Todo empezó como un juego. Como siempre empiezan estas cosas. Un grupo de chalaos por la música, los deportes y las mujeres se enzarzan en discusiones bizantinas sobre canciones, sistemas de votación, ordenación, y todas esas fruslerías. Una buena excusa para repasar algunas de las mejores canciones internacional de todos los tiempos . Una lista que, como todas, es subjetiva y sobre la que no se ponen de acuerdo ni siquiera los individuos que la perpetraron...

lunes, 29 de diciembre de 2008

39 - "Pictures of Lily", The Who

  • álbum: single con “Doctor, doctor”
  • año: 1967
  • sello: Polydor

  • "If only I'd been born in Lily's time
    It would have been alright"


Viendo el video de la canción aquí incluido, y la cara de niño bueno de Roger Daltrey hace difícil imaginar lo que fueron The Who en su momento: uno de los grupos de rock con los directos más salvajes en los sesenta. The Who son parte de la historia del rock, pasando del movimiento mod y el rythm and blues a contribuir a dar forma a otros estilos como la psicodelia, el power pop, el brit pop o incluso el punk y la (ejem…) opera rock.

Aunque también es cierto que Daltrey era realmente el niño bueno de la banda en comparación con Pete Townsend y, sobretodo, Keith Moon. Keith no fue solo uno de los mejores baterías de la historia, sino que también representaba todos los estereotipos del sex, drugs & rock’n’roll, siendo su vida merecedora de una película que finalmente será realizada por Mike Myers (glups).

Volviendo a la canción, contiene una de las melodías más pop y adictivas compuestas por Townsend. Lily, de la que habla la letra, es una pin-up que aparece en unas fotos que un padre da a su hijo para “aliviar” sus noches y pueda dormir mejor. Desafortunadamente el chaval se enamora de Lily y pregunta a su padre donde encontrarla, volviendo a la cruda realidad al descubrir que Lily murió antes de que él naciera. La voz de Daltrey le da a la canción la dulzura y la inocencia de un niño (“Lily, Oh Lily”) mientras que la guitarra de Townsend, la batería de Moon y la trompa tocada por el bajista John Entwistle en el puente, le dan la fuerza que caracteriza a The Who. Es una pena que esta canción no fuese incluida en ningún disco del grupo, haciéndola menos conocida que otros de sus hits durante muchos años. Afortunadamente, las múltiples recopilaciones posteriores la pusieron en su lugar.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Pictures of Lily





Youtube: Video de la canción

lunes, 10 de noviembre de 2008

40 - "Losing my religion", REM

  • álbum: Out of Time
  • año: 1991
  • sello: Warner Bros

  • "That was just a dream"

¿Quien podría imaginar que aquel día en que Peter Buck se aburrió de su guitarra y decidió pasar un rato en el sofá tocando la mandolina se iba a convertir en uno de los momentos fundamentales de la historia del pop-rock alternativo, AOR y otros muchos géneros más?

¿Se imaginaría él que esa simple situación daría a luz a un punto de inflexión en la carrera de su grupo REM, que les haría perdurar para siempre y que les otorgaría el derecho a transitar por un camino de rosas para los restos?

La historia es caprichosa e igualmente así se muestra en la musica. Con Losing My Religion todos ganamos, nosotros tuvimos nuestro himno generacional que disfrutamos hasta la saciedad en garitos, bares y antros y los de Athens ganaron el cinturón de oro, el campeonato del mundo, el cetro del buen gusto para reinar a partir de ese momento el rock de la corriente principal.

REM, los campeones del mundo del dinosaur-rock. Y no sr. Stipe, esta vez no fue un sueño.

Autor: Verne

Más información: Myspace

Mp3: Losing my religion




Youtube: Video subtitulado

lunes, 3 de noviembre de 2008

41 - "Stockholm Syndrome", Yo la tengo

  • álbum: I can hear the heart beating as one
  • año: 1997
  • sello: Matador

  • "No, don't warn me
    I know it's wrong, but I swear it won't take long
    And I know, you know,
    It makes me sigh; I do believe in love

    Another season, but the same old feelings
    Another reason could be
    I'm tired of aching, summer's what you make it
    But I'll believe what I want to believe"

I do believe in love. Una declaración de principios, de esas que con cierta frecuencia me ayudan a entender mis propios motivos, mis por qué. Se me ocurre que quizás una idea similar pudo llevar a los YLT a titular esta belleza como “Síndrome de Estocolmo”. Probablemente, más a menudo de lo que somos capaces de darnos cuenta, las relaciones afectivas funcionan de esta manera. Probablemente, si fuésemos capaces de darnos cuenta, esas relaciones dejarían de ser afectivas. El espacio para el corazón sería mucho más estrecho y cada canción no sería más que un conjunto de notas que acompañan bien o se dejan acompañar, por un conjunto de palabras. Es mucho más hermoso un mundo en el que nos dejamos secuestrar por los afectos, por los amores, por las emociones. Es mucho más hermoso creer en lo que queramos creer.
Autora: Rosa

Más información: http://www.yolatengo.com/

Mp3: Stockholm Syndrome




Youtube: En directo

sábado, 25 de octubre de 2008

42 - "20th Century boy", T-Rex

  • álbum: 20th century boy (single, también en algunas ediciones de Tanx)
  • año: 1973
  • sello: EMI

  • "I move like a cat, charge like a ram
    Sting like a bee, oh babe I wanna be your man"

Mi hermano está temblando como un flan. Intento decirle que no respire tan fuerte, pero en realidad me estoy oyendo a mí mismo. Esta oscura cocina industrial está llena de recipientes que tintinean al rimot del tiritar de nuestras manos. Hace frío e intento aguzar el oído para escuchar dónde están ahora los velocipoptores. Es terrible.

¿Cómo podía pensar hace 10 minutos cuando nos encontramos al primero de ellos que nuestra situación pasaría a ser tan terrible? Oscilaba lentamente mirándonos cariñosamente sumido en una especie de sueño letárgico. Pero era una simple treta. De repente, alzó sus garras y chilló para alertar al resto de la manada mientras se lanzaba a por nosotros. Desde la colina corrimos como locos hacia el restaurante y creímos estar a salvo tras cerrar las puertas a nuestra espalda.

Sólo un momento más tarde un escalofrío recorrió nuestra columna cuando vimos que la manija se balanzeaba al ritmo descompasado de unos arañazos chirriantes en el hierro. Nos giramos buscando una salida y sólo encontramos una puerta basculante con estúpidas inscripciones desfasadas. Tras ella, esta cocina y los armarios donde nos hemos escondido.

El corazón se nos desboca cuando desde la pequeña habitación que nos hemos construído oímos el batir de la puerta que acabamos de cruzar. Una, dos, tres veces. Hay tres velocipoptores caminando lenta, pero inexorablemente por los pasillos. Husmean el aire y se acercan al final de la cocina donde se vislumbra un congelador.

Mi hermano parece al borde de un colapso nervioso y le obligo a mirarme para hacerle entender que debemos huir de ahí. ¡A la de 3!, susurró mientras me imagino aterrada a las criaturas girándose hacia nosotros. Agradezco en mi interior el silencioso deslizar de las ruedas metálicas del armario. Alzo un dedo, un segundo y al tercero nos lanzamos por el pasillo como si no hubiera un mañana. Los velicipoptores intentan correr a por nosotros pero sus afiladas uñas resbalan en el suelo encerado de la cocina y eso nos da un pequeño margen como para alcanzar la puerta basculante mientras lanzamos cacharros de cocina a nuestro paso.

Al salir al exterior, cuando oímos lo que deseamos que sea un tropezón, el sol nos deslumbra, pero nunca nos había parecido tan bello. Ni siquiera en la playa. Pero la alegría es muy corta. Una lluvia de cristales nos indica que los tres velocipoptores también han salido. Ahora se relamen, casi sonríen saboreando nuestra tierna carne. Sólo me queda decirle a mi hermano cuánto le quiero. Y entonces...

Un rugido monstruoso corta el aire paralizando a nuestros cazadores. Oímos unos pesados pasos que acceden al claro donde estamos y todos podemos ver a un gigantesco tiranosaurio que nos mira desde la altura. Uno de los velocipoptores se lanza valientemente contra el nuevo enemigo que casi sin querer lo engancha entre sus fauces y lo agita fuertemente para romperle la columna con un fuerte chasquido que parece un grito. Tira el cádaver contra el suelo y rebota varias veces. Pom, pom, pom. El T-Rex no pierde el tiempo y ataca rápidamente a sus enemigos. Sus dientes afilados rasgan fácilmente la piel de los velocipoptores con un chirrido agudo de los que hacen brotar la sangre.

Sólo entonces se digna mirarnos. A pesar de que unas ramas parecen ocultar sus ojos, sabemos que pronto vendrá a por nosotros. Y lo estamos deseando.

Autor: Mic Crichton

Más información: En castellano

Mp3: 20th Century boy




Youtube: Sudoroso video de la canción

lunes, 6 de octubre de 2008

43 - "(What's so funny 'bout) Peace love & understanding?", Elvis Costello

  • álbum: Armed Forces
  • año: 1979
  • sello: Columbia

  • "And each time I feel like this inside,
    There's one thing I wanna know:
    What's so funny 'bout peace love & understanding? Ohhhh
    What's so funny 'bout peace love & understanding? "

Será por canciones de Elvis Costello. Pues hemos ido a elegir una que no compuso él. Lo hizo Nick Lowe en 1970, aunque la versión más famosa sea esta de la que hablo. Nick Lowe era, por cierto, el productor de Costello y los Attractions cuando se grabó.
Tiene aires de himno, de grito de rabia, pero uno no llega a saber si está llena de pesimismo o de optimismo invencible. ¿Qué tienen de raro la paz, el amor y la comprensión? En serio, ¿qué tienen de raro?. Eso se pregunta este señor de gafas, que por cierto se llama en realidad Declan Patrick MacManus (se comprende que eligiese otro nombre artístico), con una intensidad que emociona. Algo tendrán de raro, desde luego, cuando la cuestión sigue sin respuesta después de décadas preguntándolo con toda esa emoción que transmite la canción. Que además de gran compositor es un intérprete enorme. Pocos hay como él.

Decía al principio que esta es la versión más famosa. O quizá la segunda, después de la que Bill Murray le canta a Scarlett Johanson en Lost in Translation. También muy intensa... a su manera.

Autor: Ángel

Más información: Página oficial

Mp3: (What's so funny 'bout) Peace love & understanding?




Youtube: Video en directo (2006)

lunes, 29 de septiembre de 2008

44 - "Strawberry fields forever", The Beatles

  • álbum: Magical Mistery Tour*
  • año: 1967
  • sello: Parlophone

  • "Let me take you down, 'cause I'm going to Strawberry Fields.
    Nothing is real and nothing to get hung about.
    Strawberry Fields forever."

*(Fue editado como doble cara A, junto con “Penny Lane”, pensado como un single independiente, aunque posteriormente fue incluida en el “Magical Mistery Tour”)
Sé que mucha gente (incluso en la lista origen de este Top) se escandaliza por lo que voy a decir, pero lo pienso: los Beatles están sobrevalorados. No voy a negar su importancia en la historia del Pop (muchísima). No voy a negar la tremenda influencia en miles de otros compositores y grupos. Y es imposible no caer rendido ante alguna (bueno, vale, muchas) de sus canciones. “Strawberry Fields” es una de ellas.

Los primeros segundos de la canción, con ese sonido de melotrón, entran directamente en la historia de la música junto con el inicio de la melodía (“Let me take you down/ Cause I’m going to…”) cantado por la voz doblada de Lennon. Merece la pena sentarse a escuchar la canción atentamente. Recrearse en esos cellos, trompetas, maracas, sonidos reproducidos al revés… todos esos retazos que componen la canción y que buscaban recrear la sensación que producía el LSD, tan idolatrado por los músicos en aquella época, terminando el “viaje” con un fragmento de caos y psicodelia.

Hasta aquí estamos de acuerdo. Pero aún reconociendo la importancia del grupo de Liverpool, es necesario subrayar la importancia de otros artistas que también contribuyeron de manera definitiva al desarrollo de la música pop, y que no reciben la unánime aclamación que reciben los Beatles. Brian Wilson y sus Beach Boys con “Pet Sounds”, The Zombies con su “Odissey and Oracle”, Arthur Lee y Love con “Forever Changes”, hicieron discos más perfectos y redondos que cualquiera de los Beatles, discos en los cuales cada segundo de música encaja perfectamente con el resto.

Su importancia para la música Pop como hoy la conocemos es indiscutible, así como la de The Byrds, The Hollies, The Kinks u otros más desconocidos como Sagittarius con su “Present Tense”. Y no estoy negando la importancia de los Beatles. De hecho, pienso que “Rubber Soul” y “Revolver” son dos discos increíbles, casi perfectos, y que incluso los artistas que aquí menciono, han sido muy influenciados por The Beatles (y viceversa, en algunos casos). Simplemente reivindico más reconocimiento para otros grandes grupos que no obtienen las infinitas alabanzas que siempre se rinden a John, Paul, George y, en menor medida, al simpático Ringo. Todo esto es una opinión personal, y habrá muchos que argumenten que esos grupos que menciono sí han tenido el reconocimiento merecido. Puede que lo hayan tenido a nivel de críticos y expertos, pero no a nivel del gran público (aunque bueno, ahora que lo pienso, ¿es importante lo que opine el gran público?). Además, ellos son culpables de la introducción en la música Pop del sitar. Y eso no se lo perdono…

Autor: Rafa Llarena

Más información: Página oficial

Mp3: Strawberry fields forever




Youtube: Video de la canción

jueves, 25 de septiembre de 2008

45 - "Sweet Jane", The Velvet Underground

  • álbum: Loaded
  • año: 1970
  • sello: Warner Records

  • "Heavenly wine and roses
    Seems to whisper to her when he smiles"

Jack se pone corsé. Jane viste chaleco. La década acaba de cambiar. Lou Reed es el líder absoluto de la Velvet Underground (los fans de verdad llamamos a esta vaginal banda en femenino). Sucesivamente, se había deshecho de otros genios como John Cale, Nico o el mismo Andy Warhol que, aunque en diferentes aspectos aportaban grandes dosis de magia a VU, también rivalizaban con el gran ego del tío de las gafas de sol.

Se acaba de terminar la década del amor y las flores, y empieza la década del cuero y las drogas. Drogas duras, que era lo que se consumía entonces. Veo historias corriendo paralelas a la canción. Historias de gente con dobles vidas. Una vida vacía por la noche y otra vida vacía por el día. Y lo único que les hace seguir adelante es la música. La música que escuchan por la radio, como esta “Sweet Jane” que aún hoy, cuando ya hace muchos años que el youtube mató a la estrella de la radio, se puede llegar a escuchar en algunas emisoras.

La Velvet Underground cambió el mundo del rock. Y volvió a colocar la efervescente escena neoyorkina en el mapa. Tenían “what it takes”: actitud, virtuosismo, ganas de experimentar, espíritu libre, genialidad… y por si todo esto fuera poco, tenían un mecenas. Andy Warhol decidió apadrinarlos y durante un tiempo fueron lo más en las fiestas del Village. Encima les endilgó como vocalista una guapa modelo alemana, que daba el toque sofisticado a la banda. Todo ello, junto a las espectaculares proyecciones estroboscópicas con que Warhol acentuaba la puesta en escena del combo neoyorkino, lograron que el primer disco (el del plátano) fuese muy esperado por la crítica. Por la crítica especializada. Por la crítica muy especializada. De hecho, el disco pasó bastante de puntillas por el radio play y sólo años después se le empezó a reivindicar en sucesivas oleadas. Ahora viene a cuento aquella frase que dice que “Velvet Underground & Nico” fue comprado en su primera edición sólo por 1000 personas, pero que todas ellas, una vez escuchado el disco, montaron un grupo. Me molan estas frases maximalistas de difícil demostración, qué le voy a hacer.

Vinieron después tiempos más o menos convulsos y cuando Lou Reed se quedó como líder omnímodo de la VU empezó a demostrar que también sabía componer canciones clásicas de buen rock’n’roll, como la que nos ocupa. De hecho, el mohíno señor Reed es un compositor prolífico en clásicos. Gusta también, y en eso hay gente que no está de acuerdo con él, de modificar sus canciones a lo largo de los años. En el caso que nos ocupa la ha cambiado para mejor varias veces (para mi la mejor es la que salía en el directo “Rock’n’roll animal”), incluso, según cuentan, cambiando los acordes y las claves en que la toca. Es lo que tienen los genios.

Autor: Pedro Blasco

Más información: The Velvet Underground en castellano

Mp3: Sweet Jane




Youtube: The Velvet Underground interpreta en directo “Sweet Jane”

lunes, 22 de septiembre de 2008

46 - "Ever fallen in love", The Buzzcocks

  • álbum: Ever fallen in love… (with someone you shouln’t’ve)?
  • año: 1978
  • sello: Commplete Music

  • "Ever fallen in love
    In love with someone
    You shouldn't've fallen in love with"

No os lo vais a creer, pero hace apenas dos o tres años que conozco esta canción. Yo, que soy fan desde 3º de B.U.P. (¡qué antiguo eres!) de The Jam, The Clash, The Undertones, y de cualquier grupo británico de finales de los setenta que empezara por The.

En realidad ya conocía a los Buzzcocks desde hacía bastante tiempo por un álbum que tenía por ahí, pero mi pésimo criterio dictó por aquel entonces que no le llegaba a la suela de los zapatos a un “All mod cons” o a un “Never mind the bollocks”. Ni tan siquiera a un “Sandinista”, supuesta mancha negra en la discografía de los Clash (opinión que no comparto, por cierto). Así que dejé al grupo en el olvido durante un buen puñado de años, a pesar de que mucha gente me decía que me iban a encantar, que habían tocado de teloneros en el mítico concierto de los Sex Pistols en Manchester y bla bla bla.

Pero la casualidad quiso que me tropezara a buen precio con el maravilloso recopilatorio “Singles Going Steady”, así que decidí darles una oportunidad. Y vaya oportunidad, todas las canciones me atraparon, pero especialmente “Ever fallen in love”, ese trallazo de dos minutos y poco, con ese inicio de guitarras demoledor, esa voz tan sugerente y, sobre todo, ese estribillo tan pegadizo. No sé la de veces seguidas que me puse esta canción, como en aquella gran época de descubrimientos musicales en la que las melodías iban directas a la vena. Desde entonces me vuelvo loco cada vez que la escucho.

Por cierto, hace poco me volví a poner el disco de los Buzzcocks que tanto tiempo ignoré, y para mi sorpresa llevaba un montón de canciones que también aparecían en el “Singles Going Steady”. Ya ves, a veces los discos esperan pacientemente años y años criando polvo en tu estantería hasta que un buen día los rescatas. Ingratos que somos.

Autor: Jorge Royo

Más información: Página oficial

Mp3: Ever fallen in love




Youtube: Hace más de 30 años...

lunes, 15 de septiembre de 2008

47 - "Goddess on a highway", Mercury Rev

  • álbum: Deserter's songs
  • año: 1998
  • sello: V2 Records

  • "and I know it ain't gonna last"

Cuando una relación es explosiva lo normal es que no dure mucho. Pongámonos en situación: un coche a toda velocidad por la autopista llega antes al destino pero no disfruta del paisaje, de los pequeños detalles que hacen que un viaje te llegue al corazón. Pues eso es lo que nos cuentan Mercury Rev en esta canción. La pasión desatada puede hacer secar el río demasiado pronto y que una relación termine precipitadamente.

De todas formas esta es mi interpretación de lo que cuenta la letra, igual me equivoco (casi seguro después de ver el video de la canción) pero al menos a mí me gusta imaginarlo así. Además en lo musical la sensación pasional se ve perfectamente reflejada en ese momento monumental cuando entra la instrumentación al completo con el órgano retorciéndote las entrañas. Por lo demás, la canción está llena de sutilezas (ese tecladito sonando a campanilla cuando canta "Far above the ocean, deep under the sea there's a river running dry because of you and me").

En definitiva, no está mal ser de vez en cuando un fitipaldi en un momento puntual de la vida aunque yo personalmente siempre preferiré vivir las relaciones en un seiscientos para no perder detalle.

Autor: Jose

Más información: Página oficial

Mp3: Goddess on a highway




Youtube: Video de la canción

martes, 9 de septiembre de 2008

48 - "Man on the moon", R.E.M.

  • álbum: Automatic for the people
  • año: 1992
  • sello: Warner Bros


  • "If you believed they put a man on the moon, man on the moon.
    If you believe there's nothing up his sleeve, then nothing is cool."


El otro día paseba con mi hijo y me preguntó dónde estaban los ojos de la luna. Me fijé en ella y vi que estaba en cuarto creciente así que le tuve que contestar que estaban escondidos. "¿Y la boca?", insistió. "También", volví a contestarle. No estoy seguro de que se quedara muy satisfecho, pero me hizo pensar en cuántas personas habrán visto la cara de la luna.

Porque la luna tiene una cara. Porque hay un hombre en la luna. Probablemente se pasea por allí mientras se busca pelos en la palma de la mano. Que, como todo el mundo sabe, es signo de locura. Encontrarlos. Y puede que buscarlos también.

Este hombre llegó allí desde Caspiar para imitar a todos los selenitas famosos. El mejor, Elvis. Que vive allí, delgado para siempre en un burdel del Mar de la Tranquilidad. Allí, cuando acaban los campeonatos de lucha libre mixta, sube al escenario para cantar junto al mítico Tony Clifton mientras la abuela de ambos come galletas en una esquina.

Una vez al mes dejan entrar al burdel, que se llama Jerry's Famous Deli, a luchadores y cantantes que se consideran profesionales. La última vez, Jerry Lawler y Andy Kaufman acabaron derrotando al dúo formado por Batista y Rey Misterio. Fue asombroso comprobar que debajo de la máscara del segundo estuviese Jack Black. En ese mismo instante, Jack White intentaba recordar cómo se hacía buena música en el escenario mientras veía a un grupo liderado por un calvo cantar una canción sobre un hombre en la luna.

Autor: Mic Carrey

Más información: Página oficial

Mp3: Man on the moon




Youtube: Descriptivo video de la canción.

martes, 26 de agosto de 2008

49 - "Wouldn't it be nice", The Beach Boys

  • álbum: Pet Sounds
  • año: 1966
  • sello: Capitol Records

  • "¿No sería estupendo/
    /Si pudieramos despertarnos/
    /Por la mañana cuando el día es nuevo/
    /Y después de eso pasar el día juntos/
    /Abrazándonos fuerte durante toda la noche?"

La canción que abre el para muchos mejor disco de la historia del Pop. Y también la, quizá, más optimista del mismo. La puerta de entrada al Pet Sound. Carne de Top100 de VS. Una canción para susurrársela a tu persona amada y proponerle iniciar un viaje vital juntos. Brian Wilson en su plenitud compositora y creativa. Una obra maestra.

El “Pet Sound” está lleno de canciones de temática muy introspectiva. El álbum es básicamente un Brian Wilson que empezaba a romper el cascarón de sus limitaciones psicológicas, tendencia a dejarse manipular por aprovechados de turno (su padre, Mike Love, años después el Dr. Landy…) y una timidez crónica que le impedía llegar al siguiente nivel creativo. Es Brian confesando sus sentimientos delante de un piano y dándoles forma de notas. De hecho, con este disco el genio de Hawthorne inauguró una nueva de composición: componer retazos de canciones, fragmentos musicales que llamó (precisamente) “feels”. Luego Brian y Toni Asher, su mano derecha y héroe olvidado de la producción de este disco, le darían forma de partitura en largas sesiones productivas. El resto de los Beach Boys no fueron más que los “mensajeros” de Brian, como reconoció Dennis Wilson.

Así, “Pet Sounds” está lleno de hermosas canciones que nos remiten a instropecciones de aquel Brian: sentimiento de no pertenecer a la sociedad en la que vives (“I Just Wasn’t Made For This Times”), Cínicos cantos al desamor (“Here Today”), instrumentales escapistas (“Let’s Go Hawai For A While” y la que da título al disco), temas que remiten a un deseo por acurrucarse en el apoyo y regazo de la persona amada para refugiarse del resto del mundo (“You Still Believe In Me” y “Don’t Talk (Put Your Head In My Shoulder”) o incluso de la primera consciencia del paso del tiempo a )los veintitantos al descubrir el cambio en un amor adolescente (“Carolina No”) y de los escarceos con las drogas que inspirarían tantas obras maestras de los 60 (la polémica “Hang On To Your Ego”, censurada por la presión de Mike Love y transformada en “I Know There’s An Answer”).

Sin embargo, “Wouldn’t It Be Nice” nos regala un inicio alegre del disco, avisando de lo que iba a llegar si dejabas el disco rular hasta el final: las hermosas melodías vocales de los Beach Boys apoyadas por el “Wall of Sound” creado por la pléyade de músicos de estudio que Brian reunió para la ocasión, los cuales se involucraron en la grabación de “Pet Sounds” más allá de sus obligaciones profesionales en sesiones maratonianas hasta la madrugada (allí no quería irse nadie). Por su temática optimista, de proponer a la persona amada el paso de vivir juntos y casarse, “Wouldn’t it be nice?” está directamente emparentada con otra canción del disco muy celebrada por los aficionados décadas después: God Only Knows.

Hay gente que ha utilizado “God Only Knows” como música inaugural de su boda. Pero, ¿no os parece que Wouldn’t It Be Nice es la canción ideal para declararse?

Autor: Dani Simón

Más información: Página oficial

Mp3: Wouldn't it be nice




Youtube: Video original de la canción

martes, 19 de agosto de 2008

50 - "If you need someone", The Field Mice

  • álbum: The Autumn Store Pt. 1
  • año: 1989
  • sello: Sarah Records

  • Imposible escoger una única frase

Siempre lo he dicho, si tuviese que elegir a alguien para que me escribiese una canción para una chica, o bien para una exnovia, elegiría a Bob Wratten.

Él, junto a Michael Hiscock, fundaron The Field Mice, grupo de referencia del exquisito sello discográfico Sarah Records. A los dos ya mencionados, luego se unieron Mark Dobson, Anemari Davies y Harvey Williams. Tras su debut con el maravillos single “Emma’s house”, el grupo entregó durante sus 3 años de vida alguna de las más maravillosas canciones que el abajo firmante haya escuchado. Y entre todas ellas, quizás la más destacada (ahí ahí está Sensitive, también parte de este top100) sea If you need someone, una de las más bonitas declaraciones de amor. Es imposible extraer una frase de la canción, porque toda ella es perfecta, toda una descripción de sentimientos. Y si a la letra le unimos la voz de Bob Wratten, tan cálida, tan cercana, haciéndonos parte de la canción, haciéndonos sentir lo que él siente, nos encontramos ante una MARAVILLA, así, con mayúsculas.

Si algún día me caso, no habrá votos matrimoniales, no habrá lecturas evangélicas, no habrá artículos de la Constitución, tan sólo haría sonar esta canción:

If you need someone
to hold you
when you are afraid
I’ll hold you

If you need someone
to make you
happy when you're sad
I’ll try to

If you need someone
to tell you
everything
is gonna be all right
I can do that
I can do that

If you need someone
to make you
feel safer than safe
I’ll try to

If you need someone
to comfort you
when tears fall down your face
I’ll do what I can

If you need someone
to make you
feel any danger
is far away
I’ll do what
I can
I can

If you need someone
to tell you
everything
is gonna be allright
I can do that
I can do that
I can..

Creo que no haría falta decir nada más, ¿no?

Autor: Meru

Más información:

Mp3: If you need someone




Youtube: Versión amateur con ukelele.

lunes, 11 de agosto de 2008

51 - "Everyday is like Sunday", Morrisey

  • álbum: Viva Hate
  • año: 1988
  • sello: HMV

  • "Everyday is like Sunday, everyday is silent and grey"

Dos sentimientos me invaden al pensar en esta canción. Por un lado, es mi canción favorita de Morrissey (temas de los Smiths incluídos), capaz de ponerme la carne de gallina todas y cada una de las veces que la escucho. Por otro lado, es mi gran cuenta pendiente con el de Manchester (pronúnciese con acento de la zona: Manchestá); las veces que le he visto en directo, nunca la ha cantado. Así que me debes una, Mozz!

En 1988, justo después de la disolución de The Smiths, Morrissey publica su primer trabajo en solitario: Viva Hate, en el que mantiene el estilo de su anterior grupo.

El álbum contiene algunas de las mejores composiciones del titular, pero una canción destaca por encima de todas: Everyday is like Sunday, donde la voz de Mozz llega a conmover. Tema bastante depresivo que según dicen está inspirada en la ciudad turística de Mablethorpe, que con el pasar del tiempo quedó estancada y sin movimiento, incluso en temporada alta. Las referencias a Mablethorpe en la canción son notorias… “This is the coastal town that they forgot to bomb…” alude al hecho de que durante la segunda guerra mundial Mablethorpe fué la única ciudad costera del este de Inglaterra que no fue bombardeada. Aún así, son muchas las interpretaciones que se pueden dar a la canción, con ese ambiente triste, ese aire de melancolía y esa desazón que provocan en mucha gente los tristes y solitarios domingos..

Escondido en la rambla escribí una postal…
… cómo desearía tanto no estar en este lugar,
en la única ciudad del este
que olvidaron bombardear…
viene, viene, viene la bomba nuclear…

Pareciera que todos los días son como el domingo,
todos los días son silenciosos y grises.

Morrissey, me la debes!!!!!!!!

Autor: Meru

Más información:

Mp3: Everyday is like Sunday




Youtube: Video de la canción

miércoles, 6 de agosto de 2008

52 - "I wanna be adored", The Stone Roses

  • álbum: The Stone Roses
  • año: 1989
  • sello: Silverstone

  • "I don’t have to sell my soul, he’s already in me now"

I wanna be adored es la atmosférica canción que abre el maravilloso primer disco de los mancunianos The Stone Roses. En ella se reconocen perfectamente los tres pilares en los que se basaba el sonido de la banda: la peculiar voz de Ian Brown, las reconocibles líneas de bajo de Mani y el sonido de la guitarra de John Squire. Con esta formación nos regalaron uno de los discos imprescindibles de los 90 (aunque sea del 89) y se convirtió en todo un hito para una generación, mi generación. Después llegaría el incomprendido Second coming (1994), la desastrosa actuación en el Festival de Benicassim y la disolución del grupo. Las carreras en solitario de Ian Brown y John Squire no alcanzarían ni de lejos el brillo de sus dos primeros discos (veis aquel punto brillante allá a lo lejos?es mi talento…) y Mani se unió a la formación de Primal Scream (otros que tal bailan..)

La canción es totalmente hipnótica, una especie de mantra que evoluciona desde un lento cabeceo inicial a una explosión final, al grito de “I wanna, I wanna, I wanna be adored….”.

Siempre recordaré el escuchar esta canción en la añorada Sala Maravillas de Madrid, cuando la pista de baile se volvía literalmente loca, los primeros compases del bajo de Mani eran recibidos con auténticos aullidos, y la gente acababa saltando y gritando, y es que, en el fondo, todos queremos ser adorados…

Autor: Meru

Más información: Página oficial http://www.thestoneroses.co.uk

Mp3: I wanna be adored




Youtube: En directo en La Hacienda

sábado, 2 de agosto de 2008

53 - "Sugar baby love", The Rubettes

  • álbum: Sugar Baby Love/You Could Have Told Me
  • año: 1974
  • sello: Polydor

  • "People... take my advice:
    “If you love someone,
    don't think twice”."

No suele fallar. Pueden ser sesiones aburridas y escasas o sesiones en que la pista revienta de poderío, pero siempre que pincho el Sugar Baby Love algo pasa, algo que no sé trasmitir muy bien pero que estoy seguro de que es importante. Suelo recibir con una sonrisa a quien viene a preguntar qué canción es esa. Siempre viene uno por lo menos. Se les reconoce a la legua ¡Dios de mi vida! ¡El Sugar Baby Love! ¿Qué puñetera magia tendrá esta canción para que coincida exactamente con las pulsiones de una noche de fiesta?

El falsete que la abre, cortesía de Paul Da Vinci, es antológico en la historia del rock y en mi historia personal. Acuda el lector a mi reseña sobre Anduriña en el blog hermano, leerá las circunstancias y conocerá que tuve un puñado de cintas de cassette en el propio 74 con esta canción. Provenían de Alemania -las cintas, digo- y dudo mucho que aquí se hiciera una promoción mínimamente digna. Quizás alguna actuación en la tele. Y esas cintas pasaban y repasaban una y otra vez por los rodillos de arrastre. Y dejaban entrever un magnetismo que a un niño de diez años le ha durado treinta más y que observa complacido en gente que no había escuchado nunca la canción.

Los primeros setenta, años de flores mustias y semillas esperanzadoras. Bubblegum-folk, cantautores, hard rock, psicodelia en declive, proclamas souleras, Canterbury y miles de estéticas. Todas abiertas, todas con naftalina y frescura a la vez. Hasta que llego el punk, excepto lo potenciado por la industria todo era deliciosamente amateur e ilusionado, ingenuo y abrumadoramente fallido. Mucho más que las canciones que se nos vendieron después.

Y el glam, claro, la estética que se dio cuenta de que lo verdadero era la apariencia. Y si en algún movimiento hubiera que asimilar a los Rubettes, sería en esto que aquí se llamó gay-rock desde el libro de Haro Ibars. Quizás a una corriente que potenciaba –como otros lo macarra, lo galáctico o lo melodramático- la actitud de los inicios del rock’n’roll. Solistas como Barry Blue o Alvin Stardust Grupos como Showaddywaddy, parte de los Bay City Rollers o nuestros Rubettes.

Pero vayamos por partes ¿de donde salió esta sublime y a la vez ingenua proclama trasnochada y highschoolera? Pues de la mente de un tío importante en la música de los 60 e indirectamente, déjenme decirlo, de los Beatles. Da miedo pensar que hasta el 77 cualquier grupo de Liverpool que se preciara había empezado en los Beatles. Por caminos insospechados, pero todos acababan siendo parte del cuarteto.

Bien, el caso es que el punto de conexión se llamaba Wayne Bickerton. Recuerden este nombre. Wayne Bickerton. Miembro de grupos de sexta fila dentro del Merseybeat, comparte grupo con Klaus Voorman y acaba formando parte de la banda que con la que Pete Best pretendía usar su tirón como ex –ambos definitivamente ligados a los Beatles- para hacer historia en la música. No lo consiguió, ni creo que esté a tiempo tras casi cincuenta años de carrera. Aunque actuar, sigue actuando. El caso es que, tras largarse al servicio social en 1966 sus dos compañeros se convirtieron en dos compositores de éxito. Wayne y Tony Waddington.

Éxito que llega también a España y también por caminos enrevesados. En 1968, la Columbia española decide dar el todo por el todo y envía a cuatro chavales que parecían tener prestancia para ser el sustituto natural de los Brincos o los Bravos a grabar a los estudios de la Decca en Londres. Era un dinero, eh. Y allí los Íberos, que de ellos se trata, graban bajo la producción de nuestros dos hombres una de sus composiciones, el Summertime girl. Cosa fina, pero sin repercusión más que en la sanción, muy posterior, de que se trataba del mejor grupo de sunshine pop en la península. Es curioso que dos canciones tan diferentes –y tan grandes- estén compuestas por la misma pareja.

Porque resulta que cinco años después ya encontramos a Bickerton, tras decenas de producciones, como jefazo de la Polydor. Y músico como sigue siendo, no deja de componer canciones. Así que el otoño de 1973 recluta a un puñado de instrumentistas y cantantes para que graben unas cancioncillas con objeto de ofrecerlas a los grupos del sello. Se reúnen en los estudios Landsdown de Holland Park y de allí surgen tres canciones que con el tiempo serán parte fundamental del pop de los setenta. Sobre todo una de ellas encandila a los otros directivos de la Polydor. Y se decide que sean los propios músicos de sesión los que probasen a editarla. Y así nacen Los Rubettes.

¿Grupo prefabricado? ¿Músicos de sesión reconvertidos? Pues sí, es cierto, pero no entiendo qué diferencia hay entre la ligazón de un líder o la de unos productores. Si al final, uno de los tópicos más detestable pero más cierto, lo que importa son las canciones. Y a ello se dedicaron John Richardson –el batería encargado de reclutar el resto del grupo entre sus amigos- , el guitarrista Tony Thorpe, el bajista Mick Clarke y el pianista Bill Hurd.

Otro teclista, Peter Arneses, y el vocalista, Paul da Vinci, eran músicos de estudio contratados. Este último fue el artífice de los gorgoritos originales, pero no llegó a formar parte del grupo. Cuando la canción tomaba altura como globo en huracán, decidió abandonar con la excusa de que no era hombre de grupo y que buscaría un futuro en solitario ¿cómo le fue? Pues no del todo bien, algún éxito menor, escenarios de barraca de feria y poco más. Así que Richardson busco a otro de sus amigos y así fue como tomó Allan Williams el micrófono. El último de los originales.

Y así es como se edita la canción. Montones de países la acogieron como número uno y llegó a editarse en voz de un francés llamado Dave que hasta construyó una versión en castellano. Entonces lo normal era tomar las bases de la canción y embutirla en versiones macarrónicas. Hoy se hace de tanto en tanto, el Girlfriend de Avril Lavigne, por ejemplo tiene una curiosa mezcla en nuestra lengua. Por cierto, en España sólo llegó a estar en un segundo puesto tapada por la no menos deliciosa Rock your baby de George McRae.

Tras ello Tonight y Juke Box Jive, otras de las dos canciones de esa sesión. A comienzos de 1975 Arnesen deja la banda. Casi al mismo tiempo Bickerton y Waddington deciden fundar su propio sello, State Records, y el primer fichaje son, como no, Los Rubettes. Allí editan su cuarto single y el último de cierta resonancia, I can do it. Y aquí paramos la historia que se ramifica en giros country, proyectos en solitario, discografía tortuosa, cambios y recambios y treinta años más de mayor o menor actividad. Desmesurado contenido quizás hemos expuesto, pero necesario para engarzar la joya que les abrió el camino.

¿Y cómo es esa joya? Pues escúchenla o recuérdenla y ustedes mismos se darán cuenta. Obsesiva y enganchosa, concentrada en el ritmo bailable de los coros, pero a la vez enormemente melódica. De hecho, se puede bailar perfectamente en la sesión de lentas y poco más tarde en el desbarre final. La melancolía de una letra sencilla entre decenas de trucos adolescentes. Ni más ni menos que un trozo de high school –el género, no el musical- ajeno al tiempo. Tres minutos y medio justos de pura sopa teenager. No iba a desentonar en American Grafitti.

Estaban algo avejentados, eso es cierto. Músicos curtidos que quizás se ajustasen más a los tempos recios y duros de sus singles posteriores. Además, tocaban hechos un pincel, lo cual les da un distinguido aspecto extravagante que rompe un poco la magia de una canción a la que cuesta asociar rostro. Sus pantalones elegantemente acampanados, sus gorras entre chulescas y deportivas, su uniformidad en los pasos y las americanas. Casi parecen un mal remedo de una canción que sólo parece ser efectiva en sueños.

Lo curioso del caso es que el grupo en primera instancia podría parecer descartado por hortera entre quienes tengan ahora el privilegio de la modernidad y entre quienes miren el pop desde la inteligencia. Y sin embargo son extrañamente adorados por músicos a los que se les puede acusar de todo menos de falta de honradez, de discernimiento y de criterio. He visto como José de TCR, Miguel de los Fresones Rebeldes o Alfonso de Terry IV casi hacían altar de sus escasos videos y de sus discos de vinilo. Tanta unanimidad sólo se puede explicar de una manera. Los Rubettes dieron, al fin y al cabo, con la canción pop perfecta.

Autor: César Prieto

Más información: http://www.rubettissimo.com/

Mp3: Sugar baby love




Youtube: El video más petardo de la canción

miércoles, 30 de julio de 2008

54 - "This charming man", The Smiths

  • álbum: The smiths
  • año: 1984
  • sello: Rough trade

  • "Will nature make a man of me yet?"

Hecho probado número 1: The smiths son uno de los grupos cuyo repertorio contiene un mayor número de canciones enormes, impresionantes, míticas, impepinables, redondas, perfectas.

Hecho probado número 2: The smiths se han convertido en una religión, que puede provocar que cuando 24 años después, más de 20 años tras su disolución, su cantante, Morrisey, con una carrera en solitario más que discreta, arroja una camisa sudada al público enfervorecido, éste se enzarce en una cruel pelea por conseguir un trozo de la misma. Todas esas canciones perfectas han tenido, por supuesto, algo que ver en la generación de este tipo de reacciones, pero no son ni mucho menos su principal causa.

Hecho probado número 3: aún no ha salido en este top 100 ninguna otra canción de The smiths, por lo que a juicio de sus autores “This charming man” NO es la mejor canción del grupo (sí, saldrán otras, no lo dudeis).

Hecho probado número 4: “This charming man” salió en single en Octubre de 1983, siendo el segundo single del grupo tras “Hand in glove”, y luego sería incluida en el primer disco del grupo.

Hecho probado número 5: en esta canción se juntan, como en cualquiera de su primer disco un maravilloso e inconfundible riff de Johnny Marr y una extravagante, indescifrable e inconfundible letra de S.P. Morrisey (no, no es Servicio Público, pero con estas canciones podría serlo perfectamente). ¿De qué habla? De ponerse guapo para salir y de acabar follando en el asiento del acompañante. Pero lo explica Morrisey, y cuando Morrisey explica algo todos somos él y todos nos sentimos igual de miserables, igual de desplazados, igual de tristes, igual de encantadores, igual de furiosos.

Veredicto: escuchados los hechos se considera probado que los acusados Morrisey/Marr han perpetrado decenas de canciones perfectas y se les considera culpables de cambiar la vida de cientos de miles de personas. Se les condena a quemar todas las portadas con la foto de Joe D’Alessandro y a sudar 80 millones de camisas, una para cada fan irredento. La sentencia es firme y ante ella no cabe recurso alguno. Se cierra la sesión.

Autor: Xurxo Benavente

Más información: Por todas partes (bueno, por lo estructurado y completo, me permito recomendar la web http://www.askmeaskmeaskme.com/)

Mp3: This charming man




Youtube: Video de la canción

viernes, 4 de julio de 2008

55 - "C is the heavenly option", Heavenly

  • álbum: Le Jardin de Heavenly
  • año: 1992
  • sello: Sarah Records


  • "A million reasons for wanting to carry on living to achieve

    A million things I am unlikely ever to carry out

    But I like the make-believe"

    Hopefulness to Helplessness (Marine Research)


Recuerdo perfectamente cuando vi el cartel del FIB 96. De entre todos los grupos que aparecían allí, entre The Jesus and Mary Chain y The Bluetones (presentando el nunca suficientemente valorado “Expecting to fly”), entre Lush y Stereolab, e incluso, al lado de The Stone Roses (obviamente, aún no sabía la que nos esperaba en ese concierto, ya sin John Squire), había un grupo que resaltaba entre todos para mí corazón indie pop de la época: Heavenly.



Tras la desaparición de uno de los mejores grupos del C-86, Talula Gosh, varios de los miembros de este grupo deciden formar Heavenly. Amelia Fletcher, su hermano Mathew, Peter y Rob (a los que más tarde se uniría Cathy) lanzan su primer single en Sarah Records. El sello de Bristol fue su casa durante muchos años, aunque terminaron su carrera en K records. Precisamente, esta canción está cantada a dúo por Amelia y Calvin Johnson, jefe de K. El contraste de la angelical voz de Amelia con el tono grave de Calvin, puede llamar la atención al principio. Pero al final la canción tiene ese encanto especial de las canciones de Heavenly que te atrapa. Melodías twee pop, toques punk, letras divertidas o ácidas, guitarras alegres… todo eso está contenido en las canciones de Heavenly.



Pero ese mismo verano, cuando ya tenía todo preparado para ir a Benicassim a saltar con esas canciones, la tragedia les golpeó cruelmente. Mathew, el hermano de Amelia y batería del grupo, decidió acabar con su vida. Cómo alguien relacionado con un grupo que representaba como nadie la alegría de vivir había llegado a esa situación, es algo que no pude entender. En ese momento, deciden terminar con Heavenly, pero resucitan tiempo después bajo el nombre de Marine Research.



Han pasado muchos años, y supongo que ahora soy más consciente que la música en general y el pop en particular es grande por eso. La música nos ayuda a evadirnos del mundo real, nos proporciona momentos de alegría o euforia, pero el mundo real sigue ahí. Y en situaciones como esa, como la pérdida de un hermano, te das cuenta de que hay muchas cosas por las que merece la pena seguir adelante.



Autor: Rafa Llarena



Más información: Una página extra oficial http://www.neohyper.com/heavenly/heav.htm



Mp3: C is the heavenly option
















Youtube: No hay video de esta canción. Ponemos otra joya, “Our love is heavenly”



martes, 29 de abril de 2008

56 - "Das Modell", Kraftwerk

  • álbum: Die Mensch Maschine (también salió en inglés con el título The Man Machine)
  • año: 1978
  • sello: Kling Klang / EMI

  • "Sie ist ein Modell und sie sieht gut aus
    Ich nehme sie heut' gerne mit zu mir nach Haus
    Sie wirkt so kuehl, and sie kommt niemand 'ran
    Doch vor der Kamera da zeigt sie was sie kann"

Kraftwerk o los deliciosos contrastes. Un grupo que conjuga a la perfección conceptos que aparentemente son contrarios. Porque, ¿cómo se puede conjugar tecnología y sensibilidad? ¿Progreso y decadencia? ¿Provocación e ingenuidad? ¿Qué otro grupo puede presumir de ser tan influyente siendo tan autocrático?

La Central de Energía acabó con las ideas (que aún conservan algunos) de que lo sintético no puede transmitir emociones. Esta célula de francotiradores estajanovistas se empeñó y consiguió demostrar que las máquinas no siempre tienen que sonar frías. Y en esta canción dan en el puto centro de la diana pop.

Kraftwerk no es sólo un grupo de música, es un concepto en sí mismo: con cada trabajo discográfico que entregaban aportaban una imaginería, una idea central, una coreografía, incluso un vestuario… Así fue, al menos, en el corpus central de su obra, aquella que va desde “Autobahn” (1974), “Radio-Activity” (1975), “Trans Europe Express” (1977), “The Man Machine” (1978), “Computer world” (1981) y “Electric Café” (1986). ¡Vaya colección de discazos puestos en fila!

Sólo por estos seis discos ya hay quien afirma que Kraftwerk son tan influyentes para la música popular de finales del siglo XX y principios del XXI como los mismísimos Beatles. No seré yo quien les acuse de exagerados.

Autor: Pedro Blasco

Más información: Página oficial de Kraftwerk

Mp3: Das Modell




Youtube: Actuación de Kraftwerk en una televisión alemana (1980)

martes, 15 de abril de 2008

57 - "Make it easy on yourself", Scott Walker and the Walker Brothers

  • álbum: Take it easy with the Walker Brothers
  • año: 1965
  • sello: Philips

  • "So, make it easy on yourself,
    ‘cos breaking up is so very hard to do"

Dicen que nadie es profeta en su tierra, y The Walker Brothers son uno de los ejemplos más claros. En la época en la que la rivalidad entre la pérfida albión y sus hermanos al otro lado del océano estaba en su mayor esplendor, ellos consiguieron ser número uno en campo contrario.
Claro que en este caso contaban con un arma muy potente, la firma Bacharach/David que se esconde detrás de esta joya. Bacharach había compuesto esta canción para su musa, Dionne Warwick, pero terminó en manos (o mejor dicho, en voz) de Jerry Butler, de The Impressions. Jerry no lo hizo mal del todo, pero fue la voz de Scott Walker la que más tarde la transformó en historia del pop. Luego llegarían muchos otros, desde la propia Warwick, hasta los actuales Ash usándola como esqueleto de su canción “Candy”.
La música de Bacharach está entre las más grandes melodías que ha escrito, y decir eso es mucho decir de un artista que componía cada canción como una obra completa y con vida por sí misma. Pequeñas obras maestras en tres minutos, llenas de matices, adornos y giros inesperados. En este caso, desde los arreglos de cuerda iniciales, que preceden a la sorprendente entrada de la voz, con la frase final del estribillo, hasta la explosión final con cuerdas, vientos y percusión, todo es perfecto. La letra de Hal David te deja un sabor amargo. Por un lado, el protagonista muestra su resignación y el amor que siente por ella, por otro lado te preguntas si simplemente intenta ahorrarse el dolor de pasar por la ruptura con el amor de su vida.
El legado de Bacharach/David es indiscutible, pero a su vez, Scott Walker dejó también una huella imborrable en la música pop que llega hasta nuestros días. Hace unos años leí en algún sitio a alguien que describía a Neil Hannon (autor de verdaderas joyas como “Casanova” y “A short album about love”) como el mini-yo de Scott Walker. Lo que es cierto es que ni The Divine Comedy ni Pulp, ni otros muchos grupos, hubieran sido lo mismo si no hubiesen escuchado antes a Scott y sus “hermanos”.

Autor: Rafa Llarena

Más información: Burt Bacharach
The Walker Brothers

Mp3: Make it easy on yourself




Youtube: Entrevista y actuacion en televisión cortesía de Música en V.O.

jueves, 10 de abril de 2008

58 - "Sensitive", The Field Mice

  • álbum: Sensitive
  • año: 1989
  • sello: Sarah Records

  • "If the sun going down
    can make me cry
    why should I
    why should I
    why should I not
    like the way I am?"

Lo reconozco. No soy más que un advenedizo en esto de la música "independiente". Aunque sintiera cierta querencia por canciones poco usuales, en el principio mis gustos musicales me definían como una víctima más de las radiofórmulas más tópicas. Más adelante gracias a un gran amigo (grande porque mide 1,93 y calza un 46), empecé a escuchar a algunos grupos alternativos y a informarme en revistas, pero seguía siendo un rookie. Ya hacia el 2000 gracias a las benditas listas de música y sobretodo a los popes que las habitaban, fui ampliando más mi espectro. Aún así, es evidente que, aunque por edad hubiera podido, no conocí en directo la oleada de grupos que alguien ha englobado en la etiqueta C-86 y que la primera vez que oí lo de Sarah Records, lo asocié más a un T-1000 que a un sello.

Si te pasa lo mismo que a mí, sería bueno que supieras que C-86 inicialmente era el nombre de una recopilación de grupos británicos que regaló en su momento la revista NME en el año 86. Y Sarah Records... bufff, ¿qué puede escribir alguien como yo sobre un sello que ha sido tan mítico para tanta gente? Probablemente nada original así que prefiero que vayáis a este link donde alguien que sabe mucho más que yo hace un resumen tanto de la filosofía de la editorial como de los grupos más importantes.

Tal y como el insigne Manolo dice, The Field Mice fue el grupo de Sarah Records que estuvo a punto de tener éxito. Ciertamente si uno oye algunos de sus temas se sorprende que no triunfase. "Emma's house", "If you need someone", "September's not so far away", "When you sleep", "This love is not wrong"... O sobretodo este inmenso "Sensitive". Para mí el típico ejemplo de joya injustamente "poco" conocida. Una canción con una vitalidad contagiosa gracias al juego de guitarras. Una letra pulida sobre el sentirnos diferentes. Y un final... Buff, qué final. Esa guitarra hace temblar el cielo para demostrar que siempre hay tesoros escondidos, que merece la pena investigar un poco

Si tu viaje empieza en esta canción, puedes continuar con las otras que se han mencionado antes o probar con otros grupos de Sarah. Aquí hablaremos de Heavenly cuya voz ha vuelto en esta década en la de Èlia, dejadnos barrer para casa, de Zona Negativa o quizá prefieras acompañar a Harvey Williams de Another Sunny Day en su enamoramiento de una chica que ni siquiera sabe que existe. Lo importante es abrir las orejas y no ceñirse a lo que ofrezcan... ni siquiera (algunos dirán sobretodo) a esta lista. Siempre puedes probar otra.

Autor: Inlove with Penelope

Más información: Biografía a cargo de Alastair Fitchett

Mp3: Sensitive




Youtube: Versión a cargo de un grupo tributo al C86

miércoles, 2 de abril de 2008

59 - "Personality crisis", New York Dolls

  • álbum: New York Dolls
  • año: 1973
  • sello: Reprise

  • "Haaaaaawww hoooooowww
    yeah yeah yeah
    nononono nonononooo"

Si alguna vez quieres decirle a alguien qué es el rock... no, el
rock'n'roll... no, el ROCK MACARRA, simplemente pínchale -¡en
vinilo, coño!- "Personality crisis". La primera canción del primer
elepé de los New York Dolls es toda una declaración de actitud. Abre
un riff básico de rock'n'roll y a los seis segundos entra David
Johansen cagándose en tu puta madre con el grito más macarra de la
historia del rock: ¿algún problema, chavalín?
¿Glam? Claro. ¿Hard? Vale. ¿Proto punk? Seguro. Pero por encima de
todo "Personality crisis" es sexo, drogas y rock'n'roll. Mucho sexo,
muchas drogas y mucho rock'n'roll. A saco. Tanto que hasta los
mismísimos Rolling Stones (primera época, los que se caen de los
cocoteros son una puta marca no más) se debieron escandalizar
escuchando a Johansen escupir acerca de los problemas de
personalidad -los motivados por el exceso de anfetaminas y heroína,
por supuesto, pero también los de identidad sexual y existencial-
propios de la post adolescencia. Se llevaron las manos a los oídos
ante esa guitarra de Johnny Thunders dando la brasa (¡bendita
brasa!) con sus riffs elementalmente agresivos en los lugares
incorrectos. Todd Rundgren al borde de presentar la dimisión como
productor.
- Verás Johnny, es que ahí no procede porque está cantando David.
- ¿Quieres comerme la polla, Todd?
A "Personality crisis" ni le falta ni le sobra nada. Sabe a noche
y a ciudad y es puro espíritu rock. Agresivo, directo, básico,
chuleta. Con su parada por la cara a media canción, con sus ambiguos
silbidos de lápiz de labios ("hey nena... o nene") y con un final
que, por si no te había quedado claro en la entrada, se vuelve a
cagar en tus muertos y si tienes algún problema me lo dices en la
calle.
Mira, si alguien hace una lista con las 10 mejores canciones de la
historia del ROCK -con mayúsculas- y no incluye "Personality
crisis", díselo claro: "no tienes ni puta idea, gilipollas". Y
después te meas en su disco de Queen.

Autor: Jam Albarracín

Más información: Página oficial

Mp3: Personality crisis




Youtube: Brutal versión en directo

viernes, 28 de marzo de 2008

60 - "Like a hurricane", Neil Young

  • álbum: American Stars 'n Bars
  • año: 1977
  • sello: Reprise

  • "I want to love you
    but I'm getting blown away"

Más de 40 años de carrera musical... ¿Os lo imagináis?

Como es lógico, da para mucho. Desde girar por Canadá hasta formar parte de Buffalo Springfield. Volver a estar solo o acompañado por un "caballo loco" y hacer cambiar el nombre a Crosby, Stills & Nash para añadirle un Young. Tocar en Woodstock y luego más discos en solitario o con amigos, como Emmylou Harris, Linda Rondstad o los Crazy Horse rebautizados como The Santa Monica Flyers. En los 80, una década oscura y de experimentación o eso se dice. En los 90 el renacimiento con Freedom y el éxito "Rockin' in the free world" (cuidado, chicos, he enlazado el video heviata y no el clip), donde algunos vieron una profecía de la caída del Muro de Berlín. Lo admito, fue la primera canción que conocí de Neil Young.

Tener una larga carrera musical también permite que te admiren por tu vocación izquierdista (Let's impeach the President) o para que te ganes el apelativo de Padrino del grunge. Sea por tus pintas en algunos conciertos, sea porque tocas con los Pearl Jam o quizá porque Kurt Cobain utiliza una estrofa tuya en su carta de despedida: "it's better to burn out than to fade away". No viene a cuento, pero la disyuntiva también aparece en el divertidísimo video de la canción Sugarcube de Yo la Tengo.

Por encima de todo, estar 40 años en el candelero indica que tienes un listado extenso de buenas canciones como se puede comprobar, por ejemplo en la película "Heart of Gold" que corresponde a un concierto con un montón de amiguitos suyos en Nashville. Curiosamente, no es una de ellas este "Like a hurricane". ¿Demasiado rockera para el honesto ambiente country que se respira en la cinta?

Porque "Like a hurricane" es rock. Rock intimista, de acuerdo. Rock suave, si atendemos a la voz. Pero con una guitarra punzante que se desmelena en los solos dejando el corazón destrozado. En un cómic guionizado por Peter David, Hulk se enfrenta a la furia de un huracán llamado, irónicamente, Betty. Y se da cuenta de que sin la hija de Thunder Ross no tiene nada que hacer. Aunque sufra con ella, aunque la haga sufrir, la necesita para encontrar la calma en sus ojos. Al fin y al cabo, ¿qué amor es mejor? ¿El que duele como los demonios o el que cala tranquilamente? Creo que no lo puedes llegar a saber ni con todo el bagaje de Neil Young a la espalda.

Autor: Hulk Salazar

Más información: Página oficial

Mp3: Like a hurricane


Youtube: Versión en directo desenchufada

miércoles, 5 de marzo de 2008

61 - "Here", Pavement

  • álbum: Slanted and enchanted
  • año: 1992
  • sello: Matador

  • "I was dressed for success
    But success it never comes
    And I’m the only one who laughs
    At your jokes when they are so bad
    And your jokes are always bad
    But they’re not as bad as this "

Dulce sensación de fracaso la que se siente cuando sabes que ya no tiene sentido seguir luchando. Estás ahogándote y sabes en cierto momento que ya no hay esperanza, que nadie te va a salvar. Pero ya puedes descansar. Y te hundes, te relajas y disfrutas del momento.

Yo estaba vestido para triunfar, pero el triunfo nunca llegó. ¿Cómo va a llegar en esta ciudad de perdedores donde nunca hay nada que hacer aparte de reírse de los mismos chistes malos? Será mejor olvidarlo, será mejor resignarse a la suerte de una vida gris.

Es extraño lo pesimista que se mostraba Stephen Malkmus en esta bellísima canción que se salía de la norma en aquel maravilloso disco de debut “Slanted and enchanted”, según la web de Matador, el disco más comprado por los poseedores de un Volvo, y según la revista Time, uno de los mejores 100 álbumes de todos los tiempos.

“Slanted and enchanted” era un disco 100% Pavement, el paradigma del sonido lo-fi que se puso de moda en la escena independiente a principios de los noventa. Poco esmeradas grabaciones en un cuatro pistas, directos caóticos, peinados descuidados… pero sobre todo diversión, mucha diversión (como podrán atestiguar dos miembros de Vermouthsport que se conocieron en un autobús de camino a Barcelona en lo que puede ser uno de los momentos fundacionales de este grupo de amigos). Diversión y, qué leches, buenas canciones.

“Slanted and enchanted” es el disco que debería haber ocupado el puesto que ocupó “Nevermind” en las listas de ventas. Pero quizás Stephen y sus chicos no tenían la ambición del rubio suicida. O quizás la portada era demasiado estrambótica, la gente preferiría sin duda a un niño nadando detrás de un dólar.

A este disco le siguió uno genial (“Crooked rain, crooked rain”) y otros que poco a poco fueron decreciendo en nivel hasta que en 1999 pasó lo que sabíamos que iba a pasar. Pavement, un producto de su tiempo, con fecha de caducidad (como la leche y Luis Aragonés) se dejó hundir dulcemente, tal como, de alguna manera, vaticinaba “Here”.

PD: Para llevarme la contraria, parece ser que Pavement planean una reunión para 2009

Autor: Pedro Blasco

Más información: Pavement en Aloha Poprock

Mp3: Here



Youtube: Videoclip de la canción