, por supuesto, algo que ver en la generación de este tipo de reacciones, pero no son ni mucho menos su principal causa.

Hecho probado número 3: aún no ha salido en este top 100 ninguna otra canción de The smiths, por lo que a juicio de sus autores “This charming man” NO es la mejor canción del grupo (sí, saldrán otras, no lo dudeis).

Hecho probado número 4: “This charming man” salió en single en Octubre de 1983, siendo el segundo single del grupo tras “Hand in glove”, y luego sería incluida en el primer disco del grupo.

Hecho probado número 5: en esta canción se juntan, como en cualquiera de su primer disco un maravilloso e inconfundible riff de Johnny Marr y una extravagante, indescifrable e inconfundible letra de S.P. Morrisey (no, no es Servicio Público, pero con estas canciones podría serlo perfectamente). ¿De qué habla? De ponerse guapo para salir y de acabar follando en el asiento del acompañante. Pero lo explica Morrisey, y cuando Morrisey explica algo todos somos él y todos nos sentimos igual de miserables, igual de desplazados, igual de tristes, igual de encantadores, igual de furiosos.

Veredicto: escuchados los hechos se considera probado que los acusados Morrisey/Marr han perpetrado decenas de canciones perfectas y se les considera culpables de cambiar la vida de cientos de miles de personas. Se les condena a quemar todas las portadas con la foto de Joe D’Alessandro y a sudar 80 millones de camisas, una para cada fan irredento. La sentencia es firme y ante ella no cabe recurso alguno. Se cierra la sesión.

Autor: Xurxo Benavente

Más información: Por todas partes (bueno, por lo estructurado y completo, me permito recomendar la web http://www.askmeaskmeaskme.com/)

Mp3: This charming man

Youtube: Video de la canción

55 - "C is the heavenly option", Heavenly

2008-07-04T23:29:00.030+02:00

álbum: Le Jardin de Heavenly
año: 1992
sello: Sarah Records
"A million reasons for wanting to carry on living to achieve

A million things I am unlikely ever to carry out

But I like the make-believe"

Hopefulness to Helplessness (Marine Research)

Recuerdo perfectamente cuando vi el cartel del FIB 96. De entre todos los grupos que aparecían allí, entre The Jesus and Mary Chain y The Bluetones (presentando el nunca suficientemente valorado “Expecting to fly”), entre Lush y Stereolab, e incluso, al lado de The Stone Roses (obviamente, aún no sabía la que nos esperaba en ese concierto, ya sin John Squire), había un grupo que resaltaba entre todos para mí corazón indie pop de la época: Heavenly.

Tras la desaparición de uno de los mejores grupos del C-86, Talula Gosh, varios de los miembros de este grupo deciden formar Heavenly. Amelia Fletcher, su hermano Mathew, Peter y Rob (a los que más tarde se uniría Cathy) lanzan su primer single en Sarah Records. El sello de Bristol fue su casa durante muchos años, aunque terminaron su carrera en K records. Precisamente, esta canción está cantada a dúo por Amelia y Calvin Johnson, jefe de K. El contraste de la angelical voz de Amelia con el tono grave de Calvin, puede llamar la atención al principio. Pero al final la canción tiene ese encanto especial de las canciones de Heavenly que te atrapa. Melodías twee pop, toques punk, letras divertidas o ácidas, guitarras alegres… todo eso está contenido en las canciones de Heavenly.

Pero ese mismo verano, cuando ya tenía todo preparado para ir a Benicassim a saltar con esas canciones, la tragedia les golpeó cruelmente. Mathew, el hermano de Amelia y batería del grupo, decidió acabar con su vida. Cómo alguien relacionado con un grupo que representaba como nadie la alegría de vivir había llegado a esa situación, es algo que no pude entender. En ese momento, deciden terminar con Heavenly, pero resucitan tiempo después bajo el nombre de Marine Research.

Han pasado muchos años, y supongo que ahora soy más consciente que la música en general y el pop en particular es grande por eso. La música nos ayuda a evadirnos del mundo real, nos proporciona momentos de alegría o euforia, pero el mundo real sigue ahí. Y en situaciones como esa, como la pérdida de un hermano, te das cuenta de que hay muchas cosas por las que merece la pena seguir adelante.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Una página extra oficial http://www.neohyper.com/heavenly/heav.htm

Mp3: C is the heavenly option

Youtube: No hay video de esta canción. Ponemos otra joya, “Our love is heavenly”

56 - "Das Modell", Kraftwerk

2008-04-29T22:05:00.007+02:00

álbum: Die Mensch Maschine (también salió en inglés con el título The Man Machine)
año: 1978
sello: Kling Klang / EMI
"Sie ist ein Modell und sie sieht gut aus
Ich nehme sie heut' gerne mit zu mir nach Haus
Sie wirkt so kuehl, and sie kommt niemand 'ran
Doch vor der Kamera da zeigt sie was sie kann"

Kraftwerk o los deliciosos contrastes. Un grupo que conjuga a la perfección conceptos que aparentemente son contrarios. Porque, ¿cómo se puede conjugar tecnología y sensibilidad? ¿Progreso y decadencia? ¿Provocación e ingenuidad? ¿Qué otro grupo puede presumir de ser tan influyente siendo tan autocrático?

La Central de Energía acabó con las ideas (que aún conservan algunos) de que lo sintético no puede transmitir emociones. Esta célula de francotiradores estajanovistas se empeñó y consiguió demostrar que las máquinas no siempre tienen que sonar frías. Y en esta canción dan en el puto centro de la diana pop.

Kraftwerk no es sólo un grupo de música, es un concepto en sí mismo: con cada trabajo discográfico que entregaban aportaban una imaginería, una idea central, una coreografía, incluso un vestuario… Así fue, al menos, en el corpus central de su obra, aquella que va desde “Autobahn” (1974), “Radio-Activity” (1975), “Trans Europe Express” (1977), “The Man Machine” (1978), “Computer world” (1981) y “Electric Café” (1986). ¡Vaya colección de discazos puestos en fila!

Sólo por estos seis discos ya hay quien afirma que Kraftwerk son tan influyentes para la música popular de finales del siglo XX y principios del XXI como los mismísimos Beatles. No seré yo quien les acuse de exagerados.

Autor: Pedro Blasco

Más información: Página oficial de Kraftwerk

Mp3: Das Modell

Youtube: Actuación de Kraftwerk en una televisión alemana (1980)

57 - "Make it easy on yourself", Scott Walker and the Walker Brothers

2008-04-15T21:49:00.006+02:00

álbum: Take it easy with the Walker Brothers
año: 1965
sello: Philips
"So, make it easy on yourself,
‘cos breaking up is so very hard to do"

Dicen que nadie es profeta en su tierra, y The Walker Brothers son uno de los ejemplos más claros. En la época en la que la rivalidad entre la pérfida albión y sus hermanos al otro lado del océano estaba en su mayor esplendor, ellos consiguieron ser número uno en campo contrario.
Claro que en este caso contaban con un arma muy potente, la firma Bacharach/David que se esconde detrás de esta joya. Bacharach había compuesto esta canción para su musa, Dionne Warwick, pero terminó en manos (o mejor dicho, en voz) de Jerry Butler, de The Impressions. Jerry no lo hizo mal del todo, pero fue la voz de Scott Walker la que más tarde la transformó en historia del pop. Luego llegarían muchos otros, desde la propia Warwick, hasta los actuales Ash usándola como esqueleto de su canción “Candy”.
La música de Bacharach está entre las más grandes melodías que ha escrito, y decir eso es mucho decir de un artista que componía cada canción como una obra completa y con vida por sí misma. Pequeñas obras maestras en tres minutos, llenas de matices, adornos y giros inesperados. En este caso, desde los arreglos de cuerda iniciales, que preceden a la sorprendente entrada de la voz, con la frase final del estribillo, hasta la explosión final con cuerdas, vientos y percusión, todo es perfecto. La letra de Hal David te deja un sabor amargo. Por un lado, el protagonista muestra su resignación y el amor que siente por ella, por otro lado te preguntas si simplemente intenta ahorrarse el dolor de pasar por la ruptura con el amor de su vida.
El legado de Bacharach/David es indiscutible, pero a su vez, Scott Walker dejó también una huella imborrable en la música pop que llega hasta nuestros días. Hace unos años leí en algún sitio a alguien que describía a Neil Hannon (autor de verdaderas joyas como “Casanova” y “A short album about love”) como el mini-yo de Scott Walker. Lo que es cierto es que ni The Divine Comedy ni Pulp, ni otros muchos grupos, hubieran sido lo mismo si no hubiesen escuchado antes a Scott y sus “hermanos”.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Burt Bacharach
The Walker Brothers

Mp3: Make it easy on yourself

Youtube: Entrevista y actuacion en televisión cortesía de Música en V.O.

58 - "Sensitive", The Field Mice

2008-04-10T22:18:00.005+02:00

álbum: Sensitive
año: 1989
sello: Sarah Records
"If the sun going down
can make me cry
why should I
why should I
why should I not
like the way I am?"

Lo reconozco. No soy más que un advenedizo en esto de la música "independiente". Aunque sintiera cierta querencia por canciones poco usuales, en el principio mis gustos musicales me definían como una víctima más de las radiofórmulas más tópicas. Más adelante gracias a un gran amigo (grande porque mide 1,93 y calza un 46), empecé a escuchar a algunos grupos alternativos y a informarme en revistas, pero seguía siendo un rookie. Ya hacia el 2000 gracias a las benditas listas de música y sobretodo a los popes que las habitaban, fui ampliando más mi espectro. Aún así, es evidente que, aunque por edad hubiera podido, no conocí en directo la oleada de grupos que alguien ha englobado en la etiqueta C-86 y que la primera vez que oí lo de Sarah Records, lo asocié más a un T-1000 que a un sello.

Si te pasa lo mismo que a mí, sería bueno que supieras que C-86 inicialmente era el nombre de una recopilación de grupos británicos que regaló en su momento la revista NME en el año 86. Y Sarah Records... bufff, ¿qué puede escribir alguien como yo sobre un sello que ha sido tan mítico para tanta gente? Probablemente nada original así que prefiero que vayáis a este link donde alguien que sabe mucho más que yo hace un resumen tanto de la filosofía de la editorial como de los grupos más importantes.

Tal y como el insigne Manolo dice, The Field Mice fue el grupo de Sarah Records que estuvo a punto de tener éxito. Ciertamente si uno oye algunos de sus temas se sorprende que no triunfase. "Emma's house", "If you need someone", "September's not so far away", "When you sleep", "This love is not wrong"... O sobretodo este inmenso "Sensitive". Para mí el típico ejemplo de joya injustamente "poco" conocida. Una canción con una vitalidad contagiosa gracias al juego de guitarras. Una letra pulida sobre el sentirnos diferentes. Y un final... Buff, qué final. Esa guitarra hace temblar el cielo para demostrar que siempre hay tesoros escondidos, que merece la pena investigar un poco

Si tu viaje empieza en esta canción, puedes continuar con las otras que se han mencionado antes o probar con otros grupos de Sarah. Aquí hablaremos de Heavenly cuya voz ha vuelto en esta década en la de Èlia, dejadnos barrer para casa, de Zona Negativa o quizá prefieras acompañar a Harvey Williams de Another Sunny Day en su enamoramiento de una chica que ni siquiera sabe que existe. Lo importante es abrir las orejas y no ceñirse a lo que ofrezcan... ni siquiera (algunos dirán sobretodo) a esta lista. Siempre puedes probar otra.

Autor: Inlove with Penelope

Más información: Biografía a cargo de Alastair Fitchett

Mp3: Sensitive

Youtube: Versión a cargo de un grupo tributo al C86

59 - "Personality crisis", New York Dolls

2008-04-02T17:16:00.005+02:00

álbum: New York Dolls
año: 1973
sello: Reprise
"Haaaaaawww hoooooowww
yeah yeah yeah
nononono nonononooo"

Si alguna vez quieres decirle a alguien qué es el rock... no, el
rock'n'roll... no, el ROCK MACARRA, simplemente pínchale -¡en
vinilo, coño!- "Personality crisis". La primera canción del primer
elepé de los New York Dolls es toda una declaración de actitud. Abre
un riff básico de rock'n'roll y a los seis segundos entra David
Johansen cagándose en tu puta madre con el grito más macarra de la
historia del rock: ¿algún problema, chavalín?
¿Glam? Claro. ¿Hard? Vale. ¿Proto punk? Seguro. Pero por encima de
todo "Personality crisis" es sexo, drogas y rock'n'roll. Mucho sexo,
muchas drogas y mucho rock'n'roll. A saco. Tanto que hasta los
mismísimos Rolling Stones (primera época, los que se caen de los
cocoteros son una puta marca no más) se debieron escandalizar
escuchando a Johansen escupir acerca de los problemas de
personalidad -los motivados por el exceso de anfetaminas y heroína,
por supuesto, pero también los de identidad sexual y existencial-
propios de la post adolescencia. Se llevaron las manos a los oídos
ante esa guitarra de Johnny Thunders dando la brasa (¡bendita
brasa!) con sus riffs elementalmente agresivos en los lugares
incorrectos. Todd Rundgren al borde de presentar la dimisión como
productor.
- Verás Johnny, es que ahí no procede porque está cantando David.
- ¿Quieres comerme la polla, Todd?
A "Personality crisis" ni le falta ni le sobra nada. Sabe a noche
y a ciudad y es puro espíritu rock. Agresivo, directo, básico,
chuleta. Con su parada por la cara a media canción, con sus ambiguos
silbidos de lápiz de labios ("hey nena... o nene") y con un final
que, por si no te había quedado claro en la entrada, se vuelve a
cagar en tus muertos y si tienes algún problema me lo dices en la
calle.
Mira, si alguien hace una lista con las 10 mejores canciones de la
historia del ROCK -con mayúsculas- y no incluye "Personality
crisis", díselo claro: "no tienes ni puta idea, gilipollas". Y
después te meas en su disco de Queen.

Autor: Jam Albarracín

Más información: Página oficial

Mp3: Personality crisis

Youtube: Brutal versión en directo

60 - "Like a hurricane", Neil Young

2008-03-28T22:30:00.006+01:00

álbum: American Stars 'n Bars
año: 1977
sello: Reprise
"I want to love you
but I'm getting blown away"

Más de 40 años de carrera musical... ¿Os lo imagináis?

Como es lógico, da para mucho. Desde girar por Canadá hasta formar parte de Buffalo Springfield. Volver a estar solo o acompañado por un "caballo loco" y hacer cambiar el nombre a Crosby, Stills & Nash para añadirle un Young. Tocar en Woodstock y luego más discos en solitario o con amigos, como Emmylou Harris, Linda Rondstad o los Crazy Horse rebautizados como The Santa Monica Flyers. En los 80, una década oscura y de experimentación o eso se dice. En los 90 el renacimiento con Freedom y el éxito "Rockin' in the free world" (cuidado, chicos, he enlazado el video heviata y no el clip), donde algunos vieron una profecía de la caída del Muro de Berlín. Lo admito, fue la primera canción que conocí de Neil Young.

Tener una larga carrera musical también permite que te admiren por tu vocación izquierdista (Let's impeach the President) o para que te ganes el apelativo de Padrino del grunge. Sea por tus pintas en algunos conciertos, sea porque tocas con los Pearl Jam o quizá porque Kurt Cobain utiliza una estrofa tuya en su carta de despedida: "it's better to burn out than to fade away". No viene a cuento, pero la disyuntiva también aparece en el divertidísimo video de la canción Sugarcube de Yo la Tengo.

Por encima de todo, estar 40 años en el candelero indica que tienes un listado extenso de buenas canciones como se puede comprobar, por ejemplo en la película "Heart of Gold" que corresponde a un concierto con un montón de amiguitos suyos en Nashville. Curiosamente, no es una de ellas este "Like a hurricane". ¿Demasiado rockera para el honesto ambiente country que se respira en la cinta?

Porque "Like a hurricane" es rock. Rock intimista, de acuerdo. Rock suave, si atendemos a la voz. Pero con una guitarra punzante que se desmelena en los solos dejando el corazón destrozado. En un cómic guionizado por Peter David, Hulk se enfrenta a la furia de un huracán llamado, irónicamente, Betty. Y se da cuenta de que sin la hija de Thunder Ross no tiene nada que hacer. Aunque sufra con ella, aunque la haga sufrir, la necesita para encontrar la calma en sus ojos. Al fin y al cabo, ¿qué amor es mejor? ¿El que duele como los demonios o el que cala tranquilamente? Creo que no lo puedes llegar a saber ni con todo el bagaje de Neil Young a la espalda.

Autor: Hulk Salazar

Más información: Página oficial

Mp3: Like a hurricane

Youtube: Versión en directo desenchufada

61 - "Here", Pavement

2008-03-05T16:27:00.006+01:00

álbum: Slanted and enchanted
año: 1992
sello: Matador
"I was dressed for success
But success it never comes
And I’m the only one who laughs
At your jokes when they are so bad
And your jokes are always bad
But they’re not as bad as this "

Dulce sensación de fracaso la que se siente cuando sabes que ya no tiene sentido seguir luchando. Estás ahogándote y sabes en cierto momento que ya no hay esperanza, que nadie te va a salvar. Pero ya puedes descansar. Y te hundes, te relajas y disfrutas del momento.

Yo estaba vestido para triunfar, pero el triunfo nunca llegó. ¿Cómo va a llegar en esta ciudad de perdedores donde nunca hay nada que hacer aparte de reírse de los mismos chistes malos? Será mejor olvidarlo, será mejor resignarse a la suerte de una vida gris.

Es extraño lo pesimista que se mostraba Stephen Malkmus en esta bellísima canción que se salía de la norma en aquel maravilloso disco de debut “Slanted and enchanted”, según la web de Matador, el disco más comprado por los poseedores de un Volvo, y según la revista Time, uno de los mejores 100 álbumes de todos los tiempos.

“Slanted and enchanted” era un disco 100% Pavement, el paradigma del sonido lo-fi que se puso de moda en la escena independiente a principios de los noventa. Poco esmeradas grabaciones en un cuatro pistas, directos caóticos, peinados descuidados… pero sobre todo diversión, mucha diversión (como podrán atestiguar dos miembros de Vermouthsport que se conocieron en un autobús de camino a Barcelona en lo que puede ser uno de los momentos fundacionales de este grupo de amigos). Diversión y, qué leches, buenas canciones.

“Slanted and enchanted” es el disco que debería haber ocupado el puesto que ocupó “Nevermind” en las listas de ventas. Pero quizás Stephen y sus chicos no tenían la ambición del rubio suicida. O quizás la portada era demasiado estrambótica, la gente preferiría sin duda a un niño nadando detrás de un dólar.

A este disco le siguió uno genial (“Crooked rain, crooked rain”) y otros que poco a poco fueron decreciendo en nivel hasta que en 1999 pasó lo que sabíamos que iba a pasar. Pavement, un producto de su tiempo, con fecha de caducidad (como la leche y Luis Aragonés) se dejó hundir dulcemente, tal como, de alguna manera, vaticinaba “Here”.

PD: Para llevarme la contraria, parece ser que Pavement planean una reunión para 2009

Autor: Pedro Blasco

Más información: Pavement en Aloha Poprock

Mp3: Here

Youtube: Videoclip de la canción

62 - "Wake up Boo!", The Boo Radleys

2008-03-02T21:22:00.005+01:00

álbum: Wake up Boo
año: 1995
sello: Creation
"Twenty-five I don't recall a time I felt this alive
So wake up boo!
There's so many things for us to do"

Es un sábado por la mañana, una mañana de septiembre. El buen tiempo aún no se ha ido y el sol que entra por la ventana abierta, junto con una brisa agradable, me despierta. Estoy ahí tumbado junto a ella, que duerme tranquilamente, sonriendo. Quiero creer que está soñando conmigo. No tengo ninguna prisa. Tenemos todo el fin de semana por delante para hacer todo lo que queramos. Mirándola en silencio, oyendo su respiración, sintiendo su abrazo, parece que el mundo es maravilloso, que todo es perfecto y que, a pesar de todo lo que hemos pasado y los problemas a los que nos enfrenta la vida, merece la pena vivirla, que aun quedan muchas cosas por llegar y que tenemos que aprovecharla al máximo.

Así que decido dejar que duerma un poco más, y hacer planes mentalmente, para hoy, para mañana y para el futuro. Aunque parezca difícil creerlo a veces, la vida puede ofrecernos cosas muy hermosas…

Es muy difícil escribir lo que me hace sentir una canción, pero en el caso de “Wake up Boo!” es algo parecido a esto.

Lo tiene todo. O al menos todos los factores que, bien usados, con talento y estilo, convierten una canción en un himno para mí. Estos factores incluyen: una melodía redonda, un estribillo pegadizo, unos arreglos que encajan a la perfección (esas trompetas), armonías vocales, cambios de ritmo y una letra optimista que te invita a comerte el mundo. Si alguien me dijera que el Brian Wilson de 1966 ha vuelto para grabar esta canción, me lo creería.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Wake up Boo!

Youtube: Video de la canción

63 - "Disorder", Joy Division

2008-02-22T23:03:00.005+01:00

álbum: Unknown pleasures
año: 1979
sello: Factory Records
"I’ve been waiting for a guide to come and take me by the hand,
Could these sensations make me feel the pleasures of a normal man? "

Si pudieras viajar en el tiempo para ver un grupo en directo que ya no sea posible ver en la actualizad, ¿qué grupo querrías ver? Ufff… difícil elección. O no. Al fin y al cabo, una persona tan volátil como yo, la mayoría de las veces que le preguntan cuál es su grupo favorito responde: Joy Division. ¡Querría ver a Joy Division!

Pagaría la mitad del premio del Euromillón que me tocará este viernes por ver las danzas epilépticas de Ian Curtis, por escuchar en directo el bajo más melódico de todos los tiempos (el de Hooky), por ver al tímido Bernard Sumner apuntalar con su guitarra los metronómicos ritmos de Stephen Morris…

Pero ya no es posible.

Cuánto más leo sobre Joy Division más les admiro… y más me compadezco del pobre Ian Curtis, un tipo tan genial como torturado por la culpa y la epilepsia. Quizás si hubiese podido/sabido dejar a tiempo el showbiz ahora estaría vivo. No sabemos si sería feliz (seguramente no), pero al menos no habría terminado sus días a los 23 años colgado en una cocina… Here are the young men, the weight on their shoulders.

Como decía un amigo, Manchester es una ciudad fea de cojones, pero no tanto… En aquellos días del post-punk, se convirtió en el hogar de un montón de genios y figuras. Ello dio lugar a que surgiera el mítico sello Factory Records, fundado por el gentleman Tony Wilson y con colaboradores de lujo como Peter Saville diseñando portadas o Martin Hannett consiguiendo maravillosas producciones fonográficas tras los controles y sus adicciones. Además, un vivero inagotable de bandas de lo más variado: Buzzcocks, A Certain Ratio, Durutti Column, The Fall, The Smiths (estos ligeramente posteriores)… Y todo ello años antes de aquel otro verano del amor que catapultó de nuevo a Madchester a lo alto de la escena mundial… (indispensable el visionado de la película “24 hour party people”).

Pero volviendo a Joy Division y a la canción que nos ocupa, que es la que abría el primer álbum oficial de la banda (“Unknown pleasures”), “Disorder”, es un perfecto resumen de las obsesiones que orbitaban alrededor de la mente de Ian Curtis. Basta escuchar los dos primeros versos (citados al principio de la reseña) para ingresar en su complicado mundo interior, en el que a menudo hubiera preferido no estar, a cambio de ser una persona normal.

Es paradójico esto de ser fan musical de un grupo como Joy Division. Con sus canciones, el pobre Ian consiguió hacernos más llevaderas nuestras vidas grises de personas normales. Y sin embargo, somos conscientes de que quizás, y sólo quizás, el genio fue lo que condujo a Ian Curtis a su propia autodestrucción.

Autor: Pedro Blasco

Más información: Joy Division en la Wikipedia http://en.wikipedia.org/wiki/Joy_Division

Mp3: Disorder

Youtube: Clip montado a base de fotos de Joy Division

64 - "Thunder Road", Bruce Springsteen

2008-02-01T06:57:00.001+01:00

álbum: Born to run
año: 1975
sello: Columbia
"It's town full of losers
And I'm pulling out of here to win"

Me gustaría creer que aún resuenan en Sant Pere Pescador los ecos del bramido (well, I SAY I WANNA STAY) que solté hace más de 10 años en una torpe (I'm no hero) , pero sentida, interpretación de Fire. Se trataba de imitar el vozarrón que gasta Bruce Springsteen que junto con la fuerza de la E Street Band hizo que me fijase en sus canciones la primera vez que las escuché.

Este primer recuerdo consiste en unas cintas donde estaba grabado el "Live 75-85". Las tenía mi padre por su casa y nos acompañaron en varios viajes en coche (hear their engines). ¿Sería el "pelotilla", un viejo 600 blanco con suelo (sí, suelo!) solar (show a little faith)? ¿O quizá el "flecha amarilla", un R-5 con cubista matrícula de Cuenca? Lo que puedo asegurar es que las poníamos en un viejo radiocassette que aún debe funcionar. Había tantas canciones en esas cintas que incluso podía encontrar alguna que no me gustase como por ejemplo "Hungry Heart". Pero, ¿cómo no caer frente a la magia de tantos clásicos? "Thunder Road", "Fire", "Because the night", "Darkness in the edge of town", "Born in the U.S.A.", "The river", "War", "Born to run"...

Cuando tuve dinero me acabé comprando la caja con los 3 CDs en lugar de (hereje!) la de los 5 vinilos. Intenté convencer a mis amigos de lo molón que era Bruce, pero no tuve mucho éxito. Puede que no fuera el momento porque años más tarde una de las chicas (You ain't a beauty but hey you're alright) que lo había rechazado, se acabó convirtiendo en una gran fan. Pero esta es otra historia y merece ser contada en otra ocasión. Esta soledad (Hey that's me) permitió que, mediante el libreto que acompañaba la caja, fuera capaz de aullar las letras en ese inglés adolescente de escuela pública.

Más tarde, ya en el instituto me encontré con ella. Además de parecerme guapísima (Like a vision), también le gustaba mucho el Boss. Probablemente más que a mí, que también gastaba las cintas de los Dire Straits, los Rolling o Pink Floyd. Con ella, fui a dos conciertos de Bruce. ¿O serían tres? Resulta curioso que cosas que crees que no vas a olvidar nunca, se desvanezcan (let the wind blow back your hair) de esta manera. Debe ser esa misma glándula que nos hace creer que querremos a alguien para siempre, pero acabemos interrogándonos (they're gone) sobre el color exacto de sus ojos o si el lunar rozaba la oreja izquierda o la derecha...

Cómo no podía ser menos, la versión que he elegido es la del álbum en directo. Creo que no llegué a tener la del álbum en estudio, pero soy de la opinión que el rock debe sudarse. En este caso es posible oler el esfuerzo en una canción que habla de uno de los temas más típicos de la adolescencia (maybe we ain't that young anymore): La huida. Los ecos de unos versos dylanianos acompañan a una armónica que podría ser la de Young y toda la fuerza de la guitarra y la voz no impiden que nos sintamos algo tristes al finalizar la canción. Quizá sea ese piano juguetón que baila y nos sube el corazón una y otra vez para acabar estrellado como el cielo, estrellado contra el suelo.

¿Acabaría Mary saliendo al porche a tiempo alguna vez o sería la misma chica que se queda embarazada en "The River"?

Autor: K.

Más información: Noticias oficiales
Club de fans en España

Mp3: Thunder Road

Youtube: Versión en directo sin guitarra

65 - "Happy when it rains", The Jesus and Mary Chain

2008-01-24T17:50:00.001+01:00

álbum: Darklands
año: 1987
sello: Blanco y Negro
"You were my sunny day rain
You were the clouds in the sky
You were the darkest sky
But your lips spoke gold and honey
Thats why Im happy when it rains
I'm happy when it pours"

Noise pop:
Caramelos de dulce melodía sepultados bajo capas de feedback y distorsión.

East Kilbride, Glasgow, Escocia, 1984.

Dos hermanos, los Reid.
Su hamster muerto, Joey.
La cadena de Jesús y María, regalo en una caja de cereales.

Conciertos de veinte minutos y altísima probabilidad de disturbios.

Gafas oscuras y cuero.

The Velvet Underground,
The Stooges,
Beach Boys,
Ramones,
Phil Spector...

Luces estroboscópicas.

Tú fuiste la lluvia de mi día soleado.

Anfetas y alcohol.

Tú fuiste las nubes del cielo.

Melancolía y lluvia.

Tú fuiste el cielo oscuro.

Discos ruidosos, discos hermosos, fama.

Pero tus labios hablaban de oro y miel.

Caramelo psicótico,
tierras oscuras,
besos de alambre de espino,
automático,
la muerte de la miel...

Y por eso soy feliz cuando llueve.

La cima a finales de los ochenta.
Grupo de referencia a principios de los noventa.
La chulería o la indolencia.
Caída y auge, ya nunca fue lo mismo.
Odio el rocanrol.
Amo el rocanrol.

Autor: Pedro Blasco

Más información: April skies, sitio oficioso de The Jesus and Mary Chain

Mp3: Happy when it rains

Youtube: Clip de "Happy when it rains"

66 - "A new England", Billy Bragg

2008-01-24T12:00:00.000+01:00

álbum: Life's a Riot with Spy Vs Spy
año: 1983
sello: Charisma Records

"I loved you then as I love you still"

Supongamos que nunca habéis oído hablar de Billy Bragg. O que lo confundiais con otro izquierdista famoso como Willy Brandt. Imaginemos que estáis interesados en el pop en español y que compraseis en su momento el álbum de debut de los Carradines. Allí aparecía una canción dedicada a Billy Bragg que menciona la nueva Inglaterra, la huelga de los mineros (Billy Elliott), Chernóbil (Fukushima), las guitarras de Woody y Strummer (ya sabeis lo que matan!), perfiles moderados (¿primarias?) con un irresistible estribillo final que es imposible no dejar de corear cuando te ves acosado por el gran circo (¿o el fascismo?) neoliberal.

A partir de entonces puede que os interesase saber más. Y buscaseis algo de información por Internet. Por ejemplo, cómo la canción hizo, tras una bella y rocambolesca historia que Billy Bragg tocase con Los Carradines ¡vestido de abeja! en el Minimúsica del Primavera Sound del 2007. Cuánto os hubiera gustado estar allí y llevar a vuestros niños. ¿Verdad?

Así que cuando unos amigos medio locos te explican que se van a pasar un fin de semana de mayo y que acabarán viendo un concierto de Billy Bragg allí, se te ponen los dientes largos. Más aún cuando explican que el repertorio es brutal, la voz impresionante y en los bises, aprovechando que era el día del Trabajo, toca The Internationale.

Billy Bragg dice, en la canción que nos ocupa, que no quiere cambiar el mundo, no está buscando una nueva Inglaterra sino simplemente otra chica. Creo que esa chica le pedirá que cante sus canciones una y mil veces. El mismo número que debierais escucharlas vosotros.

Autor: Míctor J.

Más información: Página oficial

Mp3: A new England

Youtube: Versión en directo (1991)

67 - "Roads", Portishead

2008-01-24T09:56:00.000+01:00

álbum: Dummy
año: 1994
sello: Go! Discs
"Oh, can't anybody see,
We've got a war to fight,
Never found our way,
Regardless of what they say."

¿Qué ha sido del trip-hop? ¿Se ha convertido en una etiqueta más para limpiar los mocos que se ha querido tirar algún que otro sabiondo del tema y que ya está en la basura? ¿Acaso no sigue siendo, y cada vez más, el hip hop una influencia para muchos estilos, hasta el punto de acercarse a esos ambientes sulfurosos y nublados del estilo en cuestión? ¿Acaso lo engulló el chill-out? Al final, como siempre, quedan los grupos, y en este caso, principalmente son Tricky, Massive Attack y Portishead, (y algunos más) cada uno con su personalidad distintiva.

De la banda de Geoff Barrow, Adrian Utley y Beth Gibbons se podrían haber escogido otras canciones más representativas. Tanto de su sorprendente y hechizante primer disco (“Glory Box”, “Wandering Star”, “Sour Times”…) como de su fantástica continuación (“All mine”, “Only you”…). ¡Todas! Pero “Roads” es una de esas canciones que, una vez superados los singles, las canciones redondas, y los ganchos de discos tan adictivos, descubren que en esos temas menos sorprendentes a primera vista es donde se queda toda la esencia. Sí, “Roads” es una canción de pérdida, de soledad, de abandono. Pero esto es música señores, y lo importante no es el qué, sino el cómo.

La autocompasión puede ser una losa repelente para este tipo de canciones sobre el olvido. Buscar lo penoso de uno mismo para dar pena a los demás. Las canciones de desamor nunca deberían ser así. Deberían hacer sentir en los huesos del oyente lo que es ese proceso tremendamente doloroso, conseguir que cada uno reviviese su particular episodio vital con una intensidad que pareciese estar reviviéndolo de nuevo, pero desde una butaca privilegiada. Duele, pero después solo tengo que apagar la radio.

Pero aunque nunca en tu vida te hayas sentido solo, cuando escuchas “Roads” entiendes lo que significa enfrentarte a una situación que no eres capaz de comprender, ni explicar, que te abruma y te rompe, pero que conforma un camino que se ha de recorrer indefectiblemente. Beth Gibbons nunca habrá sentido tanta desesperación, ni se la habrá hecho sentir a tanta gente, como cuando se desliza por los versos de este tema. Y cuando entran los violines, sientes un cuchillo que te atraviesa el pecho, y que te libera, que te expande, que te cura. Eso es música, señores.

Autor: Jesús Saez

Más información: Web oficial del grupo

Mp3: Roads

Youtube: En directo

68 - "Unfinished sympathy", Massive Attack

2007-12-30T10:45:00.000+01:00

álbum: Blue lines
año: 1991
sello: Circa
"I know that I've been mad in love before
And how it could be with you"

A finales de los 80, una panda de negratas fuckin'English de Bristol se reunió para hacer musiquita con máquinas donde hacían una especie de mezcla entre el hip hop y el house (acid!!!!!) que se dio en llamar trip hop. Como fueron los primeros en hacer algo así o eso dicen los críticos que escriben en las revistas, se les considera los padres del tema. Sus hijos son, entre otros, Tricky, Portishead o incluso la lapona Björk.

A mí esto de hacer música electrónica no me acaba de convencer. Yo soy más del rock. Dadme una guitarra y os tocaré el arpegio a dos manos de Eddie Van Halen hasta que os sangren las orejas. Y si estoy sensible, puede que me siente al piano a haceros llorar como si tuvieráis a Tía Irma en casa. Pero esto de apretar un botón y que ya suene la melodía, me resulta sospechoso. Desde mi punto de vista está sólo un escalón por encima de los músicos mendigo que piden en el metro acompañados de un acordeón y una especie de ampli que les hace todo lo demás.

Tampoco vamos a ser negativos del todo. El hecho de que los colegas estuvieran apretando botoncejos supongo yo que perjudicó su posible carrera criminal. Otro gallo le hubiese cantado a Foreman si en vez de dedicarse a robar coches, hubiera intentado adentrarse en el mundo de la música electrónica, además seguro que con el pelo largo, conseguiría un flequillo como la de la cantante de la canción. Aunque viendo como se la gastan los del gansta-rap, igual me hubiera tenido que buscar otro miembro del equipo.

Sí que es verdad que esto del trip-hop suena menos agresivo que el hip-hop tradicional. Parece una música más tranquilita, más hecha para todos los públicos. Estoy seguro que incluso Chase allá en Australia la tenía en el coche (que papi le regaló) para echar un polvete. Luego se sentiría culpable e iría a rezarle a su dios. E incluso la chavalita que está loquita por mis huesos, lo tendrá ahora en su casa e intentará buscar la canción que suena al inicio de la serie que han hecho sobre mí. Claro que hay que tener en cuenta que está englobada en el álbum "Mezzanine" mientras que la canción sobre la que supuestamente va esta reseña pertenece a su primer disco "Blue lines".

"Unfinished sympathy" ¿Por qué habrán pensado estos chicos en mí?

Autor: J.House

Más información: Web oficial del grupo

Mp3: Unfinished sympathy

Youtube: Video de la canción

69 - "Sparky's dream", Teenage Fanclub

2007-12-18T06:56:00.000+01:00

álbum: Grand Prix
año: 1995
sello: Creation Records
"Got a magic ball to see her in the morning
And crystal eyes to read between the lines"

Mi amigo Mic, principal instigador de este top 100, me empieza a sacar los colores. Me estoy retrasando con esta reseña y no es plan de que esto se quede a medias. Así que me he decidido a escribirla. Creo que çlo he ido dejando para última hora porque en el fondo no me atrevo a escribir sobre este grupo. Pero bueno, vamos a intentarlo.

Si alguien me pregunta cuál es mi grupo favorito, efectivamente, respondería que son estos tíos, escoceses, borrachuzos como nosotros: los Teenage Fanclub, los Tinajas, como les llamamos con cariño entre amigos (y cómo también hacen los Happy Losers, que aprovecho para recomendar, ellos son los Tinajas españoles ¡y Rock Indiana vende todos sus discos a 5 €!).

A este top ha llegado “Sparky’s Dream”, del glorioso GRAND PRIX, pero podrían haber llegado tantas otras (“About You”, “Radio”, “Alcoholiday”, “The Concept”, “I need direction”, “Your love is the place where I come from”, “Start Again”…), porque si algo puede definir a este grupo es “de canciones”, con tres compositores/cantantes de gran nivel: Gerard Love, Norman Blake y Raymond McGinley, que se reparten los discos (normalmente 3-4 canciones de cada uno) y que en directo se van cediendo el micro y hacen unos coros increíbles.

A mi me ganaron para siempre en Benicàssim’98, aquel festival fue especial, y así lo recogía mi amigo Carlos en la revista fiber (página 80), ese concierto lo tengo grabado en VHS y, no pregunten, me gustaba verlo con mi amigo Jorge, borrachos, con la luz apagada y gafas de sol (?). Canal 9 tenía la sana costumbre de emitir el FIB poco a poco por las noches, así que tengo algunas joyitas grabadas. Ahora los políticos valencianos se dedican a cerrar repetidores para que no podamos ver TV3, sí , esto me lo he traído por los pelos, pero es que “hay que decirlo
más”.

Sobre “Sparky’s Dream”, qué decir, es maravillosa, es de Gerard Love (me suelen gustar más las suyas), tiene unos coros impresionante (uuuuhhh, uuuuuhhh) y es de mi disco preferido, aunque “Songs From Northern Britain” se queda muy cerquita ¿eh?.

En fin, que Vds. la disfruten, y si no conocen al grupo… a por el recopilatorio de hace un par de años “4766 Seconds - A Short Cut To Teenage Fanclub”, si encuentran una canción mala les devuelvo el dinero.

P.D.: ya que estamos de recomendaciones, Paul Quinn, el que para mi ha sido el mejor batería de los Tinajas (tocó en GRAND PRIX) tiene nuevo grupo en el que canta y compone: PRIMARY 5, muy recomendables los dos LPs que han sacado hasta la fecha, en la línea de Teenage Fanclub y muy divertidos en directo.

P.D.2.: nota de última hora, buscando su myspace para poneros el enlace veo que PRIMARY 5 se separaron el 12 de noviembre, en fin, ahí quedan dos discazos y a ver si el bueno de Paul hace algo pronto.

Autor: Carmelo Simón

Más información: Web oficial de Teenage Fanclub

Mp3: Sparky's dream

Youtube: Video de la canción

70 - "Teenage riot", Sonic Youth

2007-12-12T21:33:00.000+01:00

álbum: Daydream Nation
año: 1988
sello: Enigma Records
"Now I see it
I think I'll leave it out of the way
Now I come near you
And it's not clear why you fade away"

Sonic Youth es una de las piedras de toque de cualquier aficionado a la música independiente. Vale, puede que consiguieras flipar con Pavement, que entendieras los vuelos de Spacemen 3 e incluso que afinaras la minicadena con My Bloody Valentine. ¿Pero serás capaz de entender la melodía subyacente tras el ruidismo de esta banda? Es como si en Hogwarts sólo hicieras un par de amigos, pero no fueras más allá. ¿Serás capaz de sacarte el EXTASIS? ¿O te quedarás en el TIMO?

Ciertamente resulta difícil explicar cómo la mezcla de esas tormentas de distorsión y los silencios hirientes provoca sensaciones de euforia, pero es así. Sí, de acuerdo, es ruido. ¿Pero seguro que sólo es ruido? ¿No oyes nada más? ¿Es sólo un libro en blanco o el diario de Tom Riddle?

El álbum "Daydream Nation", origen de la canción, fue uno de los más aclamados de la década de los 80 a nivel de crítica y público (meeeec, lo siento, alarma de frases hechas, ahora la desactivo) y mereció incluso una revisión en directo por su vigésimoquinto aniversario que los llevó a hacer una gira que incluyó, por ejemplo, una parada en Barcelona por un Primavera Sound. La impresión general es que en directo han perdido algo de mordiente, pero las canciones siguen teniendo ese sabor único que te hace retrotraer a una galaxia extraña donde el caos está ordenado. Es lo de siempre, puede que digamos en voz alta que el mejor libro sea el de la piedra filosofal, pero todos nos mordimos las uñas esperando "The deathly hallows".

¿Y qué hay de la canción? Guitarras afiladas (meeeec, mierda, otra vez), duelos de voces, susurros, gritos, baterías machacadas, carreras, sudor... Creo que se le podría llamar rock, puede que sea punk, quizá entropía si existiera una etiqueta así. ¿Cómo se dirá Sonic Youth en pársec?

Autor: S.Slytherin

Más información: Web oficial de Sonic Youth

Mp3: Teenage riot

Youtube: Video de la canción

71 - “Transatlanticism”, Death Cab for Cutie

2007-12-03T22:16:00.000+01:00

álbum: Transatlanticism
año: 2003
sello: Atlantic
"The distance is quite simply much too far for me to row
It seems farther than ever before
Oh no.
I need you so much closer"

Un océano que se abre hoy. Alguien que se aleja. Se va tan lejos que duele la sola noción de la distancia insondable. No basta una barca para cruzar el charco…

Cualquiera que se haya visto implicado en una relación a distancia se sentirá identificado con esta canción, con este himno que empieza con esa especie de metrónomo y esos acordes de piano, que acunan la voz de Ben Gibbard y la dirigen hacia un crescendo con los que a uno le gusta que terminen los conciertos.

Con el álbum homónimo, el cuarto de la carrera de Death Cab for Cutie, alcanzaron el estatus de banda mayor de edad. Partiendo del indie más insurrecto llegaron a unas ventas que hicieron que pasaran de que uno los pudiera ver en Moby Dick a medio metro de distancia, a convertirse casi en stadium band. A ello también contribuyó el éxito de “Such great heights”, también por aquellas fechas, a manos del grupo paralelo de Ben Gibbard, The Postal Service.

Los fundamentalistas de siempre gustarán de retirar el saludo a DCFC tras su éxito, que ha quedado refrendado en la aparición de esta canción en series de culto como Six Feet Under, The O.C., CSI Miami… y que se ha visto demostrado por las tibias críticas que recibió el siguiente disco, “Plans”). También habrá quien diga que nunca valieron gran cosa.

Las canciones, por mucho que nos guste bailar sobre arquitectura, son sensaciones imposibles de transmitir entre un oyente y otro. A cada uno de nosotros, una nota de piano, un golpe de platillo, una voz que tiembla al cantar… nos afectan de distinta manera. Personalmente, me emociono cuando escucho Transatlanticism porque recuerdo una época en la que me sentía como el pájaro de la portada, atrapado en un ovillo, una relación a distancia en la que había un océano entre medias, un obstáculo simplemente imposible de cruzar.

Autor: Pedro Blasco

Más información: Web oficial de Death Cab for Cutie

Mp3: Transatlanticism

Youtube: Interpretación en directo en Berkeley

72 - "Another night in", Tindersticks

2007-11-07T08:48:00.000+01:00

álbum: Curtains
año: 1997
sello: This Way Up
"For the love of that girl
Tears swell, you don't know why
For the love of that girl
They never fall, they can never run dry
For the love of that girl"

Nadie les esperaba. A principios de los noventa el noise seguía llenando portadas de la prensa musical, y la llegada de un grupo de Nottingham con un extenso disco bajo el brazo, muy poca información sobre sus miembros y escasa promoción, debería haber pasado desapercibida. Nadie sabe exactamente cómo fue, en esos casos se recurre al tópico del boca-oreja, el caso es que el debut de Tindersticks, el maravilloso disco de la gitana bailando en portada, acabó entre lo mejor del 93 en casi todas las revistas especializadas.

El sexteto comandado por Stuart Staples perseveró en su estilo que combinaba grandilocuencia con sutileza, miniaturas con teatralidad, recitados con arreglos de cuerda… y, poco a poco, disco tras disco, se consolidó en la escena, comenzó a ser respetado, a ser públicamente admirado y, claro, le salieron imitadores como setas. Lo que hace el aburrimiento de los periodistas musicales: se llegó a debatir si la afectación en la forma de interpretar de Stuart Staples era impostura o no…

Después de dos discos homónimos, los Cayados de Estaño editaron “Curtains” en 1997. Creían que había llegado el momento de dar un golpe de timón y comienzan a acercarse a sonidos soul.

“Another night in”, presunta continuación de “A night in”, redunda sin embargo en vericuetos ya transitados con anterioridad por el sexteto, alcanzando maestría en el estilo en el que son pioneros. Cuerdas, piano, esos acompañamientos sutiles que subrayan a la perfección la historia que nos cuenta Stuart, con voz trémula pese a su firmeza, la historia tantas veces repetida de una piedra en la que volvemos a tropezar…

Autor: Pedro Blasco

Más información: Página oficial de Tindersticks

Mp3: Another night in

Youtube: Video de “Jism” en directo

73 - "One Of These Things First", Nick Drake

2007-11-01T10:09:00.000+01:00

álbum: Bryter Later
año: 1970
sello: Island
"Why leave me hanging on a star when you deem me so high"

1968, Roundhouse en Camdem Town. Al fondo de la sala, sobre el escenario, se distingue la silueta de un joven alto de complexión delgada enfundado en un elegante traje oscuro con una acústica entre las manos. Su voz es particular pero sorprende sobre todo su técnica de finger-picking, es inmejorable. Interpreta sus composiciones parando de vez en cuando entre canción y canción para cambiar la afinación de la guitarra. Eso le lleva su tiempo y mientras lo hace mantiene la mirada fija en sus zapatos. Se oye el rumor de la gente y ruidos en la barra. Unos instantes después continúa con su repertorio hasta terminar la última de las canciones y desvanecerse. Como si nunca hubiese estado allí.

Un conocido músico de la escena local que se hallaba entre el público salía impresionado de la sala a toda prisa en busca de su amigo y joven productor americano Joe (Joe era Joe Boyd, fundador del famoso club UFO de Londres y dueño del sello Witchseason que después vendería a Island). Poco tiempo después, con la ayuda del músico y algunos de sus compañeros de grupo (Fairport Convention), Joe grababa y producía el que sería album de presentación de Nick Drake, "Five Leaves Left" (1969).

Tras pasar desapercibido pese a las notables composiciones que contenía y aún con los desánimos de Nick presentes por los pobres resultados obtenidos por su album de debut, poco depués volverían a la carga con un puñado de nuevas canciones compuestas por el muchacho para una nueva grabación. Orquestado por nadie mejor que su compañero de correrías en los años de la universidad en Cambride y gran conocedor de su vida y obra, Robert Kirby, y de nuevo producido por su descubridor y amigo Joe, quien recientemente se lamentaría públicamente no haber prestado más ayuda y atención a la música de Nick en aquellos años, aparecía en 1970 "Bryter Later" (de donde se extrae la canción que nos ocupa "One Of These Things First").

De nada servirían de nuevo unas composiciones fantásticas fuera de lo común ni el increible talento de 21 años del jovencísmo Drake. De nada serviría la espectacular técnica de finger-picking a la guitarra ni una de las mejores voces del folk, acid folk, folk rock, o como se le quiera llamar, de la época. Una vez más, la falta de acogida de su trabajo era lo último que necesitaba el genio Drake en esos momentos en que ya andaba medio perdido por las profundidades oscuras del alma. Si el año anterior a mitad de gira de su primer disco había tomado la dolorosa decisión de desterrar para siempre volver a actuar en público (la atención que le podía prestar un público de pub era más bien poca), ahora tocaba de nuevo el fracaso comercial y la "tibia" acogida por parte de la crítica.

De vuelta en casa de sus padres recluído para siempre en su habitación, hecho que consideraba como una derrota más en su camino, intentaba reunir fuerzas para la jugada final. Pese o lo frágil de su situación, rodeado por el insomnio, la depresión y el constante consumo de cannabis, el joven Drake se concentraba como podía en las últimas canciones que le quedaban. Si al menos consiguiese ayudar a alguien alguna vez por medio de alguna de sus canciones, todo habría merecido la pena. Sería en 1971 cuando reuniría fuerzas para cambiar dos noches de su habitación por dos noches de estudio junto a su productor para registrar su disco más conocido hasta hoy. Frente a la oposición de productor, equipo técnico y dirección del sello, esta vez grabaría sus canciones sólo con guitarra y voz (grabaría posteriormente algún piano también). "Pink Moon" aparecía en 1972 con idénticos resultados a los anteriores.

El resto de la historia es ya bastante conocida. Por mi parte, basta pensar sólo en dos palabras para sentir admiración, incredulidad y rabia: Nick Drake. Una de las historias más injustas y dolorosas del mundo de la musica, un negocio capaz de lo mejor y de lo peor.

Dejenme para terminar emitir un último quejido: las albanzas y reconocimiento debieron llegar en vida porque, ¿quien los necesita una vez muerto? Mi más sentido respeto y admiración a la familia Drake. Descanse vuestro hijo para siempre en paz.

I could have been a sailor,
could have been a cook
A real live lover,
could have been a book
I could have been a signpost,
could have been a clock
As simple as a kettle,
steady as a rock
I could be
Here and now
I would be, I should be
But how?
I could have been
One of these things first
I could have been
One of these things first.

I could have been your pillar,
could have been your door
I could have stayed beside you,
could have stayed for more
Could have been your statue,
could have been your friend
A whole long lifetime could have been the end
I could be yours so true
I would be, I should be through and through
I could have been
One of these things first
I could have been
One of these things first.

I could have been a whistle,
could have been a flute
A real live giver,
could have been a boot
I could have been a signpost,
could have been a clock
As simple as a kettle,
steady as a rock
I could be even here
I would be, I should be so near
I could have been
One of these things first
I could have been
One of these things first.

Autor: Verne

Más información: http://www.nickdrake.com

Mp3: One of these things first

Youtube: Nick Drake - From the morning

74 - "I'll feel a whole lot better", The Byrds

2007-10-25T10:21:00.000+02:00

álbum: Mr. Tambourine Man
año: 1965
sello: Columbia
"And I'll probably feel a whole lot better
when you're gone"

Últimamente, cuando estoy por ahí en algún pub con unas copas de más y en compañía de buenos amigos y música que acompaña la ocasión, suelo acordarme de los Byrds y mencionar lo cojonudas que son sus canciones. Y si ha habido algún tequila de por medio, me da incluso por decir que los cuatro primeros discos de los Byrds son lo mejor que ha habido en la historia de la música y que si hubieran parado ahí, serían el mejor grupo pop de la historia, dado que sus siguientes álbumes para mi gusto son más aburridos y menos frescos.

Obviando la exageración, sí es cierto que están en mi olimpo particular. Buena prueba de su encanto es “I’ll feel a whole lot better”, canción incluida en su primer disco y que contiene una melodía de guitarra difícilmente superable en belleza, obra de Roger McGuinn, de esas que mientras la escuchas entras en una especie de éxtasis musical y no puedes evitar que se te ponga cara de tontorrón. Eso sin olvidar la fantástica voz de Gene Clark en conjunción con el espectacular juego de armonías vocales, del propio Roger y de David Crosby, que toca la fibra sensible y pone los pelos de punta. Al mismo tiempo, es un tratado de cómo hacer con una letra triste una canción pop perfecta.

No es de extrañar que entre muchos otros, grupos de indiepop de los 80 o toda Escocia les veneren, y es que este grupo ha creado verdadera escuela con canciones redondas como esta.

PD: Venga, que lo estáis deseando:

Y además son mejores interpretando canciones de Dylan que el propio Dylan.

Autor: Jorge Royo

Más información: Página hecha por fans

Mp3: I'll feel a whole lot better

Youtube: Clip de "I'll feel a whole lot better"

75 - "The killing moon", Echo & The Bunnymen

2007-10-22T21:45:00.000+02:00

álbum: Ocean rain
año: 1984
sello: Korova
"In starlit nights I saw you
So cruelly you kissed me
Your lips a magic world
Your sky all hung with jewels
The killing moon
Will come too soon"

A finales de los setenta, un liverpodiano emprendedor aglutinó en su derredor a dos de las bandas más influyentes de los ochenta: The Teardrop Explodes y Echo & The Bunnymen. Bill Drummond, que luego inventaría el ambient con KLF, escribiría libros sobre cómo componer hits o ejecutaría provocadoras performances consistentes en quemar miles de libras o invitar a cerveza por Navidad a centenares de indigentes londinenses, por aquel entonces jugaba a ser el Malcolm McLaren local: llegó a ser el manager de ambas bandas y, en pro de estrategias de marketing de dudosa utilidad, consiguió enfrentar a sus líderes, Julian Cope (luego barbudo druida y redescrubridor del krautrock) e Ian McCulloch, alias Bigmouth, viejos amigos que tenían en común un ego que dejaría al de Billy Corgan a la altura del betún.

Echo & The Bunnymen fue la mejor banda de Liverpool de los ochenta y una de las mejores del mundo. Aún lo sigue siendo. Partiendo de sonidos oscuros (sublimando un afterpunk que aun hoy es referente para muchos grupos contemporáneos) con su primera trilogía ("Crocodiles", "Heaven Up Here", "Porcupine"), de maravillosas portadas de árboles encantados, atardeceres en la playa o yermos helados, evolucionaron hacia cumbres épicas que culminaron en "Ocean Rain", donde los Bunnymen tocaron el cielo con temas tan exquisitamente logrados como el que da título al disco o el que nos ocupa.

"The killing moon" me sigue estremeciendo, años después de haberlo escuchado por primera vez, cientos de escuchas después. Ian McCulloch, pagadísimo de si mismo (y con razón), respondió así en una entrevista en la que se trataba de comparar su música con la de unos advenedizos que tomaron su nombre de un submarino alemán: "U2 hacen música para electricistas y fontaneros, nosotros hacemos música sobre montañas y océanos". ¡Touché! El mejor adjetivo que describe "The killing moon" es majestuosa. Nunca la voz de Mac sonó tan lírica, nunca las guitarras de Will Sergeant tan dulces a la par que lacerantes, nunca el bajo de Les Patinson dominó el cuadro de ese modo, nunca las baquetas del malogrado Pete de Freitas golpearon los tambores con tanta sutileza...

Desde la cima del mundo sólo se podía ir hacia abajo y ese fue el camino que pareció emprender el grupo de la ribera del Mersey, tras un último disco irregular (aunque con gemas del brillo de "Lips like sugar") y problemas varios. De todas formas, a finales de los noventa protagonizaron uno de los comebacks más dignos de que se tiene noticia. En los directos Ian McCulloch sigue siendo el tío más chulo del escenario: les da sopa con ondas a todos los frontmen presuntamente carismáticos de la escena mundial. Y "The killing moon" sigue sonando a estrellas, lagos y cumbres nevadas... a una luna enorme iluminando una noche preciosa.

Autor: Pedro Blasco

Más información: Web oficial del grupo

Mp3: The killing moon

Youtube: Clip de "The killing moon"

76 - "Can't get you out of my head", Kylie Minogue

2007-10-06T22:15:00.000+02:00

álbum: Fever
año: 2001
sello: Parlophone
"La la la la la la la la
La la la la la la la la
La la la la la la la la
La la la la la la la la"

En algún lugar del planeta, a finales de 2001:

A: De quién es este video?
B: Supongo que de algún grupo de reggaetón, porque salen coches,
deportivos y macizas...
A: Ya, no se, pero salen pocas jamonas y solo un coche, es un poco
raro... porque el reggaetón moderado no existe, no?
B: Que yo sepa, no... coño, no es Kylie Minogue?
A: Ah, pues sí que parece... madre mía, que vestido blanco, si casi se
le ve, casi se le sale...
B (Poniéndose de pie): ESTA CANCIÓN ES, ES, LA MEJOR CANCIÓN DEL MUNDO!!!
A: Pero si la tele está sin volumen!
B: Y A MÍ QUE ME IMPORTA! SUBE EL VOLUMEN VERÁS COMO TENGO RAZÓN!

Y aunque a Kylie con los años (y los achaques, vale) se le va poniendo
un poco de cara de travelo, opino que la canción permanece. No en vano
los Flaming Lips, que son muy sabios hicieron una versión.
Además, quien diga que nunca la ha tarareado, miente.

Autor: Ángel

Más información: Página oficial

Mp3: Can't get you out of my head

Youtube: Atención al vestido!

77 - "Tous les garçons et les filles", Françoise Hardy

2007-09-18T09:30:00.000+02:00

álbum: Tous les garçons et les filles
año: 1962
sello: Vogue
"mes jours comme mes nuits
sont en tous points pareils
sans joies et pleins d'ennuis
personne ne murmure "je t'aime" a mon oreille"

Siempre me ha parecido curioso que esos degustadores del pop más
melodramático, más atento a la melancolía extrema bajo el manto de
melodías de terciopelo, aquellos que buscan los discos de Scott Walter,
de Nick Drake, con devoción, que se emocionaron ante la llegada de los
Tindersticks, no tengan palabras de reconocimiento ante Françoise
Hardy, ante la primera voz y la primera vez que alguien en el mundo del
pop hurgó en los rectos laberintos del corazón. Quizás sea debido a sus
canciones de aire más ye-yé –perfectas en su género, por otra parte-
que restan credibilidad al resto de su carrera, pero lo cierto es que
esta chica tímida y tremendamente hermosa atesora un buen puñado de
canciones que aúnan naturalidad y romanticismo, canciones que desbordan
un aire sofisticado aunque sus arreglos sean mínimos o inexistentes.

Y el ejemplo máximo se encuentra en su primera canción, de título
largo y poco expresivo, Tous les garçons et les filles, pero de sutil
encanto. Tan ajena a su tiempo que la creo imposible de ubicar por
cualquiera que la escuche por primera vez, tan esquemática que resulta
el esqueleto mismo de la tristeza. Parece un sortilegio que tanta
desolación sea posible de alcanzar a los dieciocho años, aunque quizás
su infancia, entonces cercana, pueda explicar los temblores de sus
canciones. Vive en el número 24 de la Rue d’Aumale, en Paris con su
madre y su hermana pequeña, Michele. Su padre no está con ellas y no
siempre les pasa la pensión alimenticia. Su abuela materna posee un
carácter dominante e invasor. El colegio religioso, La Bruyere, a donde
acude, tampoco la ayuda a adquirir confianza.

La música es en parte su evasión, y desde 1959 actúa en clubs de Paris
como el Moka. Sus amigos más íntimos la animan a acudir a alguna casa
de discos para presentar sus canciones y en la primavera del 61 se
presenta en Vogue, que en principio no accede a contratarla. Pero ante
el interés demostrado por la casa Fontana, lo reconsideran y en
noviembre de ese mismo año establecen un contrato. Sin muchas ganas,
"Tous les garçons e les filles" se lanza al mercado y de repente una
popularidad inusitada la hace conocida en toda Europa. En España, por
ejemplo, la revista Triunfo la considera chica del año 63 y la elogia
con estas palabras: “Françoise Hardy es la juventud que arriba al
primer plano e impone sobre fórmulas gastadas un romanticismo
revalorizado,de palabras sencillas y directas que liquidan, de golpe,
toda suerte de complicadas mixtificaciones”

Quizás la ayudara que Daniel Filipacchi, el locutor del programa Salut
le Copains, la programase con devoción, o que el fotógrafo Jean-Marie
Périer, con el que inicia una leve relación sentimental, le dé en sus
fotos una imagen elegante y sensible, pero lo cierto es que la mayor
parte del mérito está en las canciones. "Tous les garçons et les
filles" habla de la desolación y la esperanza, del miedo a la vida al
fin y al cabo. Y lo hace de una manera juvenil y ligera, como hasta
entonces nadie había sabido. El dramatismo no se sostiene en una
interpretación desgarrada, al contrario, todo es neutro y mesurado, una
voz que canta sin aparentar que le importe. Así, todo resulta de verdad
más dramático.

Vendrán después muchos más discos y muchas más canciones. La belleza
de la muchacha se irá puliendo y acrecentando con los años, más de la
mitad de esas canciones nos embargarán de dulzura. Y sin embargo, hay
algo en ese primer paso que resulta enternecedor, un misterio tan
vibrante, tan natural y tan difícil como enamorarse. Así de simple.

Autor: César Prieto

Más información: All over the world

Mp3: Tous les garçons et les filles

Youtube: Tous les garçons et les filles

78 - "All my little words", The Magnetic Fields

2007-09-03T09:20:00.000+02:00

álbum: 69 love songs
año: 1999
sello: Merge Records
"And I could make you fly away,
but I could never make you stay..."

Stephin Merrit, como todo el mundo sabe, es gay. Los curas suelen decir que los gays son enfermos. Una especie de virus horrible que contraen no se sabe muy bien si al nacer o en la siempre pecaminosa adolescencia les hace desviarse del recto camino que los Roucos amojamados de este mundo han ideado para nosotros, pobres y descarriados borregos.

Es curioso que alguien que supuestamente ha decidido que es mejor el celibato y/o la ausencia de contacto físico/sexual (lo cual si que supone una auténtica aberración contranatura), cuando no el acercamiento más allá de lo razonable a los niños (con dólares frescos preparados para cualquier eventualidad informativa), se atreva a decir a otros seres humanos cómo deben amarse o sentir.

Cuando uno escucha una canción de amor tan sublime, certera y universal como esta... ¿realmente importa el sexo a quien va dirigida? ¿no la podría cantar cualquiera? Rouco no, claro, que ése no sabe lo que es amar.

Afortunadamente Stephin Merritt si que sabe amar, y lo más importante, sabe contarlo. La desesperación de amar a alguien por su libertad ("it is your wings that make you beautiful") aún sabiendo que eso mismo es lo que te impedirá retenerlo a tu lado ("but I could never make you stay")... Amor y desamor a partes iguales, las dos caras de la misma moneda.

Pobre Stephin, le escribió la canción más dulce que nunca escuchó, y ni así consiguió que se quedara.

Ni con todo el té de China lo habría conseguido.

Autor: Javi

Más información: Página oficial

Mp3: All my little words

Youtube: With whom to dance

79 - "Cars & girls", Prefab Sprout

2007-08-29T08:00:00.000+02:00

álbum: From Langley Park To Memphis
año: 1988
sello: Columbia
"Some things hurt more
much more than cars and girls"

Lo siento pero no voy a ser objetivo en esta reseña. No puedo. Prefab Sprout significan mucho para mi. Fueron seguramente el grupo que hizo que entrara en esta maravillosa afición de la música y por eso no puedo ser objetivo. Para mi Paddy McAloon es el mejor compositor pop de la historia, “Steve McQueen” el mejor album y “Cars & Girls” la mejor canción. Y punto.

Corría el año 1988 y yo todavía era un imberbe adolescente que no le prestaba demasiada atención a la música, pero fue oir esta canción en la radio y pensar que la música era un mundo en el que merecía la pena entrar y dedicarle tiempo. Poco después descubrí “The King of Rock ‘N’ Roll” con su surrealista estribillo “Hot dog, jumping frog, Albuquerque” y no me quedó más remedio que ir a la tienda y comprarme mi primera cinta de cassette, que fue “From Langley Park To Memphis”. Fantástico disco, que no es el mejor de Prefab Sprout, pero que no podía parar de escuchar. Así que después de ver la maravilla que había descubierto a partir de oir una canción en la radio ya no pude parar y la música se convirtió en mi principal afición.

Podía haber hablado de la letra de “Cars & Girls” y de su crítica a Bruce Springsteen o de obras maestras como “Steve McQueen” o “Jordan: The Comeback”, pero lo dejaré para otra ocasión. En esta reseña quería hablar de lo que significó esa canción para mi.

No sé cuantas veces he podido oir “Cars & Girls”. Cientos, quizás más de mil. Y aún me emociono al oir el “pa-pa-pa-sarurarura” del estribillo. Vamos, que me gusta muchísimo oirla.

Autor: Ricardo García

Más información: En inglés

En castellano

Mp3: Cars & girls

Youtube: Video de la canción

80 - "L'Anamour", Serge Gaingsbourg

2007-08-23T20:38:00.000+02:00

álbum: Jane Birkin/Serge Gainsbourg
año: 1969
sello: Mercury
"je sème des grains
de pavot sur les pavés"

Quizás L’anamour no sea una de las canciones más distintivas de Serge Gainsbourg. Encuadrada en una etapa de producción excelsa y significativa –y de vitalidad eléctrica, añado- parece ser un mero complemento menor entre la ruptura con Brigitte Bardot y la pasión por Jane Birkin, entre los juguetes pop y los desbarres sentimentales y eróticos, que vienen a ser lo mismo. Pero ha acabado convirtiéndose en uno de sus más puros y sencillos apuntes, una de esas canciones cuya residencia en el corazón viene avalada por un misterio.

1968. Ese es el año en que Françoise Hardy se plantea un álbum de versiones y tiene aún vacía la traducción de una vieja canción norteamericana, It Hurts to Say Goodbye, éxito menor de Vera Lynn en 1954. Alguien le habla de que Gainsbourg puede ser el letrista ideal y es cierto, sin lugar a dudas ellos convierten una almibarada interpretación en un prodigio de ligereza otoñal.

El caso es que Gainsbourg vive entonces en la avenida Bougeaud, un pequeño apartamento tapizado de fotos -principalmente de la Bardot- y Françoise acude allí a proponerle el trabajo. Él acepta encantado y antes de marcharse le dice que espere un momento, que le quiere presentar un segundo tema. Era L’Anamour, que la parisiense cantó con una mezcla de luminosidad y tristeza, como todo lo suyo al fin y al cabo. Pasan una época de gran amistad -“on est devenu très amis, il adorait Jacques et Thomas, il me téléphonait très très souvent”, señala ella en una entrevista- que no llega a explotar ni en pasión ni en sexo. El cínico compositor, el seductor cuya arma era una canción entregada a tiempo, el profanador de tanta virtud entre las cantantes francesas -parece ser que sólo se le resistió France Gall, vigilada de cerca por su padre- respetaba demasiado a Jacques Dutrond y sólo vio en su esposa a una sensible e inteligente colega: “Un jour, il m'a fait un très grand compliment. Dans une de mes chansons, Je suis de trop ici, j'abordais d'une manière explicite l'exclusion, un sentiment qu'il a éprouvé toute sa vie. Il a passé le disque et il m'a dit: "Ça, je ne sais pas faire."

Además, por esas fechas estaba en medio de la grabación de Slogan y allí compartía cartel con un inglesita que ya lo había mareado y hecho caer en tentaciones irreverentes y obsesivas, así que poco podía pensar en otras mujeres. En el primero de sus discos juntos, el que contiene el famoso Je t’aime…, Serge retoma la canción pero en esta ocasión desde su voz, algo más amarga, con un extraño deje de rabia incluso para una canción cuya letra está lejos de ser conmovedora. Una historia de despedidas con las rimas florales del autor, atentas más a la sonoridad que al sentido, a las paronomasias y neologismos que sorprenden pero no emocionan.

Y sin embargo es una canción de extraña magia, parece converger absolutamente todo en ella desde la más alta excelencia. Quiero decir, que cada detalle que la compone está resuelto de la mejor manera posible, casi de la única. Así, algo que podría resultar un mero esbozo deviene un compacto ejercicio de consistencia. Desde ese deje casi de letanía hasta los silencios instrumentales en que la voz adquiere una elegancia crepuscular, las cuerdas que le dan empaque y el nervioso wah-wah que lo difumina todo, el redoble de batería que envuelve el final…

Apostaría que todos estos factores han hecho que la canción pase a ser valorada de manera extraordinaria desde hace unos diez años. Las versiones hechas en este tiempo así lo avalan, no sólo Mick Harvey la borda, sino que Ivy la convierte en bailable y Beck hace subir a Jane Birkin al escenario para tratarla los dos con el nerviosismo de lo sagrado. En nuestros escenarios Souvenir y Les Tres Bien Ensemble la suelen ofrecer en sus directos y resulta una excelente guinda a sus siempre modélicos conciertos.

Quizás no sea todavía una de sus canciones más distintivas, quizás no sea la mejor. Ahora, ya como padre, aprecio más la ternura de la que le compuso a su segunda hija, La poupée qui fait, donde volcó el amor perfecto, desesperado y pleno que siempre había buscado entregar. Pero lo cierto es que L’anamour es uno de los mejores regalos que el viejo canalla nos pudo dejar, de esos que llegan sin papel y sin lazo pero perviven en casa.

Autor: César Prieto

Más información: Tributo a Serge Gainsbourg

Mp3: L'Anamour

Youtube: El video de la canción

81 - "Mr.Tambourine Man", The Byrds

2007-08-16T12:04:00.000+02:00

álbum: Mr.Tambourine Man
año: 1965
sello: Columbia Records
"Hey! Mr. Tambourine Man, play a song for me,
I'm not sleepy and there is no place I'm going to."

¿Cómo llega uno a una canción? Son múltiples los vericuetos que te conducen a una canción, y más a una canción inmortal como la que nos ocupa, pero os voy a contar cómo llegué yo a "Mr. Tambourine Man". Leí un extenso artículo en la revista Rock de Lux (posiblemente allá por 1991) y me enamoré de este grupo sin haber llegado a escuchar (al
menos, conscientemente), ni una sola canción suya. Así que con unos ahorrillos que conseguí me regalé a mi mismo, aquellas navidades, una caja con un buen montón de grabaciones de los Byrds. Yo siempre los pronunciaba "Bairds" para asombro de la boquiabierta dependienta de El Corte Inglés que me atendió. Creo que me costó 3200 pesetas la caja con cuatro CDs (etiquetados como "We have ignition", "Cruising
Altitude", "Full Trottle" y "Final Approach", haciendo un símil con las fases de un vuelo espacial). Era mi primer box-set y lo disfruté intensivamente. Creo que llegué a escuchar cada CD infinidad de veces.

Gracias a The Byrds aprendí a respetar a Bob Dylan, a quien he de confesar que odiaba por aquel entonces (sólo me gustaba su "Changing of guards"). Gracias a The Byrds y a un profesor de inglés que nos explicó de maravilla la letra de "Mr. Tambourine Man", algo parecido a lo que hace el personaje de Michelle Pfeiffer en la película "Mentes peligrosas" (1995).

Ahí me di cuenta de que las canciones de Dylan eran grandes y sus letras, inmensas.

Pero, como me ocurre con otras canciones que The Byrds versionearon del señor Zimmerman, prefiero la versión a la original. Muchas veces, en discusiones de pajilleros musicales, ha surgido el tema de versiones que molan más que las interpretaciones de los originales. Y aunque evidentemente sobre esto se puede discutir muchísimo, para mi este es un caso paradigmático de versión mejor que la original. Las armonías vocales (Gene Clark, David Crosby...), la rickenbacker de 12 cuerdas de Jim/Roger McGuinn... el tono general de la canción. Siento decirlo, pero... ¡no hay color!

The Byrds fue una especie de supergrupo que nació en la soleada California de los sesenta. Al principio, se sospechaba de que fueran un grupo prefabricado al estilo The Monkees (de hecho, la sección rítmica del primer single, la canción que nos ocupa, fue grabada por músicos de estudio). Sin embargo, poco a poco, fueron demostrando que eran mucho más que eso, hasta el punto de ser presentados por la
prensa como la respuesta americana a los Beatles.

No sé. Lo que está claro es que The Byrds fueron muy grandes: promovieron el folk-rock, se pasaron a la música de colores ("Eight miles high"), inventaron el country-rock cuando finalmente Gram Parsons se enroló en sus filas...

Y todo empezó con esta canción, "Mr. Tambourine Man", una canción que todavía no había publicado Bob Dylan cuando llegó a Jim Dickson (manager), quien se la ofreció a nuestros alegres chicos con el pelo de paje, quienes... sencillamente la reinventaron. La grabaron en enero de 1965, llegó a las tiendas el 12 de abril de ese año y prontó llegó al número 1 de las listas.

Hace un tiempo presté mi caja a un amigo al que no veía con demasiada frecuencia. Mi amigo prestó la caja a otro amigo... la cosa se complicó y llegué a temer haber perdido aquel preciado cofre. Sin embargo, contra todo pronóstico, lo recuperé y volver a escuchar aquellas canciones fue una experiencia tan placentera e iniciática
como lo había sido el primer día, cuando llegué a casa, abrí la caja, desprecinté los CDs y comencé a escucharlos con avidez, al tiempo que devoraba el librillo incluido.

Autor: Pedro Blasco

Más información: Byrds Online Appreciation Society
http://members.aol.com/byrdsonlne/byrdsstuff/byrds.htm
En español www.los60.es/byrds.html

Mp3: Mr.Tambourine Man

Youtube: The Byrds reunidos ya de mayores interpretan esta estupenda canción con un invitado de lujo.

Por si os quedáis con ganas:
Una actuación de TV en 1965

82 - "Debaser", Pixies

2007-08-08T13:08:00.000+02:00

álbum: Doolittle
año: 1989
sello: 4AD
"Ha Ha Ho Ho"

Bailar no es mi rollo así que mi sitio habitual en una discoteca es cerca a la barra o sentado degustando alguna bebida, no en el centro de la pista. Pero hay canciones que, aunque no quiera, me mueven allí. Debaser es una de ellas.
No lo puedo evitar. Oigo la línea de bajo inicial y me lanzo a moverme espasmódicamente agitando los brazos, a gritar rompiéndome la garganta, a saltar como si no hubiera un mañana, a creer que tengo una guitarra en las manos y puedo tocarla mientras me inclino hasta rozar la pared con la frente.
No, no es necesario estar borracho y tampoco es exactamente bailar. De la misma forma que Frank no está cantando sino que brama para que a su hermana no se la lleven los marcianos y Joey le ayuda lanzando rayos de plasma desde su guitarra mientras Kim y David intentan aportar algo de cordura sin acabar de conseguirlo.
Si no conoces la canción, te invito a escucharla y a tratar de entender a qué me refiero. Aprieta ese botoncito tan majo. Y si ya la conoces, ¡qué te voy a contar!
¿Ya la estás escuchando? Sí, creo que te oigo gritar DEBASER desde aquí.
Supongo que no te añade más placer que la letra hable de “Un perro andaluz”, la película de Buñuel, que mencione que los Pixies se reunieron de nuevo para dar una serie de conciertos que les trajeron al Primavera Sound de Barcelona o que te anime a no perderte otros bombazos del grupo.
Lo entiendo perfectamente. Es evidente que lo importante reside en esos 3 minutos y pico de música. ¿Cuántas veces has apretado Play? ¿Seguro que no quieres hacerlo otra vez?

Autor: J.J.S.

Más información: http://www.4ad.com/pixies

Mp3: Debaser

Youtube:Debaser

83 - "Gettin'away with it (all messed up)", James

2007-08-06T10:29:00.000+02:00

álbum: Pleased to meet you
año: 2001
sello: Mercury Records
"Daniel's saving Grace
He was all but drowning
Now they live like dolphins"

Difícil hablar de esta canción, y es que en cuanto suena el primer acorde, una sensación extraña me invade, y la carne de gallina trepa desde mis muñecas brazos arriba. Justo es empezar reconociendo que descubrí a James tarde y de manera totalmente casual. Nos ponemos en antecedentes: Benicassim, año 2001. Ningún escenario me llamaba la atención poderosamente, con lo que, cerveza en la mano, lentamente llegamos al escenario grande a ver a unos tales James que habían sido confirmados a última hora. Y allí, sin saber quienes eran, escuché por primera vez Getting away with it… y se produjo uno de esos momentos mágicos que la música regala de vez en cuando. El público desapareció, la música sonaba sólo para mí y Tim Booth (de aquella no tenía ni idea de quién era el tío aquel que se contorsionaba de esa manera sobre el escenario) me dedicaba a mí y sólo a mí aquella pequeña maravilla, 5 minutos que se grabaron en mi cerebro. Al despertar de aquello, ya no pude evitar bailar y saltar durante todo el concierto de esos desconocidos, convirtiéndose en uno de los conciertos de aquel FIB y, aquella canción, en una de mis favoritas para siempre. Evidentemente, la semana siguiente corrí a la tienda a comprar los discos de James, a leer sobre ellos y, con el tiempo, a desplazarme para verles (aquel concierto de despedida en La Riviera, el regreso en el summercase del 2007…) y siempre, siempre que arranca el primer compás de Getting away with it…aparece esa sensación extraña.

Autor:Meru

Más información: Página oficial

Mp3: Gettin'away with it (all messed up)

Youtube:En directo